说一说一些被低估的电影

炯之 2020-10-30 17:25:33

这20部电影豆瓣评分低于8.0,其实符合条件的非常多,被低估的肯定远远不止这些,挂一漏万,所以索性就只说20部个人最想推荐的被低估电影。

1.《20岁的微热》:青春残酷物语

实际上这算是桥口亮辅相对被低估的电影,尽管没有《三心两性》与《周围的事》成熟,可正是这种表达的青涩正好反映了所谓20岁的某种迷茫,在电影结尾的时刻甚至一度让人尴尬,但又给人远超于尴尬的同情,这种怡情能力往往在不经意间流露。你甚至能在很多同性电影中看到它的痕迹,如《美少年之恋》、《17岁的天空》。在远超乎同性的视野中,融入了诸如金钱、谋生等等话题,最后才回到同性认同与情感本身,这种处理虽然可以模糊了所谓真正的矛盾,却不失为一种自然的流露,所谓“微热”不正是在表露内心的逐渐升温吗?那些隐藏的情绪最后是会被发现的。

2.《大玩家》:迷人的长镜头

惊讶于罗伯特·奥特曼的才华,一直被他的倾向性给误导了,实际上他电影调度的功力非凡。这部电影最被人称道的无疑是开头的8分钟长镜头,将好莱坞的整个电影工业透过一个长镜头一气呵成地展示了出来,在这个长镜头中又使用了电影制作的升移推拉、前景、中景、近景、特写等等多种镜头掌握方式。这些镜头有机的结合在一起对真实的好莱坞工业进行了一次浮光掠影式的捕捉。奥特曼的倾向性在电影中依然非常强烈,奥特曼是一个执着地鞭笞时代积弊的影人,这些辛辣的讽刺于他而言更是信手拈来,所以能够有许多滑稽的巧合与机遇,正式在这种啼笑皆非的运动中,世界才成为它本来的样子。奥特曼的才华其实用的很平均,无论是《陆军野战医院》,还是《高斯福庄园》,还是《纳什维尔》与《银色·性·男女》,甚至是本片,几乎都在伯仲之间,因而,《大玩家》使用一部奥特曼电影中相对来说比较背低估的电影。

3.《不羁夜》:保罗·托马斯·安德森的卓越

现在越来越觉得PTA是一个多数作品被低估的导演,人们往往总会习惯性觉得过于炫技,但殊不知炫技本身是一种多么重要的才华,尤其是在这个过于注重文本的年代,能这么无拘束地展现镜头的运动甚至是天然的技法,PTA是值得被重视的。正是因为《不羁夜》的珠玉在前,才有了后来《木兰花》的卓然天成,可以看作是一个对后者的实验。一个情色明星的诞生亦是一个时代失落的挽歌,返古主题的内里,卯足了劲打造而成的色情帝国被时间无情抛弃,身体特质最终都会因不断的向外发散而衰竭颓唐,年代的万般乱象都被以一种歇斯底里的态势表现得荒诞又无奈,各类边缘元素与亚文化的组合与混搭更使得影片本身的独立性跃然纸上,深谙堆砌出美感混乱见真章,却又能看见其中自然变化的力量,这是不会被改变的,整体犹如创建了隔绝了外界纯粹自我发泄的真空宇宙。

4.《不可撤销》:身体与视觉冲击

如果加斯帕·诺只是一个让人不可捉摸的导演,那么绝对不是我想要推荐的原因,对他的喜欢更多地在于他的镜头真切地反映了现实残酷的一面,如果说《遁入虚无》是一场高度风格化的影像实验,那么《不可撤销》则是一场毁灭性的视觉冲击,在一种肮脏的呈现中,你能看到一种所谓蛆虫般交织在一起的生活。这样的生活到底怎么开始的、是否会告终,对于这些我们不得而知,我们只是窥探了一场身体上毁灭性的悲剧,那是一个长镜头所能表现的最大程度的灾难,我们就这样目睹了一切,然后就这样手足无措地离开了,我们没有任何力量去阻止这一切。加斯帕·诺无疑是一个很“坏”的导演,你看不到他的正义感,看不到他对于人物的怜悯,就如同帕索里尼的《索多玛的120天》一样,只有一种撕心裂肺的疼痛在喉咙,想要呐喊却又叫不出来的恐惧。

5.《夜车》:刁式黑色电影的雏形

刁亦男作为黑色电影的传承人,这种锋芒不仅仅在于《白日焰火》或《南方车站的聚会》中,《夜车》可能最初地显露了他对于黑色电影的迷恋。刁亦男呈现的世界时常是一个后工业世界,所谓的后工业往往指代某种已经逐渐落后、过时的工业,而这个视野下的世界充斥着衰败与颓唐,人的内心如同周围的环境一样,毫无生命力,又对于现实不满,这种脱节导致内心逐渐失衡,进而引申出暗黑的一面。《夜车》讲述了一个爱与死亡的故事,这种主题并不新鲜,妙处在于越靠近爱情、就越靠近死亡的这一设定是极其符合整个时代的大背景的,在这个小故事中你能很清楚地看到一个时代给人带来的阵痛。

6.《花容月貌》:关于什么是性

看着《登堂入室》8.5分、《弗兰兹》8.4分、《时光驻留》8.1分,《花容月貌》的7.4分无疑是被低估了。我感觉很少有电影能清楚什么是性,这部电影就好在回答了什么是性。对于少女而言,性意识一直萦绕在脑海中,她可能在与同伴交流时闭口不提这一禁忌,但她却会设想,会手淫,直到她遇见了喜欢的人,她尝试了性,她不一定要多喜欢对方,也谈不上任何牺牲,而是她要真正地知道性,性是否和她所设想的一样,如果不是,她期待怎样的性,所以她通过所谓卖身的行为接触不同的男性来了解自我的需求,最终她确定了她需要的性,而代价就是这种性是可遇不可求的,所以她很快地失去了,于是她开始重新定义自我,她的性需求开始朝更为正统的路径发展,她懂得了身体的代价,因为她明白,有些东西是很美好的,但她可能承受不了,这或许也是我喜欢这部电影的原因,它告诉了我们,人其实就是这么过来的,当性不再是一种饭后意淫性谈资,而是一种现实性身体行为的时候,你可能就能真的认识自我了。

7.《宿命,吾爱》:对身体的迷恋

在某些方面可以看作是对《阿黛尔的生活》的延续,如对于所谓身体的迷恋。但是比起阿黛尔来说无疑要更具有实验性,所以第二部幕间曲在戛纳受到差评是能够想见的。第一部可能就好在相对节制了许多。镜头几乎全是裸露的胴体的大特写,身体牢牢占据前景,后景才是人物的反应,这种处理往往让人忽略对话的具体内容,而聚焦在身体所营造的暧昧的肉欲的荷尔蒙世界,身体有多明媚,行为就有多丰富,男性对女性的视角往往是旁观的,通过不断的“看”达成情感连接,这比对话要更有力量也更独特,少了法国作者电影的那种喋喋不休,反倒通过具体的行为延伸了观者的想象,跟随着主人公对女性的不断审视和观察好像电影的心理场域都扩大了,看似平静祥和的海面后隐藏着一片汹涌的海啸,那可能是欲望,也可能是爱,最有意思的还是当属片头阿明不打断别人做爱的那份等待,这种情感空间的构建是独树一帜的,在另一个无我的空间情感依旧在上演,本质上是对自我的抽离。而羔羊诞生段落更是升华了所谓宿命吾爱的要旨,爱情不也正是一种对生命的构造,情感有构建的可能性。

8.《神秘失踪》:另类“恐怖片”

这部电影常常被看作是恐怖片,但实际上电影的恐怖其实一直都是在隐藏着的,这种感觉和《蓝丝绒》中草堆中发现沾满蚂蚁的耳朵一样,它可能存在,但你一定不敢设想,恐怖的存在便成了薛定谔的猫,人物也一直困在解谜的匣子中,直到最后终因失常吞噬灵魂,或许电影想要说明的是任何事情一旦在一开始就已经犹如沙漏一般作倒计时消退,任何的弥补都无济于事,更严重的可能会遭致自我毁灭的报应。你所能记住的可能也只是一种电影的感觉,在描述一样东西时看似非常细致,最后形成的只是一种朦胧感,如同墙上的斑点一样,放大之后尽是谜题。

9.《回路》:又一另类“恐怖片”

一直搞不懂这电影为什么只有7.0,之前标记的时候甚至只要6.9,在我看来这是黑泽清最好的电影之一了,主要是极其鲜明地展现了所谓黑泽清式沉浸恐怖,但恐怖片影迷们或许会失望,因为黑泽清根本无意于制造真正的恐怖,他的恐怖不是常规恐怖片中的一惊一乍,或者是透过悬念来制造恐惧。他的恐怖是一种黑色的浪漫,是一种软化的恐惧,甚至是有恐惧洁癖的,纯净到看不到任何血腥,更多地是聚焦于人根本不曾留意的某些瞬间,在这些时刻人陷入对周遭的不解,衍生出来的精神失真状态,而他构造这个自成一体的恐怖世界的手段则是在东方化的魂灵母题的基础上融入西方化的心理侧写,他的都市塑造成了颓废的、朦胧的、黑暗的、废墟式的冷建筑群,极低的能见度加剧了阴冷感,一切就显得深不可测。

10.《借刀杀人》:比布莱恩·德·帕尔玛更风骚的走位

迈克尔·曼的犯罪片常被人讨论的常常是《盗火线》,而这部《借刀杀人》在我看来其实是毫不逊色于前者的。甚至在影像建构的层面你更能感受到它的出色,在电影中,摄影机极其灵活自由地充当了人类之眼,详细记录了人物的走位,甚至你看不到摄影机受限的时刻,这也使得电影表现出来的运动感极其强烈,却又不是所谓超级大片式的天花乱坠,反而极其有节制,却又能看到那种存在于悬疑之中的忐忑,摄影机发挥出了它最大的能效。

11.《冰风暴》:李安西方表达的完美

李安的《冰风暴》在我看来是绝对被低估的电影,毕竟李安在97年就已经这么极其纯熟地拍摄了一部极其地道的美国电影,你甚至看不出任何一丝明面上的东方化,只有在内核上的含蓄才显示了东方性。在对人的揣摩上,在对资产阶级家庭关系的建构上,这部电影并不输门德斯的《美国丽人》。在我们年轻的时候,我们的身体会背叛自己,其实人到了中年,依旧逃不出这种诅咒,并不是人越活越回去,而是人的生命中总有不能承受之重,在找不到能彻底解决这种人生的困惑的办法前,背叛自己可能是最容易想到的一步,而冰风暴只是让这种困惑暂时进入延宕期的一个节点,这之后呢,人生该如何继续下去,人终究是老无所依的命运。

12.《狂凶记》:希区柯克晚年佳作

希区柯克的杰作大体上诞生于1960年前后,如《后窗》(1954)、《电话谋杀案》(1954)、《迷魂记》(1958)、《西北偏北》(1959)、《惊魂记》(1960)、《群鸟》(1963),在《群鸟》之后的希区柯克作品都没有此前的荣光了,但晚年的《狂凶记》(1972)不该被忽视,希区柯克呈现了一出炉火纯青的连环杀人案,没有一场废戏,悬念的设置极其扣人心弦,先埋下误导性线索诱使观众与其他人物同步陷入推理的误区,再非常迅速地公布真相,达成出其不意地反转,再借助偶然性因素展现凶手谋杀后的一系列举措,全程悬念丛生高潮迭起,不得不佩服这种细节的把控能力与逻辑的严丝合缝,环环相扣却又去除了所有不必要环节,将几方矛盾同时怕汇聚在最后的一分钟,除了犯罪者心理成因揭露过少之外几尽完美。

13.《基纳瑞》:曼多萨的悲惨世界

布里兰特·曼多萨俨然已是菲律宾影坛最炙手可热的导演之一了,他的影像极其敏锐地抓到了菲律宾社会最悲情的一面,也可以说是最残酷的一面,你能看到非常多生猛的镜头表达,他的镜头语言也极其写实,却又带着一些学者化的注视,《基纳瑞》给人的感觉要比《祖母》、《罗莎妈妈》都要更加强烈,这一次他似乎更为彻底地撕碎了城市的假面,那些肮脏的、丑陋的一面以一种血腥、癫狂的面貌呈现出来,整个观影体验根本无法平静下来,电影在戏剧结构上也抛弃了所谓的最后一分钟营救,他的影像无疑是深刻的。

14.《爱是最重要的事》:爱情存在的风波

祖拉斯基最近似乎被提到的越来越少了,但是他对于人与社会、人与人的关系的揣摩总让人难以忘怀,他的疯魔很大程度上在于对于人类设想地过于悲观了,但这又何尝不是人类本来的面目呢?人在很大程度上就是面目可憎的,所以才需要祖拉斯基这样的导演孜孜不倦地去点醒每一个沉睡的生命。这部电影讲述的也许是爱,却也在很大程度上让人很难感觉到爱,这种处理倒让人感到困惑,爱本身是一件多么日常的事情,但是在祖拉斯基的镜头下,却是这么的匮乏,他没有蔡明亮那么悲观,毕竟他还是给予了这个爱情故事一定的暖色,但是他的方式却是那么极端,他的爱情是悲观的、歇斯底里的、无视未来的,爱在他的镜头下没有时间与空间的限制,也无真心与假意,爱是最折磨人的事,获得爱就是不断自我折磨,爱就是自我毁灭,不断被摧毁的爱才能永远被铭记,他用整部电影的时间告诉你爱是折磨,却只用首尾两个镜头的“我爱你”来告诉你爱是最重要的事,祖拉斯基无疑是个情感的吝啬者,感情的狂徒,但却又是最温柔的杀手,让人甘愿沦陷于他那堕落的美丽。

15.《银色星球》:另类的太空歌剧

依旧是祖拉斯基,这部科幻片远没有其他留名影史的科幻片那么出名,甚至可以说非常小众,但这部太空歌剧不论是本身的超长体量,还是对世界观的拓展,还是本身的神秘与风格化,都可以说是独树一帜,甚至在影史上你很难找到一部雷同的电影。环境构造的想象力与陌生化使得整体气质妖冶鬼魅,绝望感与撕裂感无时无刻不在袭来,宇宙的恐惧正是对环境的未知上,一切被呈现得像一出寓言,常规的悖离形成幽闭的幻想结构,大量的如呓语般的独白让这部科幻恐怖片带有了十足的诗学气质,反倒有种话剧式的美学印象感,这或许对应了我们每个人灵魂深处的不安,这种不安让人着魔,让人在另一个不属于人自身的世界沉溺到不知今夕何夕。

16.《威尼斯疑魂》:卓越的剪辑

这是一部极其符号化的电影,却又不让人感到厌倦。罗伊格不仅擅长用符号,对于镜头的敏感、对于潜意识的挖掘、对于剪辑的偏爱都让他的影像极其魅惑。你能在他的影像中感知到一种清冽的朦胧感,甚至是含混不清。电影的魔力在于用天花乱坠的剪辑方式构建了一个与外界环境水城威尼斯的萧瑟疏离相匹配的迷离错乱的潜意识世界,在这个潜意识世界中失真的状况不断被凸显,性爱就如同梦魇一般鬼魅恍惚,死亡就如同最耀眼的所在让人泥足深陷,假想就如同死神带领人步入万丈深渊,妖冶梦幻的影像给人不曾有过的奇特感,和维斯康蒂的《魂断威尼斯》在气质上竟出奇的吻合。同理,罗伊格的《性昏迷》一样值得一看,表现的是对情感的抽离持续性地提醒观者的我们根本无法真正自主想拥有的情感生活。

17.《神秘村》:影像寓言

我们为了过一种天堂般的生活,所以构建了一个地狱。这是整部电影想要传达的,沙马兰的那种意外结局创作思路依旧让人惊艳。在整个气氛的营造上,沙马兰借助强大的镜头语言创造了一个“异世界”,而这个世界却又只存在于虚幻之中,他的构建让人感知到想象力的强大。

18.《普通人》:迷人的美国家庭片

1980年代美国流行着一类社会问题电影,《克莱默夫妇》、《金色池塘》都属于此类,它们往往聚焦于家庭之中的矛盾,《普通人》便把这类问题透过非常柔和细腻的镜头语言展露了出来,拍出了我设想的电影那最迷人的模样,迷茫的眼神中是比这还要迷茫的对自我对外界的恐惧,迷茫可能不准确,应该是迷失,越来越喜欢这样再简单不过的电影了,纯粹不刻意,相望无言的时候是两个灵魂相撞的时候,没有任何悲伤是不需要理由就能走出的,我们每个人远比自己想象的要脆弱。

19.《绿鱼》:李沧东长片处女作

人们谈论李沧东,往往只说他的《燃烧》、《薄荷糖》、《绿洲》、《诗》、《密阳》,对于《绿鱼》常常是无视的,实际上作为李沧东的长片处女作已经非常惊艳了,有着非常广阔的遐想空间。绿鱼指儿时记忆,是人的潜意识中对于美好的定义,是永远回不去的童年往事,在时间的推移中,绿鱼指向人生中所有美好却又实现不了的事情,如静静燃烧的红色爱情,这团火小到只能燃烧自己,注定不能同爱人一起燃烧,绿鱼还指向还没开始就已经结束的未来,李沧东一直在进行着一种如《薄荷糖》一样回溯的人生。

20《偷窥狂》:媒介与精神分析

一出恐惧吞噬灵魂的戏码,死亡的原因出奇的一致,越恐惧越靠近死亡,用直接的镜头记录真实的死亡的面孔,这种媒介的运用与精神分析的结合往往能推进心理透视从而更全面地认知个人的经历是如何影响现在,整体是一种沉浸于恐惧的回溯,指向童年阴影,这是主人公无法克服的过去,所以试图通过一次次谋杀寻求让自我可以舒缓的时刻,病态却又点出了精神疾病的恐怖。

有机会的话再写8.0分以上被低估的电影。

炯之
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