西方绘画史学习笔记(上)

英国大使馆文化教育处 2017-08-12
作者:小有清闲

学习设计的有关课程,常常会提到大量的艺术家和绘画作品。各色画家、各种画派混杂,时常感到混乱不堪。

于是,决定简单的学习一下西方的绘画史。

在长达3个多月的自我学习中,颇有收获,也随手做了些笔记。如今有了清晰的绘画史脉络在脑子里,再去看那些画家画派,已经不再是当初那般云里雾里。

总结起来,西方的绘画史暗藏着如下路径:

图腾、岩画,敬畏自然;
古希腊罗马画神,神性同人性,美丑并存;
中世纪画基督,强调戒律和对上帝的敬畏;
文艺复兴,复兴古希腊罗马的艺术,要美,除了画神,也要画人;

至此,画家的灵魂自由。

不局限于画神或者画人,还要画客观的风景,于是有了莫奈,有了印象派;

想给客观的风景加上主观的情绪,于是有了梵高,有了后印象派;

颜色上想更自由,想怎么画就怎么画,于是有了马蒂斯,有了野兽派;

颜色的自由之外,想要线条也自由,我要画扭曲的脸,于是有了毕加索,有了立体主义;

脸部线条的扭曲不算什么,我想要表现灵魂的扭曲,于是有了蒙克,有了表现主义;

有形的东西已经不足以表达,我想要无形,我只画色彩跟形状,于是有了康定斯基,有了抽象主义;

绘画应该更贴近生活,不局限于画笔和颜料,我要印刷,于...
作者:小有清闲

学习设计的有关课程,常常会提到大量的艺术家和绘画作品。各色画家、各种画派混杂,时常感到混乱不堪。

于是,决定简单的学习一下西方的绘画史。

在长达3个多月的自我学习中,颇有收获,也随手做了些笔记。如今有了清晰的绘画史脉络在脑子里,再去看那些画家画派,已经不再是当初那般云里雾里。

总结起来,西方的绘画史暗藏着如下路径:

图腾、岩画,敬畏自然;
古希腊罗马画神,神性同人性,美丑并存;
中世纪画基督,强调戒律和对上帝的敬畏;
文艺复兴,复兴古希腊罗马的艺术,要美,除了画神,也要画人;

至此,画家的灵魂自由。

不局限于画神或者画人,还要画客观的风景,于是有了莫奈,有了印象派;

想给客观的风景加上主观的情绪,于是有了梵高,有了后印象派;

颜色上想更自由,想怎么画就怎么画,于是有了马蒂斯,有了野兽派;

颜色的自由之外,想要线条也自由,我要画扭曲的脸,于是有了毕加索,有了立体主义;

脸部线条的扭曲不算什么,我想要表现灵魂的扭曲,于是有了蒙克,有了表现主义;

有形的东西已经不足以表达,我想要无形,我只画色彩跟形状,于是有了康定斯基,有了抽象主义;

绘画应该更贴近生活,不局限于画笔和颜料,我要印刷,于是有了安迪沃霍尔,有了波普艺术;

艺术本来就是生活的锋芒,小便池也可以是艺术品,于是有了杜尚,有了达达主义;

一番下来感觉清晰无比,绘画并非杂乱无章,每一个画派的产生都不曾脱离它所依附的历史和时代。


以下,细细看来。

绘画史,最早从古代的图腾开始,岩石上、山洞里。人们对大自然的敬畏以图腾的方式视觉化。



虽然也有线条和颜色,但这样画更多的被看作是绘画的初级或雏形阶段。

慢慢到了古希腊、古罗马时期。

这一时期绘画的主要形式:陶瓶彩绘和建筑壁画。

古希腊的陶瓶彩绘
古希腊的陶瓶彩绘


建筑壁画:
庞贝古城出土的壁画《珀尔修斯与安德洛墨达》



这幅作品取材于希腊神话:安德洛墨达被海怪挟持,英雄珀尔修斯杀死海怪,救出美人。壁画描绘的正是英雄救出美人的一刻。

古希腊、古罗马时期,神话故事已经发展成完整的体系,从神的姓名到形象都有一定程度的固化。绘画的内容也全部是神话中的场景和情节。

简而言之,这一时期的绘画,全部在画“神”。

到古罗马后期,基督教成为主流。艺术随历史而流动,绘画中古希腊古罗马的神,逐渐被“上帝”所取代。虽然上帝也是神,但此神已非彼神。

古希腊罗马的神话体系里,可以清晰的窥探到人性的存在:倾心、爱慕、贪婪、嫉妒、占有等等这些在人身上存在的东西,神的世界都有。神的情感和爱,甚至比人还要丰富:神爱上自己的影子,爱上动物,爱上自己的兄弟姐妹,甚至父亲爱上自己的女儿,儿子爱上母亲、弑父娶母的情节也存在。

那时候画家表面是在画“神”,但表达的其实都是人性,可言的人性和不可言的人性。

所以,中世纪以前的绘画,都可以理解为在用“神”来表达人性的欲望,画作里看到是神的美丽的身体和充满人性欲望的眼神。

中世纪来了,基督教来了。

欲望,是要被禁锢的。

艺术开始强调对上帝的敬畏,强调遵守上帝的戒律。严肃的基督教主题很快代替了希腊罗马的神话世界。

无论是建筑还是绘画,都以宣扬基督教精神为核心,人物形象程式化:刻板、威严、华丽、富有永恒的精神力量。

中世纪的绘画形式:教堂的壁画、镶嵌画。

在这些画作里,最常见的是目光平直、面无表情的脸。画里依然有神在,也有神性在,但已经无法再窥探到“人”性,一丝一毫都没有。

意大利圣维塔列教堂的镶嵌画《查士丁尼及其随从》



这是拜占庭美术第一次繁盛时期的产物,也是拜占庭装饰艺术中最典型的代表作。描绘了查士丁尼皇帝及其随从手捧圣餐杯盘和祭品向基督献祭的场景,是拜占庭帝国政教合一的典型产物,毫不遮掩的强调世俗王权的神圣化。

这样的状况延续了大约一千年!

到了14世纪,经济飞速发展,资产阶级诞生并发出呐喊:我们的生活要些情调。我们要复兴古希腊、古罗马的优秀文化,我们要重新开始画”神“,画拥有美丽的身体、美丽的脸庞和美丽的眼神的“神”。

于是,伟大的文艺复兴来了!

资本主义到来,封建的中世纪被彻底终结了。

这个时期绘画的代表人物是乔托.迪.邦多纳(Giotto di Bondone),他是意大利文艺复兴的开创者,被誉为“欧洲绘画之父”。

乔托摆脱了中世纪绘画的呆板,重视透视手法跟色彩的运用。

代表作《犹大之吻》


《哀悼耶稣》
《哀悼耶稣》


在文艺复兴早期,绘画还是”很基督的“,还是需要借助神话故事、宗教题材来作为载体以铺陈,乔托的壁画也不例外。

虽然还是以宗教题材为主,但人物形象已经非常生动,有了很强的立体感,这与中世纪画作里的人物已经是天壤之别。

文艺复兴早期的画家还有桑德罗.波提切利(Sandro Botticelli)。

波提切利的《春》,优美宁静的树林里,美丽的维纳斯位居中央,以闲散优雅的表情等待着春的降临。


《春》常常与他的另一幅名作《维纳斯的诞生》相提并论。《春》中的维纳斯显得缺少欢乐的情绪,反倒是旁边的几位女神,翩翩起舞,传递着春天的欢乐。

在《维纳斯的诞生》中,维纳斯踩在贝壳上,右边是春之女神,正在为她披上华服,左边风之神送来暖风阵阵,吹动着她的头发。



维纳斯,是爱与美的女神,波提切利很喜欢画维纳斯,这也反映了画家在内心对爱和美的追求,可以说是对漫长的中世纪绘画里的呆板、沉闷最正面的迎击。

文艺复兴在整个欧洲蔓延。

在北欧,尼德兰地区也出现了一些著名的画家,杨 · 范 · 艾克 (Jan Van Eyck, 1385-1441)就是其中之一,他是早期尼德兰画派最伟大的画家之一,也是15世纪北方后哥特式绘画的创始人。

跟当时意大利画家不同的是,他没有透视法的知识,也不懂解剖学,他只是通过对光线投射的深刻研究,使画面具有强烈的真实觉。可以说他主要依靠的是他本人的视觉经验作画。

代表作品《阿尔诺非尼夫妇》

画中的人物像大头娃娃一样不合乎透视关系,但这并不妨碍画作本身的美。

《包着红头巾的男子》
《包着红头巾的男子》


历史进入16世纪。

这是文艺复兴美术的盛期,这个时期出现了著名的文艺复兴三杰:达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔,他们的出现标志着文艺复兴美术的顶峰。

列奥纳多 · 达 · 芬奇(Leonardo da Vinci)

文艺复兴时期著名的画家,同时在音乐、建筑、数学、解剖学、天文学、地质学、物理学、气象学等诸多领域都有显著成就。

达芬奇运用自己独创的“薄雾法”表达空间结构,他并不十分关注颜色和形状,而是更强调明暗关系。
《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》

《最后的晚餐》
《最后的晚餐》

《圣母子与圣安妮》
《圣母子与圣安妮》

《施洗者圣约翰》
《施洗者圣约翰》


米开朗基罗(Michelangelo)

不仅是画家,也是著名的雕刻家。虽同为文艺复兴的三杰,但他与达芬奇跟拉斐尔合不来,更经常顶撞他的恩主。他一生追求艺术的完美,风格几乎影响了以后三个世纪的艺术家。

他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷礼拜堂的《创世纪》天顶画和壁画《最后的审判》,其声望可以跟达芬奇的《蒙娜丽莎》相媲美。

《创世纪》是西斯廷礼拜堂大厅天顶中央部分按照建筑框边画的连续9幅宗教题材的壁画。由“上帝创造世界”、“人间的堕落”、“不应有的牺牲”三部分组成。其中《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕:天外飞来的上帝,将手指伸向亚当。这样一个瞬间,将人与上帝连接起来。


《最后的审判》
《最后的审判》


画面大致分为四个阶层:上层是天国,中间是耶稣基督,下层是受裁决的人群,最底层是地狱。画中央的耶稣站在云端主持着正义的审判,圣母在耶稣身旁怜悯的审视着世人。 画面左侧,行善者在耶稣右手的指引下升入天堂,画面右侧,作恶者在耶稣左臂的示意下堕入阴暗的地狱。


拉斐尔 · 圣齐奥(Raffaello Sanzio)

拉斐尔的绘画以“秀美”著称,画作中的人物往往模样清秀,场景祥和。他将宗教的虔诚与非宗教的美貌融合在一起,创造出十分和谐的画面,即使是《圣乔治大战恶龙》这样的场景在他的画笔下也是平静安详的。

拉斐尔很擅长画圣母,有多幅圣母作品。

代表作品:《雅典学院》


《圣母子》
《圣母子》


《草地上的圣母》
《草地上的圣母》


《圣母与圣子》
《圣母与圣子》


《西斯廷圣母子》圣母把小耶稣送往人间替人类赎罪,圣母的脸上不再是高大庄严、满脸的牺牲精神, 而是有无奈和悲伤,这是作为母亲的血肉情怀。

文艺复兴,是神的复兴,更是人的复兴。这一点在《西斯廷圣母子》里体现的淋漓尽致。

《西斯廷圣母子》
《西斯廷圣母子》

《圣乔治大战恶龙》
《圣乔治大战恶龙》

《基督被解下十字架》
《基督被解下十字架》


《朱提斯》,描绘的是古代犹太女英雄朱提斯亲手杀死敌军首领、拯救祖国的故事。但乔尔乔内重点表现的不是巾帼英雄的气概,而是少女温柔秀美的容貌。


《田园合奏》,这是乔尔乔内跟提香合作的作品。
《田园合奏》,这是乔尔乔内跟提香合作的作品。


到这里,不得不提到一下马奈跟他的名作《草地上的午餐》。



马奈正是以这幅《草地上的午餐》开启了“印象派”的大幕,有人说他是在效法乔尔乔内跟提香的《田园合奏》。效法也好,借鉴也罢,不难看出,《草地上的午餐》与《田园合奏》确有某些东西遥相呼应。

乔尔乔内的绘画风格,特别是色彩的运用和气氛烘托的技法,经提香等人之手被发扬光大,成为威尼斯画派最重要的艺术遗产。


提齐安诺 · 维伽略(Tiziano Vecellio,1490-1576),英语系国家更经常称呼为:提香(Titian)。

《乌比诺的维纳斯》,提香把维纳斯搬回家中,让不食人间烟火的爱神住进贵族妇女雍容华贵的寝室。



人们常把提香的这幅作品与乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》相提并论。

2幅作品的确十分相似,提香跟乔尔乔内同出一个师门,有如此类似的画作,也不奇怪。2幅画都是在借着神的名字,表现女性的身体之美。

提香的另一名作《花神》,文艺复兴时期最完美的女子肖像。


据说画中人是当时提香正热恋的爱人,提香把他全部的爱都画进了画里。

《天上和人间的爱》
《天上和人间的爱》


女神维纳斯正同一位美丽的女子交谈,这位女子是希腊神话中的巫女美狄亚,两个人各自代表着天上的爱和人间的爱,还有小爱神在一旁玩水嬉戏。这是提香早期的一幅作品,可以强烈的感受到提香内心深处对“爱”的渴望,爱无处不在,无论天上,无论人间。

文艺复兴时期的画家不胜枚举。无论他们属于哪个画派,崇尚怎样的绘画手法和风格,又或者依旧在借用神的身体作为表达,他们的画作都有一个共同的支撑,那就是:歌颂“人”。

文艺复兴的到来,绘画又重新进入了“画人性”的时代。这个时代,你可以借助画神来表达人性,也可以直接画人来表达人性。这是对古希腊、古罗马的复兴,但,此时画家作品里的“人”,又跟当初已经完全不同。

画家自由了。

更大的自由还在后头。

未完待续.........

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