美国丽人 美国丽人 8.4分

导演说

非虚构
2018-04-11 22:08:33

《美国丽人》是英国导演萨姆·门德斯执导的首部故事片。影片采用黑色喜剧方式,通过两个普通的美国家庭,展现了美国社会在看似和谐的表象之下,隐藏着的种种丑陋与阴暗,并有意将其夸张、扭曲、放大,让观众觉得荒诞不经、滑稽可笑的同时,又感受到无法抑制的沉重和苦闷。影片凭借其独特的艺术表现和深厚的寓意,一举获得72届奥斯卡五项大奖,成为当年奥斯卡的大赢家。

在主题表达上,本片采用层层推进式的方法。通过对几位典型人物的重点刻画,围绕在两个家庭之间的诸多危机,反映了美国社会的众生相和普遍存在的社会问题,并最终通过主人公的一步步转变和觉醒,将影片引伸至对人性危机的探讨。主人公莱斯特是中产阶级一类男性的代表:事业平平,被家人无视;丧失了曾经的理想,甘于平庸,无欲无求。而卡罗琳则是被物质欲侵蚀的一类典型。她信仰成功,为了成功,处处维持着自己的完美形象。在她眼中失败是可耻的,因此她极力压抑内心深处的柔弱。女儿简,外表冷漠,内心自卑。她痛恨父母的漠视,用叛逆的方式祈祷关注。而简的好友安吉拉,美丽却内心脆弱,害怕平庸,不能容忍被忽视。瑞奇的父亲弗兰克,又是另一类中产阶级的男性代表:为得到社会的肯定,而完全否定

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《美国丽人》是英国导演萨姆·门德斯执导的首部故事片。影片采用黑色喜剧方式,通过两个普通的美国家庭,展现了美国社会在看似和谐的表象之下,隐藏着的种种丑陋与阴暗,并有意将其夸张、扭曲、放大,让观众觉得荒诞不经、滑稽可笑的同时,又感受到无法抑制的沉重和苦闷。影片凭借其独特的艺术表现和深厚的寓意,一举获得72届奥斯卡五项大奖,成为当年奥斯卡的大赢家。

在主题表达上,本片采用层层推进式的方法。通过对几位典型人物的重点刻画,围绕在两个家庭之间的诸多危机,反映了美国社会的众生相和普遍存在的社会问题,并最终通过主人公的一步步转变和觉醒,将影片引伸至对人性危机的探讨。主人公莱斯特是中产阶级一类男性的代表:事业平平,被家人无视;丧失了曾经的理想,甘于平庸,无欲无求。而卡罗琳则是被物质欲侵蚀的一类典型。她信仰成功,为了成功,处处维持着自己的完美形象。在她眼中失败是可耻的,因此她极力压抑内心深处的柔弱。女儿简,外表冷漠,内心自卑。她痛恨父母的漠视,用叛逆的方式祈祷关注。而简的好友安吉拉,美丽却内心脆弱,害怕平庸,不能容忍被忽视。瑞奇的父亲弗兰克,又是另一类中产阶级的男性代表:为得到社会的肯定,而完全否定、隐藏和压抑自己的人。影片里几乎每一个人物,都在尽力服从着社会的游戏规则,努力扮演自己的角色。就如弗兰克在教训瑞奇时所说的那样:“你不能爱怎样就怎样,你得懂得守规矩!”然而,这些想要变得正常的人们,却隐藏了太多的丑陋。他们在扮演的游戏中,逐渐丢失了真实的自己,失去爱与被爱的能力。灵与肉的鸿沟是恐怖的,会让人不自觉地落入无止境的孤独。于是,莱斯特的麻木、卡罗琳的面具、弗兰克的残暴强势等,便成为他们对抗孤独、继续生存的武器。这些人中,唯一懂得生命之美的人,确是看似最不正常,被认定为怪胎的瑞奇。这无疑是个巨大的讽刺,难道这就是所谓的美国梦吗?这就是被美国政府鼓吹的,所谓富裕发达的幸福生活吗?在看似平静的、不动声色的叙述中,影片将对美国社会的质疑传递给了每一个观众。

那么,面对虚假、不堪一击而又危机四伏的现实生活,人们的命运又将如何?借由莱斯特的转变,导演给出了自己的答案。莱斯特的蜕变同样是递进式的,由外在上升至灵魂,最终完成自我救赎。一切开始于安吉拉的出现,是她让莱斯特重新找到了心动的感觉。安吉拉的完美外表,不仅唤醒了莱斯特的性欲,更让他感受到了美,体会到生命的律动。而此前,在长达二十多年的日子里,他只是个忘记了自己仍在呼吸的活死人。是安吉拉让他找回自己,有了积极生活的动力。在她面前,他紧张到失态。她的留宿,会让他控制不住地产生幻想,无所适从。甚至他会因为安吉拉的一句玩笑,努力锻炼重塑身材。所有的行为就像是一次对青年时代的回归,充满了热情和生命力。如果说,安吉拉赋予莱斯特的,是对自身欲望的发现。那么,瑞奇则是让他找到了全新的生活态度。瑞奇的洒脱以及对自我的坚持,对莱斯特来说曾是不可想象的。在目睹瑞奇轻易地辞去工作后,他更是发出“你就是我的偶像”的感叹。瑞奇的身上,有着令莱斯特艳羡的年轻人的果敢。这深深触动了莱斯特想要获得释放的蠢蠢欲动的心。终于,莱斯特勇敢地向命运发起了挑战。他辞掉了工作,追喜欢的女孩,买了心仪的跑车……过起自己心目中的理想生活。然而,这时的莱斯特依旧只是个孤独的突破者,用放纵的方式去实现自我的解脱,其中多少夹杂着无奈和迫不得已。这样的反抗,是让人担忧的。因为此时莱斯特的对立面,不再只是个人,而是整个社会规范。他的举动已让自己游离出原来的群体,变成同类中的异类。在强大对手面前,他迟到的叛逆显得是那么无力、格格不入。最终,在经历了短暂的疯狂放纵后,又一次以安吉拉为契机,莱斯特完成了真正意义上的回归。在那个大雨瓢泼的夜晚,当他得知安吉拉仍是个纯洁少女时,莱斯特放弃了近在眼前的占有。那一刻,是安吉拉的柔弱和纯真唤醒了他的父性。应当说,莱斯特用温暖的父爱守护了心目中的完美。也正是那一夜,他实现了除却欲望后的自我审视,让心灵回归家庭。回忆起家庭往昔的幸福,也让他明白到生活的真谛。霎那间,莱斯特感受到了太多的美好。这些美填满了他的心,让他对人生充满感激。然而,就在莱斯特实现了自我救赎的同时,他的生命也随着一声枪响戛然而止。这样的结局,蕴含着导演太多的寓意。畸形膨胀的物质欲,人情冷漠虚伪,一群迷失的人,这就是莱斯特所在的中产阶级群体。在这里,游戏规则早已无法改变。在既定的社会准则和世俗观念的制约下,莱斯特即使清醒了也无法逃离。他已经深陷社会和时代的桎梏,这就是命运的悲剧。

剧作方面,本片最大的魅力是其非常规化的叙事结构和独特的视点。

影片一开始,主人公莱斯特就陈述了自己已经死去的事实。而全片正是死后的莱斯特,对其人生最后一年时光的回忆。首先,如此的视点安排,一瞬间就能吸引住观众的视线,引发他们的好奇心。这一年里发生了些什么?是什么导致主人公的死亡?带着这些疑问,带着对莱斯特的担心和悲悯,观众会主动走入剧情,去一探究竟。其次,一个死去的人对自己人生的审视,也更有震撼性和说服力,无形中它也为影片蒙上了一层莫名的悲凉。这股忧伤随着剧情的发展,最终在莱斯特死去的那一刻爆发,极具张力。故事结构上,以倒叙开始,三次街景航拍清晰地将影片分为三段:它们分别是改变前的黑暗生活、反抗以及死亡前的自我救赎。在每一个段落里,导演也只是选取了简单的生活片段,工作状况、学校、餐桌上家人间的摩擦等等。没有强烈的戏剧冲撞,取而代之的是沉着冷静的娓娓道来。然而,正是这种波澜不惊式的叙述,将潜藏在正常生活后的一切丑陋,赤裸裸地暴露在观众面前。这种压制在平静下的爆发,更具有穿透性。它于无声处布惊雷,巨大的爆破力直击观众心灵。对DV影像的运用,是本片另一重要特色。首先,它在叙事上起到了重要的作用,既是连接两个家庭的纽带,又是最终悲剧的导火索。瑞奇偷拍简,开始了两人的相识相知。而一段莱斯特裸体的画面,又让弗兰克对儿子与莱斯特的关系产生误解,最终导致荒唐的谋杀。其次,瑞奇和他的DV又是影片中又一个重要视点。这个视点更加客观和残酷,它穿过了生活的表象,直视丑恶。在影像世界和现实世界的交映下,人们开始困惑什么才是真实,而这也正是导演的良苦用心。再者,DV影像更是起到了点名主题的作用。借助瑞奇手中的DV,影片向观众揭示了生活中细小的美,展现了每一个事物背后的灵动。就像那只在风中舞动的塑料袋,尽管被迫无奈,尽管不知结局,仍旧努力享受着生命此刻赋予的快乐。

在视听方面,不得不提的,就是本片非常富有表现力的空间造型。导演特别擅长通过打造空间来刻画人物性格,暗示人物内心情绪,以及渲染气氛。可以说,在影片中,饱含深意的空间,实际参与了叙事,是故事讲述中最重要的元素之一。以影片一开始介绍莱斯特的镜头为例。摄影机从卧室的天花板向下俯拍,屋子大部分处在黑影中。房间内陈设简单,以白色为主色调,整个画面看上去特别空寂冷清。床两头各一盏白色台灯,加上背光面墙体上的灯影共同形成了一个强造型。它们起到了分散观众视线的作用。让原本就处在阴影之中的莱斯特变得更不起眼,像是要消失在画面里。受压抑、被无视、丢失存在感,仅仅一个空间,就准确地交代了主人公的现状。加上莱斯特“心已经死了”的告白,更是让观众打心底里对他产生怜悯之情,很富感染力。再以莱斯特初遇瑞奇,两人在宴会厅外吸大麻的段落为例:一整片高耸的灰色砖墙,忽闪着诡异光亮的黑色地面,让居于其中的莱斯特显得特别渺小和无助。一扇白色的小门将世俗世界锁在了墙内,俩人几乎完全处在一个满是黑影的,几近于表现主义风格的空间之中。导演用这种有些夸张的风格,巧妙暗示了莱斯特即将到来的游走,以及这场反抗所要承受的孤独。

此外,本片在对相似空间的不同情绪展现上,也表现得很是出色。导演非常善于对空间内的细节进行变化,以此来传达出更丰富更多变的讯息。以莱斯特家两次晚餐的段落为例。第一场晚餐戏出现在开场后的第七分钟。镜头从门外推进,整个餐厅尽收眼底。灰色的墙壁和白色的门窗,让屋子里呈现一种冰冷的色调。壁灯以及从落地窗外透进的微亮,用光线将屋子一分为二。椭圆形的餐桌完全被置于背光面,一家三口各占一方,浓重的阴影笼罩在他们身上。冷漠的氛围充斥着画面,整个空间昏暗而空旷。此时,不用过多的言语,无需频繁的剪辑。仅仅一个全景,就足以让一家人的关系暴露在观众面前。然而,导演并没有停留在视觉化的呈现。镜头一直在缓缓地向前推进,最终完成了一个长达一分多钟的运动长镜头。向前推进的镜头,带领观众慢慢进入主人公们孤独的内心,感受到那令人颤栗的冰冷。第二场晚餐戏,安排在莱斯特辞职后的当晚。第一个镜头依旧是从门外拍摄的全景。此时,虽然是同样的餐厅,气氛却大相径庭。仔细比较就会发现,这一次,餐厅落地窗外一片漆黑,没有任何光线透进。微小的改变,让屋子瞬间变得狭窄。此外,从摄影机后射入的光亮也帮助起到了压缩空间的效果。细节的改变,着实成功地为其后的争执戏营造了紧张的氛围。全景之后,镜头直接切至卡罗琳近景。接着,更是用一连串的快速对切,将主人公们框在了各自的空间。压抑感不断上升,直至莱斯特的最终爆发才得以缓和。相同的例子还包括,莱斯特与上司的两次谈话。第一次谈话时,莱斯特的生活还未发生变化,他仍处在弱势。于是,我们看见,全景镜头下,莱斯特一个人远远地独坐在屋子中间。画面里,几乎没有多余的摆饰。他被三面白色的墙壁包围着,孤立无援。一种无力感,瞬间在各个角落蔓延。相对的,在仰拍中景镜头下,正坐对面的经理所占有的空间,显得饱满而充实。其身后竖条纹的百叶窗,以及桌面上的黑色物件,都增加了画面的稳定感。让人切实感受到那股强势和权威的力量。第二次谈话,则是莱斯特宣告辞职时。莱斯特直接坐在经理桌边,镜头也从全景缩小至中景。画面里,前景右侧的黑色台灯,构成了一个重色块。它凸显了莱斯特的形象,强调了他的决心。其次,后景的黑色桌子、墙体上的光柱等,也起了重要作用。它们让莱斯特所处的空间变得丰富和稳定,表现出莱斯特想要改变的信心和勇气。相反,经理这边,浅焦距的近景镜头,将他的空间无限压缩。惨白的后景,让整个画面显得空虚而无力,很好地表现出他弱势的处境。从以上两个例子,我们发现:同样的空间,同样的人物,只因空间造型和镜头上的微小变化,就能表现出完全不同的意义。可以说,本片确实让观众领略到,空间造型对于电影艺术的重要性和在未来实际运用中无尽的可能性。

综上所述,本片以美国中产阶级家庭为焦点。通过展现他们平静生活下的种种阴暗和丑陋,揭示了隐藏在美国社会的严重的家庭问题和社会危机,抨击了被主流社会所宣扬的腐朽的价值观念。并借由主人公莱斯特的反抗和自我救赎,总结出尊重生命、感受生活的人生真谛。《美国丽人》以它高水平的制作、积极的社会意义、深刻的人性反思,成为1999年美国,甚至是世界影坛上的一朵奇艳的玫瑰,被众多观众奉为是心目中无可取代的经典。

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