爱乐之城 爱乐之城 8.3分

看了《爱乐之城》,我想起爱上电影的最初

子戈
2018-03-12 10:15:48
提示:这篇影评可能有剧透

任何一部热门影片,都逃不过影评界的三板斧,《爱乐之城》也不例外。

最开始,先会迎来一波赞誉,而且话说的都很满,像什么提前锁定2017年度最佳、拯救了歌舞片、革新了电影语言……每个影评人都在绞尽脑汁,找一个刁钻的角度,然后坐稳第一个说“喜欢”的人。

如果没赶上第一波的话,没关系,你还可以加入第二梯队,给这部电影泼泼冷水,比如:一部被严重过誉的电影、不过是精心包装的陈词滥调……总之那意思是,喜欢这样的电影,只能说明你没文化、见识短。

等到该夸的夸完了,该骂的也骂完了,最后还会冲上一波优越感爆表的影评人,大声高呼:无论是赞的,还是踩的,其实你们都没看懂《爱乐之城》,它应该是这样的……

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任何一部热门影片,都逃不过影评界的三板斧,《爱乐之城》也不例外。

最开始,先会迎来一波赞誉,而且话说的都很满,像什么提前锁定2017年度最佳、拯救了歌舞片、革新了电影语言……每个影评人都在绞尽脑汁,找一个刁钻的角度,然后坐稳第一个说“喜欢”的人。

如果没赶上第一波的话,没关系,你还可以加入第二梯队,给这部电影泼泼冷水,比如:一部被严重过誉的电影、不过是精心包装的陈词滥调……总之那意思是,喜欢这样的电影,只能说明你没文化、见识短。

等到该夸的夸完了,该骂的也骂完了,最后还会冲上一波优越感爆表的影评人,大声高呼:无论是赞的,还是踩的,其实你们都没看懂《爱乐之城》,它应该是这样的……

我也是个写影评的人,如果影评在中国还能算得上一个行业的话,我只能说,我喜欢影评,但我并不喜欢这个行业。

或许是我太过愚钝了,就像喜欢传统爵士乐的小塞一样,跟不上快速变化的消费时代。

我也知道,博眼球的要义就在于尖锐和极端,中庸是不可取的。

可我还是想在这个所有人都尽力把自己削尖的时代,做一个迟钝的人,永远站在此刻的后面,和风口保持距离。

这样才不至于被它裹挟,说一些身不由己的话。

说回到《爱乐之城》。

我是在看过第一遍后,回来听原声的过程中,喜欢上这部电影的。

因为在听的时候,我看见整部电影的画面在眼前重放,所有故事、情感、温暖、遗憾,全都在音符里。

那一刻,我才意识到,这是一部“被歌舞统治”的电影,影片从始至终,都是“歌舞”在推动着叙事、引领着情绪。

而这,才是一部歌舞片,该有的样子。

一部好的歌舞片,“感官传达”是要先于“故事理性”而存在的。

这也是《爱乐之城》最先吸引我的地方。

我们看到,影片一开场,就是一段长达5分钟的歌舞长镜头。

拥堵的洛杉矶,被延宕的追梦步伐,使得一群年轻人跳出车外,用歌舞来宣泄内心的躁动。

这是对梦想主题的一次定调。

我们看镜头中的男男女女,轮番上场,在稍纵即逝的机会中,为自己争到一幅画面。

只听他们唱着,“我在群星荟萃的洛杉矶,追寻着灯光与梦想……”

梦想,就是这座城市的空气,是没有人可以停止的呼吸。

随后,在这座梦想之城里,爱情上演了。

就像四季不可逆转的更迭,我们看着男女主人公的爱情,也经历了注定的冷暖变化。

在每一次变化中,“歌舞”始终作为“第一推动力”而存在,从未缺席。

于是我们看到:

小塞和米娅的第一次相遇,是因为琴声。米娅循声走进酒吧,看见小塞正弹着钢琴,于是人群突然暗去,一束光降临在他们之间。

小塞和米娅的第一次暧昧,是在舞蹈中完成的。那是一个傍晚,近处是街灯和长椅,远方有星河和山峦。两个人虽唱着“一个被浪费的良夜”,可是,身体却比语言诚实。只见他们默契地共舞,若即若离地追逐,所有心思都已表露无遗。

小塞和米娅的第一次约会,也是音乐促成的。那时的米娅,正心不在焉地陪男友吃饭,突然,广播里传来初次与小塞相遇时的琴声,就像是一道闪电,刺破了所有防备,照亮本心。于是米娅抛下男友,一路微笑着奔跑,赴小塞的电影之约。

此后他们的爱情不断升温,在格里菲斯天文馆虚拟的星空下,失去重力,奋舞到银河边;在爵士酒吧里,小塞弹琴,米娅斗舞,High翻全场……

直到影片的最后,那个既温暖又心碎的蒙太奇段落,更是将曾经流淌在他们爱情经验中的每一段旋律,全部以变调的形式,混剪到了这段幻想的爱情中,从而呈现出了一种浓缩又跌宕的生命质感。

应该说,如果没有歌舞,或是换成对白,这个爱情故事是不成立的。

因为在这部影片中,歌舞是先于爱情的动作,而爱情是藏在歌舞之后的心事。

这也就解释了,为什么单纯依靠理性,很难走进这部电影。

因为在音乐和舞蹈面前,很多事情是不需要理由的。比如“相爱”这件事,当小塞坐在钢琴前,一束追光打下来,手起手落间,碎梦般的琴声响起,那一刻,爱情就已经成立了,还要什么理由呢。

《爱乐之城》第二处打动我的地方,在于它娴熟的电影语言

这要仰仗于导演达米安·沙泽勒对于影片节奏的非凡控制力。

他在上一部电影《爆裂鼓手》中,依靠“鼓点般的快速剪辑”来营造刺激的紧张感,并呈现出了自我实现与枯燥练习间无法调和的对立。

而到了《爱乐之城》,这个速度感却几乎不见了。印象中只有两个片段吧,一个是拍米娅在咖啡馆打零工时,用三个短镜头的衔接,迅速交代了她的日常工作;另一个是拍小塞在家练习弹奏,也是三个短镜头,分别给了唱片、咖啡、琴键,交代了环境。

从这两个片段里面,还能隐约看出,这是属于《爆裂鼓手》的。

但其余的部分,完全没有了《爆裂鼓手》的压迫感,取而代之的是舒缓、从容、优雅的长镜头,这一份颠覆自我的勇气,让我非常惊喜。

此外,片中的大部分歌舞段落,都是用一个完整镜头呈现的。

看的时候我就在想,这也太难为这些非音乐专业出身的演员了。

因为在长镜头里,你根本没有找舞替或掩盖失误的机会,完全得靠演员自己,一招一式都马虎不得。

不过,最终的效果还是很不错的,高司令和石头姐在唱跳方面都完成得很好。

另外,在电影语言方面,还有一点让我很兴奋的,就是:单纯用镜头讲故事,回归到电影语言的本质。

影片中,我最喜欢的三场戏,都是完全依靠镜头来铺陈的,没有多余的对白,没有过分的情绪渲染,但却异常精彩。

第一场戏,是两位主角的相遇。

记得塔可夫斯基曾经说过:“如果忽略了为相遇所做的准备,那么相遇将是苍白的。”

在相遇之前,米娅和小塞的处境都很糟糕。

他们是两个失落的追梦人:米娅是个渴望被认可的演员,却在试镜中屡战屡败;而小塞则为古典爵士乐痴狂,但无奈爵士乐已近消亡。

影片采用双线叙事的方法,从这两位主角的视角,分别逼近这次相遇。

最终两条线汇聚在了一点,酒吧里,被琴声吸引的米娅,见到了沉醉于演奏的小塞。

接下来的那个镜头棒极了:小塞在食客嘈杂的酒吧里弹奏,没有人在乎音乐,但从米娅的眼神看过去,人群暗了,噪音消失,一束光从头顶洒下来,灼灼地落在小塞的侧脸上。

只这一个镜头,就表明了他们之间爱的缘起:作为一个活在别人眼光里的演员,米娅被眼前这个目空一切、宠辱不惊的男人,彻底吸引了。

她仿佛看到了一个精神偶像般的存在:有梦的人,无需喝彩,便自带光芒。

而一个人最糟糕的时刻,在另一个人眼中却熠熠生辉。还有比这更浪漫的邂逅吗?

第二场戏,是在演唱会的现场。

为了现实生存,小塞加入了一只流行乐队,开始了无休止地巡回演出。

而在演唱会的这场戏里,导演单纯运用镜头的语言,为我们呈现了一场无声的争吵

一开场,舞台上一束追光打下,小塞独自弹着钢琴,那一幕,就像是米娅和小塞初遇时的场景,一切还完好如初。

可突然间,镜头拉到远景,全场的灯光亮起,流行乐的节奏点燃了现场。

之后镜头马上给到了人群中的米娅,只见她诧异地看着享受其中的小塞,眼神变得陌生。

她看着这个曾经执着于爵士梦的男人,如今却在欢呼的人群中,迷失了自己。

而此刻全场的灯光,又与她内心只投射给这个男人的那束光,形成了鲜明的对照:虽然现场灯光无数,但在米娅心里的那束光,却正在暗淡。

在下一个镜头里,米娅被欢呼的人群不断地向后推,她的身体在一点点远离着小塞,而比身体更远的,却是心里。

此后,屏幕“啪”的一黑,一切戛然而止,当再次亮起时,已转场进入“秋”的段落。

这段镜头语言,真是精彩!

第三场戏,是一段平行剪辑。

导演将两组同时发生的镜头,混剪在了一起:一边是米娅在观众寥寥的舞台上,演着独角戏;一边是小塞在摄影师的要求下,做着配合的表情。

无需说明,其义自现:那一刻,两个人实际上完成了一次身份的换位。

曾经懦弱的人,站上了舞台,哪怕没人喝彩;曾经勇敢的人,跌下神坛,为了别人的喝彩。

这种视觉上的对位,绕过了语言逻辑和大脑反应,直指人心最软弱的部分。

而它背后预示的裂痕,更是一种难以痊愈的隐痛。

这三场我最喜欢的戏,恰好又穿起了小塞和米娅的感情线索。

这不是个逼迫男女主角在爱情与梦想间作出选择的故事,相反,他们的爱情和梦想,是一体的。

当梦想失落时,爱情也就不可能存续了。

这就是我喜欢《爱乐之城》的原因。

它是一部以歌舞来推动叙事的歌舞片,更是一部依靠镜头语言来讲故事的电影,它让我看到了属于电影的独特魅力,更让我回想起,当初自己爱上电影时的那份激动。

而它的故事,又是这样简单。在现实中无法完成的爱情,那么就造一场梦,让它实现。

这,不就是电影的意义吗?

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