科技火种上开放的柯尔律治之花

程灵胡
提示:这篇影评可能有剧透


(本文有轻微剧透)

《银翼杀手2049》,作为雷德利·斯科特1982年拍摄的电影《银翼杀手》的续集,由丹尼斯·维伦纽瓦指导,罗杰·狄金斯摄影。两部电影的改编设定,建立在菲利普·K·迪克的小说《仿生人会梦见电子羊吗?》之上。

作为一部续集电影和小说改编电影,被拿来与前作以及原著进行比较,一方面是对比故事建构的优劣,一方面也是通过类比来寻找创意源头。从个人角度来说,综合来看:《仿》>《2049》>《银翼杀手》。

先别喷,听我细细道来。



关于《银翼杀手2049》与《银翼杀手》的对比,公号“虹膜”已经写了一篇内容详实的文章:《就算不能封神,他也是当下最值得信赖的科幻电影导演》。

非常优秀的影评,满分推荐。一刷之前我十分...
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(本文有轻微剧透)

《银翼杀手2049》,作为雷德利·斯科特1982年拍摄的电影《银翼杀手》的续集,由丹尼斯·维伦纽瓦指导,罗杰·狄金斯摄影。两部电影的改编设定,建立在菲利普·K·迪克的小说《仿生人会梦见电子羊吗?》之上。

作为一部续集电影和小说改编电影,被拿来与前作以及原著进行比较,一方面是对比故事建构的优劣,一方面也是通过类比来寻找创意源头。从个人角度来说,综合来看:《仿》>《2049》>《银翼杀手》。

先别喷,听我细细道来。



关于《银翼杀手2049》与《银翼杀手》的对比,公号“虹膜”已经写了一篇内容详实的文章:《就算不能封神,他也是当下最值得信赖的科幻电影导演》。

非常优秀的影评,满分推荐。一刷之前我十分认同,但二刷之后看到《2049》的一些新细节,选择部分认同。此文并非反驳,而是补充,提出一些新的细节。

以下是我的无罪辩护:

||| 小说和电影
 
综合来说,小说和电影是两种不同的领域,在文本(故事)建构方面,电影本身就有劣势,何况面对的又是PDK这样一个“没有免疫护罩关押的斯特林”。所以1982年拍摄的《银翼杀手》选择做“减法”:

保留里克·德卡德这条主线,以及“我是谁”这一主题,而将末世之战等种种背景隐藏,顺便减去了许多支线人物的生活细节。


(电影对话哲思有余,信息不足)

关于这一点,从“对话”这一叙事手段就可以看出。小说允许甚至需要对话来对文本进行补充,《仿》中的对话情境就解释了沃伊特·坎普福测试仪工作原理。两部电影都没有。取舍就意味着有遗漏,雷德利·斯科特思考过的,PDK思考得更多。

当然,“想得到→做得出”之间横亘着广阔的鸿沟,《银》在视觉可能性的开拓地位,无出其右。文字困于一维,只能打打嘴炮。而同样作为电影,《2049》在《银翼杀手》的“减法”的基础上所做的“加法”,让我觉得它稍稍优于《银翼杀手》。

||| 柯尔律治之花:存在的疑惑
 
柯尔律治之花,是来自梦境的礼物。在《银》和《2049》中,是形成“存在疑惑”的重要谜语。在前作中结尾戏留下的独角兽折纸,让“里克·德卡德是否是复制人”争论不休,而在《2049》中则作为木马带领乔去寻找自我。


(海报设计中的“锡兵”隐喻)

与前作强行开放的结局相比,《2049》一开场就搁置此类争议,告诉观众乔是复制人,拥有警官的自由,也具有奴役的身份,被老妇人戏称为“锡兵”。

观看《银》的观众一定有想过:当蕾切尔知道自己是复制人的,泪水之下的感受如何。《2049》在这里对前作进行了很好的补充:从乔的视角切入,从复制人的视角来思考“我是谁”。这也是向PDK小说的一次绝妙回归。

小说的标题《仿生人会梦见电子羊吗?》,这样的提问,人类无法回答,只有仿生人可以回答,在《2049》中只有乔可以回答。


(AI女友乔伊,乔是男性称呼?信息很足。)

当乔走在桥廊上,巨大的全息投影广告“情趣乔伊”向他问好。当时他的量产“女友乔伊”刚刚被反派复制人露芙消除。曾经熟悉的对话响起:“what a day?”,然后他想到另一些复制人对他说的人性和拯救的话,想到亲手杀死的复制人萨博对他说:杀死同类的感觉如何。

先是学会爱自己(说谎),然后学会爱人(复仇),最后学会爱更多的人。情感逐层递进,复制人乔开始具备故事设定中只有人类才有的“移情能力”。

那木马到底是用来干嘛的?跟希腊联军敲开特洛伊大门一样,只是疑兵之计。还记得斯特林在乔来访的时候,为何选择制作“过生日”这个记忆场景吗?那象征着乔的新生,令人讽刺的是,这是斯特林制造的“虚假新生”。
光明王:文明的维度

这里要提到另一部科幻神作《光明王》:当科技发展到更高的维度,人就成为神。


(眼盲者,以科技开眼)

在《2049》中,这个“神”就是华莱士公司。小说《仿》由于故事场景设定为地球,所以各种线索能够牵引出来的背景更多。外星殖民地就是那个未开辟的故事领域。(我想《2049》如果有续集,情节应该会是外星殖民地的人类与地球上复制人之间的争斗。《2049》埋了很多伏笔。)

由于《银》拍摄于1982,技术手段有限,所以故事场景集中于旧金山城区。2017年拍摄的《2049》,充分利用了后发的技术优势,让乔走得更远:华莱士公司,堤坝内的旧金山城区,堤坝外上升的大海,垃圾集中地圣地亚哥区,废土世界。(在电影技术手段上,这何尝不是一次科技的降维打击。)


(色彩(城市的肤色)如同等级)

从色彩上,也能感受到《2049》所囊括的科幻美学:与精致科幻电影同调的华莱士公司和斯特林公司,与《银翼杀手》同调的旧金山和圣地亚哥区,与《疯狂的麦克斯:狂暴之路》同为黄色的废土世界。

而华莱士地球总部,外部黑夜深山一般耸立气势,内部金字塔式的工整肃穆,正暗喻着降临地球的神灵与法老,他拥有着几百万“孩子”。露芙女神坐在办公室里修修指甲,通过语音就能为圣地亚哥区的贱民们来一次天火的洗礼。

就算贫民拥有捕鲸的利器,可是当小小的警官来到孤儿院,孩童们也要像如朝圣者一般群集。


(《超蝙》里同样的膜拜)

||| 动作戏:现实主义回归
 
在后续好评补偿中,《银翼杀手》进入科幻电影文艺向。但我想,当年找哈里森·福特主演,还是想走科幻动作电影的风格的。所以动作设计,也是欣赏电影的重点。

对比两部电影的动作场面,《银翼杀手》的动作设计,“仪式感”更强。在潮湿,空旷,阴暗的大楼里,Roy舞蹈仪式般地追逐,配合他口出的言辞,将这场猎杀升华为存在的争斗。前两场追捕女复制人的动作设计,与其说是动作美学,倒不如说是死亡美学:通过复制人的死亡,来强化主题的深度。


(预定影史经典打戏)

但个人会更偏爱,《2049》那种拳拳到肉的打斗。第一场打斗只是小试牛刀,后面两场运用的元素更加丰富。里克与乔在舞厅里,全息投影出的舞台表演,卡带式的动静间续营造出强烈的不安定,最终所有的焦虑都在一首流畅的《Can't Help Falling in Love》中化解。最终战则用黑夜之下的惊涛骇浪,强化了微弱的车灯中那场个体的生死相搏。

这种风格,让人想起高司令主演的另一部电影《亡命驾驶》。同时,爆点式的动静音效在打斗方面是有加分的。



(《亡命驾驶》剧照)

一部优秀的电影,必然拥有非常丰富的可解读性。

关于《2049》能够讨论和拓展的实在太多,比如关于自然出生,宗教神谕等话题,狄金斯优秀的摄影,丹尼斯·盖斯纳的建筑设计,汉普顿·范彻的故事改编,演员的表演,很多公众号必定将会不断提及。

这里只是简单提到一点:《2049》的好评如潮,与前作《银翼杀手》的“冤案”难脱关系,在民意上甚至有沉冤昭雪的意味:补偿前作曾经在大荧幕上的失利。

去感受下吧,163分钟下藏着的仿生人世界。

*图片来源:豆瓣条目

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