太美太可爱啦!

Alien
2018-06-28 看过

【文稿全文】

你好,欢迎加入新世相读书会。今天为你讲述的书是《现代艺术150年》。这是一本经典艺术史著作。2017年出版了中文版,豆瓣评分高达9分的现代艺术史,堪称比艺术史家写得更好的艺术史著作。你将听到:150年来艺术究竟发生了什么?为什么今天的艺术品越来越让人看不懂了?如何鉴赏一件艺术作品?

在这本书里,作者威尔•贡培兹用他幽默风趣的笔法为我们描述了从印象派至今的各种风格的艺术故事,梳理了二十多个现代艺术流派的渊源流变,为我们勾勒出了现代艺术150年的发展历程。当代著名画家、艺术评论家陈丹青为这本书写了推荐序,他说自己从来没有读完一本艺术史论专著,但这本书他全部读完了,因为这本书实在有趣,而且读完让人经久不忘。今天我们就跟随作者一起开启现代西方艺术之旅。

提起西方艺术,你会想到什么?你可能会想到梵高的《星空》、莫奈的《睡莲》、马奈的《草地上的午餐》,这些都是鼎鼎大名的艺术经典之作,可以直接感受到美感的艺术创作。可提到现代艺术,你可能要惊叹了:这些也能叫艺术?比如,白色画布上的一个黑方块,我们每个人都会画,为什么抽象派大师马列维奇画的黑色方块就是艺术品?再比如,连续打印一张张玛丽莲•梦露的相片,弄几个超市的储物盒子放在房间里,就是安迪•沃霍尔的艺术杰作;还有,像鲁道夫•布克哈德那样,拿把喷枪在摊开的白纸上随便溅射颜料,这不跟小孩儿游戏一样吗?至于裁裁剪剪、拼拼贴贴,那些小手工在幼儿园时,我们也早就学会了;弄一堆废铁,弄几块破布,把它们缠绕在一起,或者召集一堆人大喊大叫,这些行为艺术、装置艺术、观念艺术、极简主义……它们到底是什么玩意儿?所有这些困惑,在威尔•贡培兹这本书里,你都能发现答案。可以说,这本书对艺术门外汉来说是一本入门读物,它能帮你搞懂艺术是什么,对艺术界的专业人士来说,这本书也极富洞见,深入浅出地探究了艺术流派更迭背后的本质问题。

这本书的作者威尔•贡培兹,是一个会说“单口相声”的艺术评论家,他曾被纽约《创意》杂志评为世界上最有创意的50位思想家之一。贡培兹在英国泰特美术馆担任媒体主管,并在BBC的邀请下,担任新成立的艺术频道的第一位主编。他二十多年来笔耕不辍 ,为《泰晤士报》和《卫报》撰写了很多艺术评论,并担任知名英国艺术批评网站“文艺评论”的总编辑,也是英国众多前沿艺术机构的专业顾问。

《现代艺术150年》这本书把从印象派到如今的艺术风格按照发展脉络捋了一遍,包括各个艺术家的师承和理念,艺术流派和艺术团体的缘起、发展、分裂以及终结也交待得一清二楚。这本书和一般的艺术史论不太一样,它没有晦涩难懂的美术史术语,也不像其他艺术编年史一样全是故作高深的作品赏析,它有点像一部关于现代艺术的小说,有场景想象和艺术家的对话细节,还有艺术家生活的八卦,能让你从多个角度了解艺术的创作。著名画家、艺术评论家陈丹青在给这本书的前言中提到,在这本书里贡培兹带我们走进了现代艺术的后台,指点那里的社交圈、名利场和私生活。

好了,介绍完这本书的基本情况和作者概况,下面我们分两个部分来为你解读这本书的主要内容:

第一部分:我将为你梳理一下现代艺术的发展历程。

第二部分:如何理解现当代这些看上去难以欣赏的艺术?为什么看似毫不费力就可以创作出来的作品能被称为艺术,甚至在艺术史上占据重要的地位?

第一部分

先进入本书的第一部分内容:现代艺术的发展历程。

总的来说,现代艺术的发展史,和人类的文明发展以及观念的演变,相互交织在一起。在从前,我们的祖先认为艺术是一种技术。之后的西方艺术,在很长的一段时间里都以“逼真的表现事物”为目的,力求在平面上准确地再现三维空间的物体,比如古希腊艺术家提出的“艺术即模仿”理论,强调艺术是对现实生活事物的模仿;又比如西方以准确记录自然界事物为宗旨的古典油画;还有文艺复兴时期单点透视法的发展,使艺术家可以准确地在二维平面上表现立体空间关系,让其后几百年的人们对自然的“复制”更具信心。一直到了19世纪下半叶,摄影技术的发展给绘画艺术带来了冲击,艺术模仿论遭遇到了摄影写实性的挑战。

19世纪60年代印象派兴起之后,不墨守成规,转向主观创作,强调用作品描绘主观印象而不是现实的再现。著名法国画家莫奈的《日出·印象》就是印象派的代表画作。

印象派的绘画主题从宗教神话、贵族生活变为关注现代生活,以灵活的笔触描绘眼前事物的瞬间形态,主张户外写生,强调光影的对比;也更加侧重反映人的精神层面,相较于构图精准严谨的古典绘画多了一丝人情味。从此现代艺术一路高歌猛进,艺术家们纷纷解放自身的束缚,不断打破固化的壁垒。

印象派的几个代表人物,比如:爱德华·马奈,最著名的是《草地上的午餐》,莫奈,最著名的《日出·印象》《睡莲》。之后,印象派发展到后印象派,就出现了四位我们耳熟能详的代表人物,分别是:高更、乔治·修拉、梵高和保罗·塞尚。

这四个代表人物又延伸出了四条平行的发展脉络,它们分别是:以高更为代表的原始主义、以乔治修拉为代表的点彩派、以梵高为代表的表现主义和以保罗塞尚为代表的立体主义。在这本书的扉页后面有一张像伦敦地铁图一样的现代艺术发展脉络图,清晰的表现了不同艺术派别的发展方向,所有这些艺术流派最后汇集成了现在的今日艺术。

好,简述了艺术发展的历史之后,下面来详细了解一下现代艺术发展的历程。

这本书从现代艺术的诞生,也就是19世纪60年代印象派的诞生开始讲起。作者威尔·贡培兹认为,艺术家内心不断追求自我表达的想法推动了艺术的革新。在作者眼中,印象派画家在当时属于激进分子,他们跟主流的学院派对抗明显。在19世纪的巴黎,画作的好坏评判掌握在学院派手中,传统学院派的绘画以工作室内绘画为主,他们只把画幅献给宗教、神话和历史,他们认为只有这些主题才值得入画。

而印象派画家却推崇户外作画,他们开始进入周围的生活和大自然,把身边的人物和日常生活作为主要题材,画面粗糙,构图前卫,由于外界环境千变万化,风景和光线稍纵即逝,画家需要迅速完成画作,无法仔细描绘所有细节,所以印象派的画作变得粗糙模糊,总给人画作还没有完成的感觉。

可以说,印象派走出画室是现代艺术一项伟大的革新,便携式颜料管的发明也为这一革新提供了便利条件。他们声称“来自大自然的寥寥三笔胜过画架上两天的室内工作”,鼓励其他艺术家到室外作画。当时的艺术评论家用“一幅草稿”来形容莫奈的《日出·印象》,认为没成形的墙纸也比这成熟的多。毫无疑问,当时的人已经习惯欣赏那些高度完美的古典绘画,它们由层层叠叠、细致入微的描绘构成,线条精准,人物理想化。而莫奈的目的是创作一幅协调一致的艺术品,专注于对自然光线和色彩的精确表现。在他的画中,形式、光线和氛围都融为一体,一种弥漫的光晕像网格窗帘那样蒙在整个画面上,用今天的话说,印象派传达了一种朦胧、模糊不清的美感。

这些看起来像草稿一样的画,当时并不被学院派举办的艺术沙龙接受。在当时的社会背景下,被学院系统拒之门外无异于断送了自己的艺术生涯。于是艺术家们愤而团结在一起,创办了一个挑战沙龙的独立组织。他们共同制定了规章制度,不设评委会,只要交了会费,所有人都可以参与,所有艺术家一律平等对待,这在当时是完全反叛的做法。巧合的是,这一独立组织与50年后的著名艺术家杜尚在纽约参展的独立艺术家协会十分相像,同样表现了现代艺术家通过自身努力突破教条束缚的尝试。

现代艺术从印象派开始发生了根本性的变化。尽管遭遇了很多攻击,但是印象派画家的名声最终还是确立了下来。他们在艺术史上开创了全新的局面,还发展出后印象派,成为20世纪艺术史上的高峰时期。

后印象派的代表画家,我们前面讲过了,梵高、高更都是鼎鼎大名的人物。梵高主张用表现主义的方法来体现生活化的主题。具体来说,梵高试图在画中处理强烈的色彩而不是平淡无奇的和谐,所以他的画作有强烈的视觉效果,不仅体现在色彩上,比如夺目耀眼的向日葵,还体现在他通过画作传达的强烈的感情,比如旋转的星空。

后印象派在印象派的基础上继续革新。印象派画家力图彰显真实,严格描绘他们的所见,而梵高选择了一条主观之路,不仅仅是描绘他的所见,还有他对所见的感受,描绘他感受到的世界。梵高的这种选择植根于他的自身经历和时代背景,也成功引领了艺术走向未来。

而梵高的好友保罗·高更则认为印象派画家缺乏智力上的谨慎,无法看到眼前现实之外的任何东西,对生活的理性看法否定了艺术最重要的元素:想象力。所以高更创立了自己的大胆的美学风格,在画中为主题勾勒出醒目的轮廓,还学会了大幅剪裁形象的技巧,其结果是一系列风格鲜明、具有装饰意味的作品,立即就能吸引人们的目光,却也出人意料的复杂。比如说,高更在1891年创作的肖像画《塔希提少女》,画面中充满大胆的色彩,女性棕黄色的皮肤、青蓝色的头发和青紫色的衣服,展现在画布上为橙黄色,红色,还有明亮的绿色。他的画具有浓厚的主观色彩,表现了高更对塔希提女性充满原始力量的美的无限喜爱。

同样由印象派发展为后印象派的还有乔治修拉的点彩画派。修拉对猎取稍纵即逝的瞬间兴趣不大,他的兴致在于抓住永恒。他的作品清晰写实,跟印象派的前辈一样喜欢鲜亮的用色、日常的题材、艺术氛围的再现,但没有印象派画作中的那种朦胧、模糊。他摈弃了印象派那种即兴的画法,代之以点状颜料大量细致的涂在画布上。那些微小的颜料既不相触碰又不相混,观众的眼睛自然会把它们调和在一起。点彩派的画作在保持色彩平衡方面做到了尽善尽美,使画面的构图呈现出温暖宁静的感觉。比如修拉1886年创作的《大碗岛星期天的下午》,根据黄金分割原理合理的调整画面中人物的大小,形成了鲜明的图案化的艺术效果,给观者呈现出了一种单纯的美感和平静、舒缓的情绪。

最后一位后印象派艺术家的代表,也是整个现代艺术运动中最伟大的艺术家,甚至连毕加索都称他为“吾人之父”,他就是立体主义的奠基人保罗·塞尚。他比之前的印象派画家都更激进的投身到对大自然的研究中,试图呈现不同角度的综合体来提高画面能提供的信息量。塞尚对传统视角的挑战、致力于画面的总体设计以及双视角的运用,将艺术直接引向了立体主义、未来主义、构成主义和马蒂斯的装饰艺术。他把视觉细节缩减为几何图形,25年后这种方法导致的逻辑结果便是:完全抽象。比如以毕加索为代表的立体主义,并没有试图从一个视角一比一的复制现实,而是学习塞尚抛弃透视,注重色块之间的关系。俄罗斯、法国、意大利、德国、荷兰以及美国的艺术家开始创作由单色的几何平面构成的艺术作品:包括方形、圆形、矩形和菱形。

这四位后印象派代表人物代表了四条平行的发展脉络,这些脉络之后又发展出了不同的主义和流派,他们在发展过程中有交叉融合也有分化,一直汇聚到后现代主义。比如前面讲过的,梵高的表现主义发展出抽象表现主义,以保罗·高更为代表的原始主义,发展出野兽派,野兽派和乔治·修拉的点彩派交融后发展为包豪斯/现代主义。从塞尚发展出来的立体主义,一直发展到未来主义、构成主义、波普艺术、贫穷艺术以及极简主义。

从广义上来看,在艺术不断被“现代化”的过程中,有一个非常关键的趋势,那就是“简化”。古典绘画中精致的人像或物件轮廓、一丝不苟的质地描绘、对物体的准确完整的再现,都在艺术的现代化进程中,被一点点地抹去了。简化后的作品让观看者更加专注于剩下的部分。艺术家们在作品中只留下了他们想呈现的部分。

简化让观众更加专注于艺术品剩下的部分,这一部分才是艺术家最想呈现给观众的。简化也让艺术家变得更自由,不必局限于写实,可以探索其他的表现方式。同时,现代艺术的不断发展,也体现了艺术家自我意识的觉醒。他们开始尝试用艺术来解决自己和社会所提出的问题。也就是说,过去艺术家们往往描述自己看见的世界,而现在的艺术家们开始描述自己感觉到的世界。这个世界可能是他们情绪中的、想象中的甚至是意念中的世界。

举个例子来看,比如野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩,往往用直接从颜料管中挤出的颜料,以直率、粗放的笔法,创造强烈的画面效果。他们解放了色彩,使色彩不必再按照自然界本来的样子,而是根据画面的需要或者艺术家的主观情绪来进行创作。再比如毕加索,努力削减他画作中描述性和表现性的成分,把画中事物抽象的表现为简单的几何图形,以多个角度表现同一个形象。

那么,推动这些艺术流派变革的动力是什么呢?二十世纪初,整个欧洲想要告别上个世纪的历史,艺术家们希望摆脱过去的艺术理论,进行新的创作,这一诉求使得接下来的艺术作品不断推陈出新,整个欧洲涌现出各种新的艺术流派。

比如,抽象派大师马列维奇,在1913年画了一幅最纯粹、最彻底的抽象画:他在白底子上画了一个黑方块。他的本意是将这作为舞台布景的一部分而非艺术作品,结果这一创举成为艺术史上令人震撼的伟大时刻,可以和几何透视、塞尚的多视角探索、杜尚的小便池相提并论。他将其称为至上主义,一种纯粹抽象的艺术形式,完全创新的绘画风格。他的画作是在白色背景的画布上画出一个非常简单的平面图形,去掉了其他所有的细节,用他自己的话说,就是“将万物减至无”,这样观众就可以享受自己看到这幅画时独一无二的主观感觉。马列维奇希望观众可以通过《黑色正方形》,去思考白色边界和黑色中心之间的关系与平衡,感受一种颜色的轻盈和另一种颜色的厚重感,他希望这个静止的图像里所包含的种种张力可以让观众感觉到运动和活力,因为他认为自己的作品已经去掉了所有影响观者主观感受的细节。

之后的1950年代到70年代,资本主义经济和现代科技技术的发展带来了波普主义,艺术家希望反映和讨论他们周围单调乏味的社会环境。同时出现了观念主义、贫穷艺术、激流派和行为艺术。波普艺术家开始将目光投到生活中随处可见的物品。1947年,爱德华多制作了《我是一个有钱人的玩物》,一幅由时尚杂志剪裁下来的各种图像组成的粗糙的拼贴画,并在上面贴上了饮料商标以及可口可乐的广告。画面基调放肆,充满暗示。这幅拼贴画具备波普运动的所有特征:年轻时尚的一代、流行文化、草率性行为和大众媒体,因此被视为波普运动的第一个样本。这幅拼贴画所展露的对美国文化的迷恋后来成为几乎所有波普运动的永恒主题,而可口可乐的反复出现则被艺术家视为消费主义的缩影。紧跟着爱德华多的步伐,1962年,安迪·沃霍尔以自己二十年来一直吃的金宝汤罐头为主角创造了一套艺术品。这件作品看上去也非常简单刻板,它由32个不同口味的金宝汤罐头的平面形象组成。作为一件统一的作品,《金宝汤罐头》不仅让沃霍尔成为一名艺术家,而且还确立了波普艺术对大规模生产和消费文化的痴迷,对传统艺术家的独创性带来了巨大的冲击。

好,以上就是我们讲的第一部分内容:现代艺术从印象派发展到今天150年的历程以及艺术流派的更迭流变。

第二部分

说到波普艺术、行为艺术的流行,就引出了第二部分内容,如何理解现当代这些看上去难以欣赏的艺术?为什么看似毫不费力就可以创作出来的作品能被称为艺术,甚至在艺术史上占据重要的地位?

现代艺术之所以看起来让人难以理解,是因为很多艺术作品不再是传统的讲究技法、讲究色彩的画作,而是一个个结合了艺术家思想观念的形象。

这里首先要说明一点,相比传统绘画和雕塑,鉴赏现代艺术作品是个普遍的难题,连专业的艺术界人士也感到难以判断。那么,面对一件现代艺术作品,应该怎么评判呢?作者认为最重要的是把握一个原则,那就是不要把重点放在评判一件艺术品的好坏,而应该在了解艺术家经历、作品背景、创作原因等因素的基础上,感受艺术家在这个作品中试图表达的感情。换句话说,不要像评价经典艺术品一样直接去评判现代艺术,应该去了解它背后的故事,然后根据它背后的理念想法等因素来判断。

这里我们继续拿安迪沃霍尔的金宝汤罐头举例,这一画作的主体金宝汤罐头,是美国家喻户晓的罐头汤生产商。那安迪沃霍尔想表达什么理念呢?作为商业广告画出身的沃霍尔,运用现代广告业不断重复同一形象的手法,一连展示了32幅罐头画,他试图来向观众灌输某种观念,并说服观众。但其实当你走近它们,你会发现任何一张画布上的笔触都不完全一样,有时商标的设计发生了变化。在千篇一律的乏味背后其实隐藏着艺术家创作这一作品不同的内心感受。正如每一个金宝汤罐头的背后是不为人所知、不被承认的个人努力一样。这一作品同时呼应了消费时代批量生产的消费品,既有趣,又带有千篇一律的平庸,生活和艺术一样都不分阶级,平民可以在超市买到金宝汤罐头,总统也吃同一个品牌的罐头。这就是沃霍尔要表达的理念,也是它的罐头画之所以重要的原因。

再比如,前面讲到的马列维奇的《黑色正方形》,看似只是简单的黑色方块,但画家认为这张黑白双色画象征着宇宙中的地球,经历着光明与黑暗、生命与死亡。而且作品之所以没有边框,是艺术家不希望将束缚加入到作品中,他希望白色的背景融入挂画的白墙,给人一种无限的感觉,黑色的正方形漂浮在空间里,不受重力的阻碍。在这里重力象征着秩序井然的宇宙,或者一个可以将所有物体吸入的洞穴。这件作品之所以如此重要,是因为它颠覆了艺术家与观众之间传统的关系,让人们可以享受作品的本身而不是受限制于画作中的元素。

就这样,艺术发展到20世纪80年代,形成了一种全面开放的艺术格局。艺术家想怎么做,就怎么做,他们可以做装置,可以宣扬观念,也可以拿起画笔来作画,可以抽象也可以具象,可以表现感情,也可以表现信仰。所有框护艺术的原则都可以丢开,什么形式都可以利用。从70、80年代开始,艺术所体现的混合、复杂、多元、无标准、无权威的局面是之前从未有过的。

好,以上就是我们讲的第二部分内容:鉴赏现代艺术作品的原则是,不要直接评判作品本身的好坏,而是通过接近艺术家的个人经历、创作背景的方式,去体会艺术家在作品中表达的感情。

总结

说到这儿,今天这本《现代艺术150年》就讲得差不多了。下面,我们来简单总结一下。

我们先简要地梳理了现代艺术从1860年代的印象派开始,到今天这150年来的发展历程。这是一部艺术家不断打破传统追求革新的历史,也是艺术家不断简化和去除的过程。总的来说,现代艺术经历了从具象到抽象,从写实到观念的发展过程。

第二部分,我们重点解答了一个疑问,就是如何理解现当代这些看上去怪异的艺术?为什么他们可以被称为艺术,甚至在艺术史上占据重要的地位?原因很简单,对现代艺术作品来说,最重要的不是作品本身,而是作品背后的理念和艺术家对艺术的探索和思考。

金句:

1. 艺术家内心不断追求自我表达的想法推动了艺术的革新。

2. 从广义上来看,在艺术不断被“现代化”的过程中,有一个非常关键的趋势,那就是“简化”。简化后的作品让观看者更加专注于剩下的部分。艺术家们在作品中只留下了他们想呈现的部分。

3. 正如每一个金宝汤罐头的背后是不为人所知、不被承认的个人努力一样。这一作品同时呼应了消费时代批量生产的消费品,既有趣,又带有千篇一律的平庸,生活和艺术一样都不分阶级,平民可以在超市买到金宝汤罐头,总统也吃同一个品牌的罐头。

撰稿:高鹏

转述:李锐

思维导图:徐小妮

0 有用
0 没用

查看更多豆瓣高分好书

评论 0条

添加回应

现代艺术150年的更多书评

推荐现代艺术150年的豆列

了解更多图书信息

豆瓣
免费下载 iOS / Android 版客户端