世界美术名作二十讲 世界美术名作二十讲 评价人数不足

笔记

Lupine
2018-05-15 看过

傅雷《世界美术名作二十讲》

乔托(1266-1336)

壁画

关键词:单纯 真情(热情) 宗教

代表作品:《圣方济各向小鸟说教》 《圣方济各在苏丹廷上》

历史背景:

“方济各教派”是1215年基督教圣徒阿西西的圣方济各创立的一个教派。

“教义”以刻苦自卑,同情弱者为主。

它使宗教成为大众的亲切的安慰者(而不是可怕的)。

圣方济各仁慈博爱的教义,在艺术上是新材料。乔托的壁画即是适应这种新的情绪而产生的新艺术。

艺术革命有一个永远不变的公式,一种艺术渐趋呆滞死板,不能再行表现时代趋向的时候,必得要回返自然,向其汲取新艺术的灵感。

乔托的特点:单纯、简洁VS圣方济各:纯真朴素的爱的宗教

宗教中的史迹,乔托并不当它像英雄的行为或神奇的灵迹那样表现。他只是替当时的人们找到一个发泄真情的机会,乔托的画就成了天真的动人的诗。

在描写历史或传说的绘画中,要选择能够归纳全部故事的时间(那一分钟)。并且还要使画中的人物所表现的顶点的时间,同时是观众们感动得要掉下泪的时间。如果要一幅画能够感动我们,那么还得要有准确而特殊的动作,因为动作是显示画中人物的内心境界的。

评价:(现代美术史家贝伦森)“绘画之有热情的流露,生命的自白与神明之皈依者,自乔托始。”

多那太罗(1386-1466)

雕塑

关键词:个人的气禀 丑的美 写实 革命家

他在暮年时不惜趋于极端,而沦入于“丑的美”的写实主义中去,忘记了即使是最高的艺术亦须要节制,但多那太罗有时因为要表现纯粹的精神生活,竟遗弃外形的美。

雕刻家们已经从希腊作品中学到了秘诀:衣褶必须随着身体的动作而转折。

代表作品:《圣马可》 《使徒圣约翰》 《圣乔治》 《祖孔》 《施洗者圣约翰》

作品特点:没有着落的手(雕像的手,永远显得没有着落,这没有着落,是他不知怎样使用的力,在期待着施展的机会。)

《祖孔》中,一切传统的法则都不见了,为圣徒造像而用真人做模型才是,是雕塑史的创新。祖孔是一个在思索,痛苦,感动的人,面貌虽丑,但有一种精神生活之美。其悲哀也许是思想家的苦闷。

被称为革命家的原因:他在少年时和传统决绝,往自然中探求美。他要艺术成为人类内心生活的表白。他不仅要刺激你的视觉,而且要呼唤你的灵魂。

内心生活与强烈的性格的表白是他整个的理想。

波提切利(1445-1510)

关键词:妩媚 悲哀的情调

时代背景:梅迪契治下的翡冷翠,是意大利文艺复兴的黄金时代;崇拜古代与探索真理,是文艺复兴时期的两大干流。

代表作品:《春》 《维纳斯之诞生》

《春》的构图,没有像古典作品那样谨严,很难指出哪一个是主角。画中悲哀的情调是波提切利一切人像中所共有的,是他个人的心灵的反映,也许是一种哲学思想的征象。

波提切利之妩媚的意义和来源:第一,妩媚并非是心灵的表象,而是形式的感觉。画中人物在形体上是妩媚的,但精神上却蒙着一层惘然的哀愁,第二,妩媚是由线条构成的和谐所产生的美感,是属于触觉的。

达芬奇(1452-1519)

兼具博学者的分析力与艺术家的易感性

发现真切的肉感与皮肤的颤动的第一人,在他之前,画家只注意脸部的轮廓。

代表作品:《蒙娜丽莎》 《最后的晚餐》

在人像中,手是很重要的部分,他们能够表露性格。

《最后的晚餐》这幅画,已经龟裂了好几处,有人说达芬奇本来不懂得壁画的技巧,才有此缺陷,其实他是一个惯于沉静地深思的人,不喜欢敏捷的制作,然而这敏捷的手段,却是为壁画的素材所必须的。

“由你的判断或别人的判断,使你发现你的作品中有何缺点,你应当改正,而不应当把这样一件作品陈列在公众面前,你决不要想在别件作品中再行改正而宽恕了自己。绘画并不像音乐般会隐灭。你的画,将永远在那里证明你的愚昧。”

米开朗琪罗(1475-1564)

雕塑 绘画

关键词:崇尚人体 崇尚雕塑 爱好崇高与伟大

代表作品:《西斯廷天顶画》 《日》 《夜》 《晨》 《昏》 《神创造亚当》 《摩西》

西斯廷礼拜堂是教皇的梵蒂冈宫所特有的小礼拜堂。圣彼得大教堂是整个基督教的教堂,西斯廷礼拜堂则是教皇个人的祈祷之所。

西斯廷天顶画之成功,要归功于尤里乌斯二世。

在创世记的表现中,竟然没有自然的地位,风景,树木,动物,全然没有,这里只有耶和华,人类,创造物。

时代背景:米开朗琪罗的时代,是一般人提倡古学极盛的时代,他们每天有古代作品的新发现和新发掘,这种风尚使当时的艺术家或人文主义者,相信人体是最好的艺术材料,一切的美都含蓄在内,诗人们也以为只有人的热情才值得歌唱,几世纪中,自然几乎完全被逐在艺术国土之外。

米开朗琪罗认为,一切忠顺地表现“现实的形象”的艺术,是下品的艺术。

“雕刻是绘画的火焰。”“它们的不同,犹如太阳与受太阳照射的月亮之不同。”因此,他的画永远像一组雕像。

米开朗琪罗爱好崇高与伟大。

裸体,在西方艺术上——尤其是古典艺术上——是代表宇宙间最理想的美。它的肌肉,它的动作,它的坚强与伟大,它的外形下面蕴藏着的心灵的力量与伟大,予人以世界上最完美的象征。希腊艺术的精神是如此,因为希腊的宇宙观是人的中心的宇宙观;文艺复兴最高峰的精神是如此,因为自但丁至米开朗琪罗,整个的时代思潮往回复古代人生观,自我发现,人的自觉的路上去。米氏以前的艺术家,只是努力表白宗教的神秘与虔敬;在思想上,那时的艺术还没有完全摆脱出世精神的束缚;到了米开朗琪罗,才使宗教题材变成人的热情的激发。在这一点上,米开朗琪罗把整个的时代思潮具体的表现了。

多那太罗觉得传统足以妨害他的天才,他要表白个人;米开朗琪罗却正要抓住传统,撷取传统中最深奥的意义,用自己的内心去体验。

拿破仑:“伟人的像,断没有人会问它肖似与否,只要其中存在着伟大的心灵就够。”

米开朗琪罗是一个诗人,是一个苦闷的诗人,他一生轮流供多少教皇与诸侯们差遣,然而他毕生完成的事业,除了西斯廷礼拜堂以外,其余都是些才开了端的作品。

拉斐尔(1483-1520)

关键词:造型美 形式 历史画 天真明媚

达芬奇的深,米开朗琪罗的大,拉斐尔的明媚。

代表作品:《圣体争辩》 《雅典学派》 《美丽的女园丁》 《西斯廷圣母》

拉斐尔只是一个天真的青春享乐者,并没有达芬奇与米开朗琪罗般的精神生活,可是拉斐尔的功绩却在于把感应得来的外来思想,给它一个形式,使它得以从抽象的理论成为具体的造型美。

我们所称颂的名作,全因为它的造型美,而并非为了他所代表的人物的社会的或政治的地位。

壁画在本质上必须要迅速敏捷地完成,必定要省略局部,表现大体,尤其是强烈的个性与独特的面目:由此,壁画上的肖像更富特殊的意味,为画架上的肖像所无的。

评价:历史画在拉斐尔的时代已经达到成功的顶点,16世纪以后的艺术家在这方面都受拉斐尔之赐。

贝尔尼尼(1598-1680)

建筑与雕塑

关键词:巴洛克艺术 视觉 装饰

巴洛克艺术的最早最完美的代表、创造者。

巴洛克艺术是指17世纪流行于意大利,从意大利传布全欧洲的一种艺术风格。巴洛克一词源出西班牙文,意为不规则的珠子。

这种艺术与文艺复兴艺术的分别,在建筑与雕塑上,都是由于它的更自由、更放纵的精神,更荒诞、更富丽、更纤巧的调子。希腊建筑流传下来的正大巍峨的方柱的线条至此改变了。艺术家所专心致志,不复是逻辑问题,而是装饰效果,而是对于眼睛的眩惑。

当一种艺术形式产生了所能产生的杰作之后,当它有了完满的发展时,它决不会常留在一种无可更易的规范中,艺术家们必得要寻找别的方式,别的出路,在米开朗琪罗之后,再要产生米开朗琪罗的作品是不可能的了,有人曾经尝试过,而他们的名字早已被人遗忘了。

在另一方面看,要产生同样强烈的艺术情绪,必得要依了一般的教育程度而应用强烈的方法。

因此在拉菲尔与米开朗琪罗之后,应当以更大的力量来呼号。

代表作品:圣彼得大教堂的长廊(贝氏作品中的精华,它富有巴洛克艺术的一切优点,富丽而不失高贵,朴实而兼有变化。) 《圣者阿尔贝托娜之死》

伦勃朗(1606-1669)

关键词:绘画 光暗 刻版画 真实性

时代背景:17世纪的荷兰的小资产阶级与工业家不爱购买巨幅制作,那时节,荷兰人的宗教生活非常强烈,都是些新教徒,爱浏览《圣经》,安分守己,循规蹈矩的过着小康生活,他们更爱把含有幽密亲切的性格和他们灵魂上沉着深刻的情操一致的作品,来装饰他们的居处。

强烈的对照能够集中人的注意与兴趣,能够用阴暗来烘托出光明,这原是伟大的文人们和伟大的画家们同样采用的方法。它的功能在于把我们立刻远离现实而沉浸于艺术领域中,在艺术中的一切幻象原是较现实本身含有更丰富的真实性的一种综合。

绘画代表作品:《木匠家庭》 《以马忤斯的晚餐》 《自画像》(不同时期)

版画代表作品:《三个十字架》 《耶稣为人治病》

在版画中,光暗的游戏,黑白的对照,较诸在绘画上更自由更大胆。版画是比绘画更能令人如读书一般读尽一本从未读完的书的全部,在版画中,思想永远是深刻的,语言是准确而有力的。

法国19世纪的大诗人雨果,亦是一个版画家,他亦曾运用黑白的强烈的对照以表现场面的伟大性与神秘性。

鲁本斯(1577-1640)

关键词:色彩 夸大的情调 对照 不被法国人理解 造型美 缺乏个性观察(公式化)

鲁本斯承袭的是威尼斯画风。

时代背景:大家承认绘画上只有素描不能称为完满,色彩当与素描占有同等重要的地位,大家也懂得鲁本斯比别人更善运用色彩。

代表作品:《卡尔凡山》 《乡村节庆》

一幅鲁本斯的作品,首先令人注意到的是,他永远在英雄的情调上去了解一个题材。情操,姿态,生命的一切表显,不论在体格上或精神上,都超越普通的节度。

他的一幅画,对他永远是史诗中的断片,一幕伟大的景色,庄严的场面,富丽的色彩使全画发出炫目的光辉。

鲁本斯的作品中,有一种夸大的情调。也许时代的意志助成了鲁本斯的作风,16-17两世纪间,是宗教战争为祸最烈的时期。被虐杀的荷兰的新教徒多至不可计数。在忧患之中,大家的思想磨砺得高贵起来了,而且言语也变得夸张了。

鲁本斯应用的最普通的方法是对照。

特点:题材的伟大,想象的宏富,巧妙的构图,赅明简洁的线条。

鲁本斯的颜色的种类很少,他的全部艺术只在于运用色彩的巧妙的方法上。主要性格可以有变化,但工具是不变的,他的气质迫使他在一切题材中发挥狂热,故他的热色几乎永远成为他的作品中的主要基调。当主题不包含热色,便在背景上铺陈热色。

鲁本斯作品最多的地方是在法国,但法国人是不能理解鲁本斯的。法国人的民族性与鲁本斯的气质格格不入。法国人缺乏史诗意识,鲁本斯是一个全无法国气质的艺术家,他的史诗式的夸张,骚乱,狂乱,热情,绝非一般的法国人所能了解,亦是了解了也不能予以同情。

鲁本斯缺乏精微的观察力,而这正是法国人所最热望的优点。他的表达情操是有公式的,他的肖像是缺乏个性的。他没有表达真实情操的艺术手腕。他不能以个性极强,观察准确的姿态来抓握对象的心理与情绪。

在艺术的表现境遇上言,造型美与表情美的确是两种虽不冲突但难于兼有的美。

委拉斯开兹(1599-1660)

关键词:真实性 精神与视觉的双重快感(素描与色彩)

西班牙王腓力四世的宫廷画家。

他的一生差不多全在奴颜卑漆的情景中消磨过去,但这并未妨害他的天才,人们把它归入提香、鲁本斯、米开朗琪罗等一行列中。如果他有自由之身,安知他不能有更大的成就?

他对于野外肖像的感应,是从鲁本斯那里得来的。但他又以对于主题同等的热诚去对付附属的副物。

代表作品:《宫女群(宫娥)》 《腓力四世半身像》

尊重姿态与人群的真实性,同时建立成一幅谨严的构图。

委拉斯开兹的肖像画,所以具有更特殊的性格者,因为它不独予精神以快感,而且使眼目亦觉得愉快。造成这双重快感的因素,则是可惊的素描,隐蔽在壮阔的笔触下的无形的素描,宛如藏在屋顶内部的梁木;亦是色彩的和谐,在他全部作品中令人更了解人物及其环境。

普桑(1594-1665)

关键词:高贵的思想(崇尚智慧) 古典美 历史风景画

古代派奉普桑为宗主,现代派以鲁本斯为对抗。前者称为普桑派,侧重古代艺术造型与素描,后者称为鲁本斯派,崇尚色彩。

年轻的时候,普桑曾画过女神、淫魔、一切异教的神道。但当青春渐渐消失,几年跋涉所尝到的辛苦与艰难使他倾向于严重的思念,他认为艺术的目的应当是极崇高的。他以为除了美的创造是艺术的天然的使命以外,还有使灵魂升华,使它思虑到高超的念头的责任。这是晚年的达芬奇的意念,亦是米开朗琪罗的意念。这是一切伟大的古典派作家的共同理想。他们不能容忍一种只以取悦为务的艺术。

普桑之所以特别获得同时代人的爱好,是因为他的作品永远含有一种高贵的思想之故。没有一个时代比17世纪更信仰人类的智慧了。

现代美学对于一件文学意义过于浓重,艺术家自命为教训者的作品,永远怀着轻蔑的态度。而艺术的理论固然不是绝对的真理,含有伟大的思想的美,固亦不失为崇高的艺术。但这种思想的美应当在造型的美的前面懂得隐蔽,它应当激发造型美而非隐蔽造型美。换言之,思想美与造型美应当是相得益彰而不能喧宾夺主。

代表作品:《埋葬福基翁城》 《东方民族膜拜圣婴》

作品特点:一组美丽的线条的和谐的组合;每个人物,除了在全画中扮演他所应有的角色外,在某种情形中还能成为独立的人像(这是伟大的意大利画家所共有的长处。)

在普桑的作品中,我们随时发现有古代艺术与意大利16世纪作品的遗迹,因为前者是普桑所研究的,后者是他所赞赏的。

依照古艺术习惯,布帛是和肉体的动作形成和谐的。第一,它们在全部画面上加强了一种画意,他们本身即形成一种和谐;第二,它们又使人体的动作格外明显。

如他的同时代的人一般,普桑对于个人性格并不怀有何种好奇心。

普桑的美是一种严肃的美,是由明显、简洁、单纯、准确组成的美,所以这美亦可称为古典的美。

历史地位:历史风景画的首创者。风景在普桑的画幅中所占的地位如在凡·艾克画中的一般,全非附属品的地位。

普桑画幅中的花草木石都有特殊的配合,无可变更的。

在文艺复兴及古代艺术的继承人心目中,唯有人才是真正的艺术对象,再现自然的风景,不是一种高贵的画品,故在风景画中必须穿插人物以补足风景画所缺少的高贵性。于是,历史的风景便成为一种奇特的折中画品,有若干历史的或传统中的人物的穿插以抬高风景画的品格。在这类画中,人固然可以成为一个角色,具有某种作用,但绝非是重要角色重要作用。

普桑的艺术具有全部古典艺术的性格。他在古代的异教与基督教文化汲取题材与模型。他还没有想到色彩。他只认素描为造成艺术高贵性的要素。构图亦是极端严谨,任何微末之处都经过了长久的考虑方才下笔。

格勒兹与狄德罗

关键词:情绪 道德

时代背景:古典主义的风尚,到了18世纪中叶渐渐遭受到种种反动。大家不复以体验一幕悲剧的崇高情操为满足,而更追求内心的激动

17-18世纪的哲学,把人类的智慧分析得过于精细,把人类的理智发展到近于神经过敏的地步,以至于人类思想自然而然的趋向怀疑主义的途径。思想上的放浪,更引起了行为上风化上的放浪。

狄德罗(1713-1784)的《画论》:他所求于一件艺术品的,首先是动人。这是他艺术批评的水准及中心思想。他所要求的只有情绪,而且是最剧烈的,最通俗的情绪,但他还要这种情绪,与道德不冲突。艺术应当辅助道德之不足。

格勒兹(1725-1805)是狄德罗这种艺术的公式的实行者。

代表作品:《父亲的诅咒》 《受罚的儿子》

他除了家庭琐事与家庭戏剧以外。几乎什么也画不了,格勒兹是公认的道德画家。

每种艺术,无论是绘画或雕刻,音乐或诗歌,都自有其特殊的领域与方法,它要摆脱它的领域与方法,总不会有何良好的结果。各种艺术可以互助,可以合作,但不能互相从属,如果有人想把一座雕像塑造得如绘画一般柔和,一般自由,那么,这雕像一定是失败的了。

雷诺兹与庚斯勃罗(18世纪)

关键词:肖像画家 不同风格的《西登斯夫人》 庚的《蓝衣少年》

历史地位:两个同时代的画家,也是奠定英国画派基业的两位大师,是英国最大的肖像画家。

雷诺兹:牧师的儿子,读书、研究;感到色彩比素描更富兴趣;实用思想。

庚斯勃罗:布商的儿子,母亲是艺术家;逃避社会;不像雷诺兹,有明辨的头脑,而是一个直觉的诗人。

浪漫派风景画家(19世纪)

关键词:心灵 风景 抒情

历史背景:佩尔特斯于1817年,为历史风景画下了一个定义,说历史风格是一种组合景色的艺术,组合的标准是要选择自然界中最美,最伟大的景致,以安插人物,而这种人物的行动或是具有历史性质,或是代表一种思想。在这个场合中,风景必须能帮助人物,使其行为更为动人,更能刺激观众的想象。(这差不多是悲剧的定义了,风景无异是舞台上的布景。)

然而大革命之后,在帝政时代,新时代的人物在艺术上如在文学上一样,创出了新的局面。

1830年正是这些画家达到成熟年龄的时期,也是浪漫主义文学基础奠定之年。

杜佩雷被称为第一个浪漫派画家,他的《早晨》,不独在他个人作品中是件特殊之作,即在全体浪漫派绘画中亦是富于特征的。其中并无历史风景画所规定的伟大的景色或事故,甚至一个人物也没有。

历史风景画,是和古典派文学一般给有思想的人观赏的。至于浪漫派的风景画却是为敏感的心灵制作的。新的真理推翻了旧的真理,构图中对称的配置,形象描写的统一,穿插人物以增加全画的高贵性……这一切规条都随之崩溃了。从今以后,艺术家在图中安置他的中心人物时,不复以传统法则为圭臬,而以他自己的趣味为依据。

但我们不可就说浪漫派把所有的素描法则全部废弃了,其中颇有为任何画派所不能忽视的基本原则。

卢梭老早就尝遍了贫穷的滋味,他的日子完全消磨于以外。

如杜佩雷一样,卢梭并不刻求表现自然的真相,而是经过他的心所观照过的自然的面貌。他以自己的个性、人物、视觉来代替准确的现实,他颂赞宇宙间潜在的生命力。他的画无异是抒情诗,无异是一种心灵境界的表现。代表作品:《枫丹白露之夕》

经过了杜佩雷,卢梭及同时代诸艺人的努力,风景画已达到独立的程度,它失去了往昔的附属作用,装饰作用。

柯罗是这新兴画派成功的顶点浪漫派的兴起与衰落都是他经历的。他的一生完全是风平浪静的日子。他的作品毫无革命色彩,一直为官立沙龙所容受。在他暮年,他的作品已经有了定型,被称为科罗派。他关于气氛的发现,引起印象派分析外光的研究。他把气氛作为一幅画的主要基调。

正统的官学派,素来奉本身色彩为施色的定律,他们认为万物皆有固定的色彩,例如,树是绿的,草是青的之类。因为他们穷年累月,在室内工作,关在不明不暗的灰白色光线下观看事物,从不知在阳光下面,万物的色彩是变化无穷的。现在,浪漫派画家在外光中作画,群集于巴黎近郊的枫丹白露森林中。半世纪便产生了极大的影响,启示了后来画家创立印象派的极端自然主义的风格。

0 有用
0 没用

查看更多豆瓣高分好书

评论 0条

添加回应

了解更多图书信息

豆瓣
免费下载 iOS / Android 版客户端