世界美术之旅

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我看的是绝版已久的《世界美术之旅》,也许有些不同,但内容基本一致。 再不想拖着,立刻拿起来读一读吧。

从开始就树立了一种思维方式,除却了艺术为了美和装饰而产生的所谓艺术,其实每一件事都可以是艺术,而不单单是美术或是建筑,音乐。艺术是一种寻找本源的思维方式。每一个历史时期的艺术特征,贡布里希都带着我们寻根溯源,当然,再找一找,我们也许还能发现关于经济的,政治的,地理对这样艺术作品的影响,但是单就书中呈现的就足够我们意识到任何作品的出世都有其自己的价值,装饰只是附属价值。

单从埃及对轮廓和布局的严谨度,到希腊在不放弃并继承了的基础上又发展了细部,自由曲线及表情的刻画,使雕塑和绘画越来越自然和谐,就可看出美术的思维发展延续影响到现在,绘画中最基础的路径方法也是先走轮廓再走细部刻画,不能不说这是一种长久形成的思维基因。当然,我们也见识过不打轮廓从最吸引作画者的细部开始刻画的,但那是对观察能力的造型塑造能力有高度能力者而言。无论哪种方法都需要观察。之前有不少优秀的人说过,如果你想要了解一件事物,那么就要像把它画出来一样观察它。所以我们平日里的观察和体验都如浮光掠影,并没有进入它们...

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我看的是绝版已久的《世界美术之旅》,也许有些不同,但内容基本一致。 再不想拖着,立刻拿起来读一读吧。

从开始就树立了一种思维方式,除却了艺术为了美和装饰而产生的所谓艺术,其实每一件事都可以是艺术,而不单单是美术或是建筑,音乐。艺术是一种寻找本源的思维方式。每一个历史时期的艺术特征,贡布里希都带着我们寻根溯源,当然,再找一找,我们也许还能发现关于经济的,政治的,地理对这样艺术作品的影响,但是单就书中呈现的就足够我们意识到任何作品的出世都有其自己的价值,装饰只是附属价值。

单从埃及对轮廓和布局的严谨度,到希腊在不放弃并继承了的基础上又发展了细部,自由曲线及表情的刻画,使雕塑和绘画越来越自然和谐,就可看出美术的思维发展延续影响到现在,绘画中最基础的路径方法也是先走轮廓再走细部刻画,不能不说这是一种长久形成的思维基因。当然,我们也见识过不打轮廓从最吸引作画者的细部开始刻画的,但那是对观察能力的造型塑造能力有高度能力者而言。无论哪种方法都需要观察。之前有不少优秀的人说过,如果你想要了解一件事物,那么就要像把它画出来一样观察它。所以我们平日里的观察和体验都如浮光掠影,并没有进入它们,也就没有了深刻和积累。而这些深刻和积累却是了解其他事物最快且有深度了解的基础。平日掌握大量信息的我们又有多少能深刻?

艺术之所以叫艺术不是因为技法难,不是因为奇特,不是因为美轮美奂,不是因为没有能力做的很好而显示出的怪样子,主要是因为想法。艺术史也是思想和需求的变迁史,它并不是技术熟练的发展史(不可否认,技术的发展仍有相关性)。

在每个篇章的描述中,我们可以获得的贡布里希想要我们知道的思维观念——每个时代的艺术发展,不管是你喜欢还是不喜欢,你觉得倒退还是进步,都有它继承前人的经验和自己所处时代环境的特征在,割裂得评判,或是单纯地认为它倒退这种思考方式都需要规避,否则就不能好好欣赏那些作品,也就无法获得作品传递的讯息。 “埃及人主要是画他们所‘知道’的东西,希腊人画他们所‘看见’的东西,而在中世纪,艺术家则学习在自己的画中表现他所‘感觉’到的东西了”。“感觉”大概是了解本质最终的途径,不管前面知道什么,看到什么,学到什么,最本质的东西仍藏在后面,下面,只能感觉。而“美”就并不那么狭隘了。

贡布里希站在西方世界,从宗教这一条线来理清艺术的发展史。还没同类对比过中国的艺术发展史是不是也是和宗教或者一种叫信仰的东西紧紧结合的,单从欧洲这条线来说,宗教确实对艺术产生影响,社会经历的战争,宗教的更替,促使了当时当地作品创作者有了不同的作品创作的出发点。直到宗教不再能压抑住人的思维,人们有了更自由的意识,看待世界的方法有了更为自由的空间。

在回到以中国为主的艺术历史中,也许正如贡布里希说的,中国的艺术并没有什么大的变化,细想起来,中国的艺术都是基于追求个人内心层面的变化,所以对于外部的技法沿袭的较多,很少追求特别不一样的表现。而也可以说,在一开始中国就已经追求到事物的奥义,才会去除颜色,构图,专注山水,植物,体现的都是高度概括的表现形式,建立更大的思考空间。 黑白照片比彩色照片表现的更多,更客观的原因是,它建立了一种丰富而且比色彩更准确的层次,而色彩会有情感因素的影响或是光线的折射,会偏色。黑白照片里面有很多灰的层次,对应着很多不同的细节,就像音乐里面每个音符对应的声音。追根究底,无论画画还是音乐都是强弱的变化,而且两者是同时存在的,甚至音乐更早一些,就是胎儿在妈妈肚子里听到的心跳声。马老师说“化学的本质是物理,物理的本质是数学。我最后退到了,语文的本质,是象形文字,是绘画,所以呀,学艺术无比的重要。跨维度啊。” 当写书法的人对器具比较讲究的时候,你可以说他是在“玩”,但是其实它是在写之前就在与未来的写出的字在做预备与连接,对器物的讲究就是对物的尊重和沟通,相信好的器物有自己的灵魂。 中国的艺术一直保持在“生”的状态,其实是区别与日本从中国学习的那个精炼的艺术表现,因为“生”如婴儿,所以有更多的可能性,而万变不离其中,为什么是可以万变的,就是因为每个人的本质都不同,中国的艺术修身养性,修的是自己,养的也是自己,求内而不求外。而日本现在所展现的状态,显示出了套路和当时学习的目的性太强。所以狭隘了。

在书中不经意看到自己在逛什么艺术展还是博物馆,大概只有大而夸张的物件才能引起注意力,这种不走心的状态很是浪费机会。两个小时前还在疑惑,中国早期并没有大型的雕塑留存,多是小物件,此时就看见14世纪的小型雕刻只有细细观赏才能品味到那种美好,却不是草草参观时的吸睛之作。贡布里奇说这小型雕塑不是供大众礼拜,并不打算用来庄严超然地暗示什么真谛,就是供个人祈祷,激发人们热爱和亲切的感情。不知远古时期中国留存的动物纹饰的物件装饰在建筑上是否与这样的创作初衷有关。(2017.11.10)

十五世纪的艺术家好像给自己设了限,有了法则,在短视法的影响下去进行创作。如果一直遵循这种规则,就可能会毁坏类似小孩子做儿童画时快乐圆满的感觉,压抑了宝贵的天赋才能。 艺术家们陷入了一条追寻真实感的路,但我也相信后面还会有某种复辟。

文艺复兴也许可以简单地理解为,艺术家们开始声张自己的追求了,虽然增添生活的美和优雅从未变过,但文艺复兴时期已经将创作从解说圣经,为宗教服务转变为描绘日常生活,对富裕和奢侈的夸耀似乎也很容易理解,经过了中世纪,意大利的商人开始发展经济,佛罗伦萨应该是典型的商业城市,有美第奇这样的大家族,艺术家们得到资助,创作好的作品,也为私人的生活服务。。。感觉西方艺术应该是从这个时候走向了商业领域,要追述艺术行业协会的发展,大概也是从十五世纪开始吧,为了保护自己的地盘内的艺术家们不至于被往来频繁的外来艺人和匠人所抢走了“饭碗”。

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