读《都灵萨包达美术馆》
《都灵萨包达美术馆》里说美术馆第一任馆长的兄弟马西莫•达泽格里奥侯爵曾把都灵称作一个“艺术像贫民窟的犹太人一样受煎熬”的地方,国王卡尔洛•阿尔贝托希望他臣民的审美能在大师的作品中受到培养,因为“沉默的美术馆胜过最有才华的教授”,在那里,每个人都能看到指明的道路,他的本性便自然地向其靠拢。
看到一开始那些热爱艺术的人为博物馆做出的努力,真是感慨。可是后来有段时间因为发展经济的热情,艺术也不再受重视。罗贝尔托•达泽格里奥公开抨击漠视艺术作品保护的危险:“我们的忽视将造成的损失是时间的镰刀,敌人的铁蹄或阿尔卑斯山的双通道都不能企及的。”
现在的世界,艺术面临的危机更加严重,也似乎没有希望了。随着科技的发展,享乐变得越来越简单,渐渐地精神不再重要,文学艺术可有可无。对大多数人来说,生活中没有这些的参与,对一部分人来说,是附庸风雅或者赚钱的的手段。总之越来越衰落了,天才层出不穷的时代似乎再也不会有了。
书中在说到简•勃鲁盖尔的画《空虚的人生》的时候说:17世纪盛行的对收藏的热情,不仅出于人们想对杰作进行编目和剖析的意愿,而且也表达了他们想在残酷的时间洪流中留下“什么”的意图。那些东西都非常珍贵而脆弱,符合巴洛克对于世事无常的痴迷。
《希尔伯琴弹奏者》一开始被认为是卡拉瓦乔的画,最终确定是安提维度托•格拉玛提卡的作品。如果这幅作品署名卡拉瓦乔的话,我会感到惊讶。觉得画面比卡拉瓦乔的清雅,但没有他赋予人物的那种特质。
多梅尼基诺说:“画就是画,没有任何东西的形状可以超越它精确的界限。”沙漏是含义最明显的象征符合:天文学事实上是星星和天空的科学。正如17世纪的许多寓言一样,对无情的时光流逝的无常观念和隐含的警告占据表现的中心位置。
奥拉齐奥•真蒂莱斯基的《圣母领报》中由鸽子化身的圣灵出现在窗子上。书上说:“窗户也被定义为'感官'宇宙建筑的一部分:通过窗户,可以打破人类世界和非人类世界的壁垒,日常生活便可变成永恒。”我喜欢窗子这样的寓意,也一直喜欢窗子,觉得它是通往另一个时空的通道,打开一个世界的大门。大概和“上帝关了门,又在别处开了窗”有关,这句话曾经在我非常困顿的时候给我带来特别的意义。
这幅《圣母领报》中的天使画得很美,圣母的姿态被认为“无比优雅”,真的就像一朵“不带刺的玫瑰”。一直以来我对很多画中圣母的形象都有点纳闷,除了不漂亮以外,好多都没有超凡脱俗的美,并且甚至没什么表情而不是悲悯,缺乏一种安详宁静温柔,发自内心的喜悦。不过还好,拉斐尔的圣母有一种圣洁的感觉,达芬奇的圣母有那种宁静安详的喜悦和美丽。
这本书中有鲁本斯《被仙女诱惑的德伊阿妮拉》:“鲁本斯作品中女性形象典型的宁静而华丽的肉欲性特点,与经典模式中疏离而理性化的优雅大相径庭,但却涌动着生命、活力和不自然的邪恶。”后面这句也让我想到了卡拉瓦乔。
鲁本斯和卡拉瓦乔都有丰富而磅礴的想象力,会用精湛的画技画出一些并不是很有美感却很生动的极富魅力的形象,让人不由得赞叹和欣赏,但卡拉瓦乔画作里面那种邪恶和优雅,鲁本斯那种优雅和粗俗互相交织又排斥的感觉,真是让人无以言说又欲罢不能,不得不承认那种力量的完美感觉。我更热爱卡拉瓦乔的作品。在邪恶和粗俗之间会选择邪恶。
《打瞌睡老头的画像》中伦勃朗那种无与伦比的神秘的金色光线消失了,但还是一眼就知道是伦勃朗的作品。虽然有一个火盆,但是画中明亮的部分像是没有光源的,而它自身也不是光源,更像是光就要熄灭了。在我这样感觉着的时候,读到书上说:“明处与暗处相交织在一起,它们之间的过渡柔和而不锐利,让一切都呈现在温暖的基调中,就好像在一段漫长而充实的时间后从正常的呼吸到寂静的死亡之间的过渡。”
格里特•窦的《窗前的年轻荷兰女人》并不是很吸引我,但解读中的话让我觉得很有趣。画中的小鸟和鸟屋体现了他“微小细节性”的风格:“这种笔触随着时间推移俞加清晰和流畅,有时还表现为纯粹的幻觉主义。”
这本来是他对于现实研究的兴趣和对写实的倾向的结果,但却表现出一种幻觉的感觉。在艺术的世界里,某种很绝对的东西,看似极端,却往往无分界,甚至有一种破坏临界的作用和效果,拓展了人的想象,给予更多美感体验。
简•戴维茨•德•希姆的《水果、鲜花、蘑菇、昆虫、蜗牛和蛇》这种画我并不怎么感兴趣,但细看并分解开来看真是精致极了。精致得让人不由得体会到了优雅,虽然画面里的东西非常凌乱,但每一笔都是被认真对待的,每一个物件都是精细的描绘。如果单独去看每一种东西,都是非常讲究的构图,而这一切东西叠加在一起形成的凌乱才不会让人反感,而是一种“错杂美”的效果吧。
弗朗西斯科•开罗的《希罗底和巴蒂斯塔的头颅》不知为何让我想到了孟金的萨福,大概因为“它们体现了画家对女性的偏爱,她们往往受到轻度变态的对待,带有一种深沉的不幸感”,还有它的色调中那种悲哀吧。不由自主去找有关孟金的萨福那幅画的文章来读。
那阴暗的色调,那压抑的氛围,那冷峭的天空,冷峭的大海,冷峭的岩石……曾经绽放出鲜艳的生命花朵的里拉琴,如今软弱无力地垂挂着。一张憔悴、消瘦的脸,一双忧郁的黑眼睛,似乎在诉说,那颗曾经热情曾经怨恨的心,此刻已成灰烬。
这幅画是否预示着萨福的死亡呢?
我实在害怕这种美会瞬息即逝,她是否会纵身一跳,永远消失呢?
啊,这瞬间,她美得让人怜爱,那忧郁的表情甚至比性感的身体更有诱惑力……
我仿佛听到萨福又再抱起她的竖琴,轻轻地唱:
自会有人记得我——
我说——
即使在
另一个时代
有限与无限,生存与死亡,一与全,灵与肉。画中萨福的一个表情,便包含所有。谁还敢说女性美是肤浅的?
看着孟金笔端的萨福,再读这段话,情不自禁地像以前很多次读到时那样震动落泪。沉浸在那份忧郁的伤感的美中。觉得一切现实的烦忧都已远去,唯有*美不可摧毁。不明白这种热爱的人,也不会理解这份感动。
这本书中的很多画家和作品我以前都不知道,虽然看没见过的画没有那种类似重逢的喜悦,但是陌生的冲击,新的发现和领悟,都让阅读的过程非常有意义而愉悦。也特别向往以后能够去世界各地的博物馆,看到那些画的真迹,感受不同凡常的美。人们都觉得这很容易实现,但我并不认为那么简单,因为不想只是走马观花。
(2016年12月9日)
看到一开始那些热爱艺术的人为博物馆做出的努力,真是感慨。可是后来有段时间因为发展经济的热情,艺术也不再受重视。罗贝尔托•达泽格里奥公开抨击漠视艺术作品保护的危险:“我们的忽视将造成的损失是时间的镰刀,敌人的铁蹄或阿尔卑斯山的双通道都不能企及的。”
现在的世界,艺术面临的危机更加严重,也似乎没有希望了。随着科技的发展,享乐变得越来越简单,渐渐地精神不再重要,文学艺术可有可无。对大多数人来说,生活中没有这些的参与,对一部分人来说,是附庸风雅或者赚钱的的手段。总之越来越衰落了,天才层出不穷的时代似乎再也不会有了。
书中在说到简•勃鲁盖尔的画《空虚的人生》的时候说:17世纪盛行的对收藏的热情,不仅出于人们想对杰作进行编目和剖析的意愿,而且也表达了他们想在残酷的时间洪流中留下“什么”的意图。那些东西都非常珍贵而脆弱,符合巴洛克对于世事无常的痴迷。
《希尔伯琴弹奏者》一开始被认为是卡拉瓦乔的画,最终确定是安提维度托•格拉玛提卡的作品。如果这幅作品署名卡拉瓦乔的话,我会感到惊讶。觉得画面比卡拉瓦乔的清雅,但没有他赋予人物的那种特质。
多梅尼基诺说:“画就是画,没有任何东西的形状可以超越它精确的界限。”沙漏是含义最明显的象征符合:天文学事实上是星星和天空的科学。正如17世纪的许多寓言一样,对无情的时光流逝的无常观念和隐含的警告占据表现的中心位置。
奥拉齐奥•真蒂莱斯基的《圣母领报》中由鸽子化身的圣灵出现在窗子上。书上说:“窗户也被定义为'感官'宇宙建筑的一部分:通过窗户,可以打破人类世界和非人类世界的壁垒,日常生活便可变成永恒。”我喜欢窗子这样的寓意,也一直喜欢窗子,觉得它是通往另一个时空的通道,打开一个世界的大门。大概和“上帝关了门,又在别处开了窗”有关,这句话曾经在我非常困顿的时候给我带来特别的意义。
这幅《圣母领报》中的天使画得很美,圣母的姿态被认为“无比优雅”,真的就像一朵“不带刺的玫瑰”。一直以来我对很多画中圣母的形象都有点纳闷,除了不漂亮以外,好多都没有超凡脱俗的美,并且甚至没什么表情而不是悲悯,缺乏一种安详宁静温柔,发自内心的喜悦。不过还好,拉斐尔的圣母有一种圣洁的感觉,达芬奇的圣母有那种宁静安详的喜悦和美丽。
这本书中有鲁本斯《被仙女诱惑的德伊阿妮拉》:“鲁本斯作品中女性形象典型的宁静而华丽的肉欲性特点,与经典模式中疏离而理性化的优雅大相径庭,但却涌动着生命、活力和不自然的邪恶。”后面这句也让我想到了卡拉瓦乔。
鲁本斯和卡拉瓦乔都有丰富而磅礴的想象力,会用精湛的画技画出一些并不是很有美感却很生动的极富魅力的形象,让人不由得赞叹和欣赏,但卡拉瓦乔画作里面那种邪恶和优雅,鲁本斯那种优雅和粗俗互相交织又排斥的感觉,真是让人无以言说又欲罢不能,不得不承认那种力量的完美感觉。我更热爱卡拉瓦乔的作品。在邪恶和粗俗之间会选择邪恶。
《打瞌睡老头的画像》中伦勃朗那种无与伦比的神秘的金色光线消失了,但还是一眼就知道是伦勃朗的作品。虽然有一个火盆,但是画中明亮的部分像是没有光源的,而它自身也不是光源,更像是光就要熄灭了。在我这样感觉着的时候,读到书上说:“明处与暗处相交织在一起,它们之间的过渡柔和而不锐利,让一切都呈现在温暖的基调中,就好像在一段漫长而充实的时间后从正常的呼吸到寂静的死亡之间的过渡。”
格里特•窦的《窗前的年轻荷兰女人》并不是很吸引我,但解读中的话让我觉得很有趣。画中的小鸟和鸟屋体现了他“微小细节性”的风格:“这种笔触随着时间推移俞加清晰和流畅,有时还表现为纯粹的幻觉主义。”
这本来是他对于现实研究的兴趣和对写实的倾向的结果,但却表现出一种幻觉的感觉。在艺术的世界里,某种很绝对的东西,看似极端,却往往无分界,甚至有一种破坏临界的作用和效果,拓展了人的想象,给予更多美感体验。
简•戴维茨•德•希姆的《水果、鲜花、蘑菇、昆虫、蜗牛和蛇》这种画我并不怎么感兴趣,但细看并分解开来看真是精致极了。精致得让人不由得体会到了优雅,虽然画面里的东西非常凌乱,但每一笔都是被认真对待的,每一个物件都是精细的描绘。如果单独去看每一种东西,都是非常讲究的构图,而这一切东西叠加在一起形成的凌乱才不会让人反感,而是一种“错杂美”的效果吧。
弗朗西斯科•开罗的《希罗底和巴蒂斯塔的头颅》不知为何让我想到了孟金的萨福,大概因为“它们体现了画家对女性的偏爱,她们往往受到轻度变态的对待,带有一种深沉的不幸感”,还有它的色调中那种悲哀吧。不由自主去找有关孟金的萨福那幅画的文章来读。
那阴暗的色调,那压抑的氛围,那冷峭的天空,冷峭的大海,冷峭的岩石……曾经绽放出鲜艳的生命花朵的里拉琴,如今软弱无力地垂挂着。一张憔悴、消瘦的脸,一双忧郁的黑眼睛,似乎在诉说,那颗曾经热情曾经怨恨的心,此刻已成灰烬。
这幅画是否预示着萨福的死亡呢?
我实在害怕这种美会瞬息即逝,她是否会纵身一跳,永远消失呢?
啊,这瞬间,她美得让人怜爱,那忧郁的表情甚至比性感的身体更有诱惑力……
我仿佛听到萨福又再抱起她的竖琴,轻轻地唱:
自会有人记得我——
我说——
即使在
另一个时代
有限与无限,生存与死亡,一与全,灵与肉。画中萨福的一个表情,便包含所有。谁还敢说女性美是肤浅的?
看着孟金笔端的萨福,再读这段话,情不自禁地像以前很多次读到时那样震动落泪。沉浸在那份忧郁的伤感的美中。觉得一切现实的烦忧都已远去,唯有*美不可摧毁。不明白这种热爱的人,也不会理解这份感动。
这本书中的很多画家和作品我以前都不知道,虽然看没见过的画没有那种类似重逢的喜悦,但是陌生的冲击,新的发现和领悟,都让阅读的过程非常有意义而愉悦。也特别向往以后能够去世界各地的博物馆,看到那些画的真迹,感受不同凡常的美。人们都觉得这很容易实现,但我并不认为那么简单,因为不想只是走马观花。
(2016年12月9日)
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