没有艺术,只有艺术家,及他们对艺术的极致追求

微雨
2020-05-27 看过

西方艺术史,看上去是一个很深很高尚的话题,它包含着从原始美术到洞窟壁画到近现代的种种流派、各种风格、各种主义;从自然原始到立体三维、抽象空间虚无;从历史时期、艺术类型、国家、到表现方式、经典作品,如此让人眼花缭乱的西方艺术发展过程,让如我般艺术门外汉的普罗大众,只能对着喜欢折艺术世界,望而却步。

却有一个叫做意公子的作者,用浅白风趣的语言和逻辑清晰的脉络,梳理了3000多年西方艺术史的精髓,帮助我们迅速构建完整的艺术史认知框架,提升我们在生活中的独立审美意识。

假如通往艺术的道路有一扇门,那么这本《大话西方艺术史》就是一把打开门的钥匙。在这里,我们不仅可以学到艺术领域的基础知识,也可以找到欣赏艺术作品的方法。从此,我们或许没有专业的眼光,但我们也不会再是以纯粹无知的状态,去欣赏艺术。

西方艺术史是怎么样的进程?

在远古时期,他们画动物,因为那时人类太渺小了,画下它们,在意念上将其打败

在中世纪,他们画神。因为那是宗教艺术几乎完全取代了世俗艺术的时代。

在文艺复兴时期,他们画自己想画的人。十九世纪,他们画风景。

二十世纪,他们画一切,直到画照片画虚无。

其中,伟大的艺术家们各具特色,用自己对艺术的极致追求,推动着艺术史的发展进程。

1丢勒的自画像:这就是我,请关注我,重视我

自从有了手机拍照功能,很多人迷恋上了自拍。翻看朋友圈,会发现地堆的自拍狂人。为了拍出高大上的照片来,各种方法层出不穷。喜欢自拍者有几种类型:自恋、自推、炫富、留下曾经的美好记忆。

其实在有照相机之前,人们也喜欢找个画师画像。画师自会将人画出最好看的一面,满足普罗大众自恋的心愿。却很少有画家画自画像,直到“自画像之父”丢勒的出现。

丢勒,德国最伟大的艺术家,13岁时画出了人生的第一幅自画像,也是西方艺术史上的第一张自画像。这幅自画像线条流畅,画面真实,而且脸部的明暗对比,以及从头到肩膀,从肩膀到手臂,比例都很讲究。

13岁的丢勒画自画像,和我们的自拍狂魔差不多。他对着镜子画自己,一共画了十几幅,才得到了自己满意的作品。

有人认为丢勒画自己是因为自恋。虽然他完全有资本自恋。他是个帅哥,也是个学霸。他勤奋好学,会赚钱。他画自画像,是因为他从中体会到了观察人体和记录自己、创造艺术的快乐。

在那个时代,神可以被画成正面,但人只能是侧面。画家被视为手工艺人,没有资格把自己画进画里。丢勒的自画像,打开了自画像艺术的先河。他研究人体解剖和人体比例,并著书《比例论》,他运用“透视法”和“解剖法”,在自画像中展现无遗,让画面变得更为逼真。

丢勒的自恋,正是他自我超越的过程。唯有一次一次地修改,才有他一次一次地构图精进。每一次的自我否定,就是他构图技法的改进。而他大胆地尝试,却又是超越时代的勇气。

创作自画像是件很容易的事,难的是把这种想法付诸现实。丢勒不仅敢于当先锋,还将自画像当成了关注自我、反省自我的方式,影响了后世所有画家。他赢得了歌德斯评价:“当我们明白了丢勒的时候,我们就认识了高贵、真实和丰美,只有最伟大的意大利画家,才有和他等量齐观的价值。”

2雷诺阿:为什么艺术不能是美的呢?世界上丑恶的已经够多的了

雷诺阿的一生是苦难、贫穷、疾病的一生,他的画却总是丰富、温暖、欢乐、愉悦的,充满着对阳光的追求,对幸福的展现。相信幸福,也就画出了幸福,让人感受到幸福的魔力。他是怎么做到的?

雷诺阿出身于一个穷裁缝家庭,家里有一大堆的孩子,经常穷得揭不开锅,父亲不得不早早地就将孩子们送去学手艺。雷诺阿的第一份工作就是在瓷器店当学徒,在瓷器上画出艳丽的花朵。

有天份的人在哪里都能脱颖而出。雷诺阿在瓷器店里迅速地从学徒工成长为专职绘制图案的画匠。机器进入瓷器车间后,他又成了画扇面的装饰工,画香艳丰满的女人。他将这些当成了对绘画的学习和磨练,这些工作经历对他的影响很大。后来也偏爱人物画。

21岁时,雷诺阿拿着偷偷存下的钱去巴黎美术学院学习。在这里,他结识了莫奈,一起写生,开始用轻松的笔法,用不连贯的笔触描绘人物,将幸福的感觉融汇成了绘画技法。

他的画仿佛有一种魔力,能让人不由自主寺地开心起来,甚至有人干脆称他为“幸福画家”。如果是打心底里快乐,即使绘画技巧再好,也不可能画出幸福感来。只有发自内心感到世界美好,才能将欢乐带给别人。

那么他是否真的如我们想象的那样,从此就开始了他的幸福人生?事实上,雷诺阿47岁时就患上了风湿病,后又转为关节炎,一生饱受此病的折磨。69岁时甚至全身瘫痪,再后来,手指僵硬变形,连画笔都夹不住,靠转动手腕作画。但他一直继续着他的幸福愉悦追求,直到最后一年,还完成了一幅作品,一如既往的温暖、欢乐。

人的一生,总会有许多的痛苦和磨难,但看你怎么看待。有阳光在心里的人,即使面对风雪,也知道“阳光总在风雨后”,没有自信和阳光的人,即使身浴阳光,也总是担心着风雨的来临。心态决定着命运。

雷诺阿的一生不能算是幸福完美。出身贫寒,从小做学徒换工作,偷偷存下钱读书,很大年纪还没成家。事业上有了成就,身体却垮了,大半生在承受病痛的折磨。但是他心有阳光,做工的苦,在他而言,却是幸运,运气好的他能有机会学习他喜欢的绘画。他将一切机会当成幸福,从不放弃学习和创作。

当一个人发自内心地感受着世界的美好,他的世界就是美好的。当他相信幸福,他就能得到幸福的感受。只要心里有阳光,阳光就照进了他的心里。

雷诺阿就是这样一个聪明而拥有感受幸福能力的人,对于他来说,“幸福”就是他最容易捕捉到的,也是最容易创作的。这样的他,也是内心最温暖幸福的。

3艺术不一定全是美的,还有“丑”的艺术

托尔斯泰说:幸福的家庭是相似的,不幸的家庭各有各的不幸。没想到这句至理名言,换到艺术作品上,也可以这样说:好看的画是相似的,“丑”的画各有各的“丑”法。

毕加索是闻名中外的大画家,他的成名作《格尔尼卡》,其复制品挂在联合国的会客大厅里。就是这样一幅重要的作品,却被称为“丑中之王”!为什么呢?因为这幅画中,男人、女人、孩子、战士、牛、马隐约辨,都以缺胳膊少腿的状态,杂乱地散落在画面里。

这幅画描绘的,是人类历史上第一次动用空军,大规模轰炸不设防的平民城市。三个小时内,这座西班牙的格尔尼卡镇,被夷为平地。这是毕加索的家乡,他想要做点什么,来表达自己的抗议。

毕加索用他擅长的立体主义手法,用扭曲变形的图形,描绘出破碎的肢体和混乱的场面。他用这种夸张的画面,表现了残暴、恐怖、痛苦、绝望和死亡。

还有一种“丑”的代表,是色彩浓艳的色盘,代表人物马蒂斯,他在蓝绿背景上,画了几个红彤彤的小人,拉着手跳舞。配色和线条都简单到了极点,但却让人感觉到,他们跳出了无限的快乐和力量,仿佛要跳出画布一样,让人想起了篝火庆丰收的场景,野性而纯粹的喜悦感由然而生。

艺术的美,在繁,也在简。这样的简化艺术,看起来似孩童般的涂鸦,却在这些简单的线条和色彩中,让艺术的感染力不其然就散发了出来。

我们平时评定一个人的美,首先是人的漂亮脸盘,和匀称的身材。弗洛伊德知道吧?心理学大师。他的孙子,卢西安. 弗洛伊德,他画的人物,让模特用一个最舒服的姿势坐着或躺着或睡着,进入极度放松的状态下,才开始画。这样出现的人物,皮肤一片惨白,神情毫无光彩。

人的一生不光是有光彩照人的一面,还有更真实,更隐秘的意识层面,人类不仅有志得意满的时候,还有人类的苦难、脆弱和无助。这样的形象,根本就不是“美”与“不美”的区别。它们是生活的真实,是人类在为生存而挣扎,而不放弃的真实写照。

艺术是美的,画家用美来体现人们对生活的幸福感受。艺术也是丑的,它会让人们对丑的事物做一个反思:为什么会有这样的丑出现?我们的生活支持正能量,也不拒绝丑的表现形式,正是这些丑的艺术,让人们对丑有更深刻的理解和反思,在丑中看到人性的真相,和我们应该走的路。

西方艺术史是开始的?起源于山洞里的壁画,那是人类最初对生活的希翼。经历了神话的世界,经历了死亡艺术,到中世纪的文艺复兴,艺术家们掀起的是艺术改革,从古典美到画得真实,从画得像到画得不像,人类的艺术就这样在来来回回地摸索中前行。

所谓艺术,究竟是什么?贡布里希说:没有艺术,只有艺术家。做为普罗大众的艺术爱好者,我跟着意公子,从史前的洞穴壁画,到20世纪当代艺术,欣赏各个时代的名画经典,轻松地看从古至今的艺术家们,有着怎样的出生与背景,经历过怎么样的人生故事,是如何在传承着艺术之美,感受他们对艺术的极致追求。

读《大话西方艺术史》,获得了知识,也得到了快乐。

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