剑桥艺术史:绘画观赏 8.5分
读书笔记 第8-13章
桑笛

注:所读版本为kindle版。

第8章 传承

艺术家不可能凭空创造,他们经常受别的艺术家和过去传统的启发,即使是背叛一个传统,也仍然表现出对那个传统的依赖。传统好比土壤,艺术家从土壤里成长并从中获取营养。他们明白这一点,而且绝不讳言;即便是利希滕斯坦也曾经说过:“……我公开嘲弄的东西,正是我热爱的东西。”
最伟大,最具有独创性的艺术家,甚至是最标新立异、最让人惊诧不已的艺术家,也都对传统有敏锐的感觉。

例子:马奈、毕加索《草地上的午餐》;马肯多尼奥·雷蒙第《帕里斯的裁判》与古罗马石棺雕刻中的河神细部。

第9章 布局构思

有的时候,也许可以只看绘画的形象和色彩——它的形状、大小、排列等等,而不管她确切的主题所在。

例如:亨利八世和布利斯科夫人的肖像画。画面本身也可以提供许多信息。

学会识别画家为达到特殊效果而创造的种种方法,有助于我们更好地理解某些画为什么给我们留下深刻的印象。通过分析绘画形式,常常能提高我们对作品的鉴赏力;让我们知道:为创作在视觉上完美的写实作品,画家需要经过多少精心细密的思考。

第10章 空间表现中的问题

中世纪早期马赛克装饰画上的“饼与鱼的奇迹”作者不对空间和景深作任何暗示,只是直白地将耶稣放在中间,圣徒分列两边,基督位置尊于众使徒,正在把饼和鱼交给他们分发。丁托列托的画中起主要作用的是“众人”,现在只是含蓄地表现,但即将发生的奇迹是什么意思,却是再清楚不过了。

从直白到含蓄,表现手法的转变,但空间感更强,而且更生动。

文艺复兴时期,空间的可测度性成为热门话题。勃鲁奈勒斯基开创了单点透视法原理,阿贝尔蒂通过《绘画论》将其推广开来。
彻底的写实主义,从逻辑上来说这一切都很完美,但有时逻辑不能够解决艺术问题,反而给艺术带来了问题。

安德烈亚·德尔·卡斯泰格诺的《最后的晚餐》,犹大成为画面的主角。完全地遵照技法,试图描绘最真实的空间,往往会与真实意图背道而驰。

第11章 风格分析

沃尔弗林提出的区分文艺复兴风格与巴洛克风格的四组概念。

第一组:线型风格与非线型风格

线型风格:所有人物以及人物形象范围内和范围外的一切重要物体都用线条清楚画出,画中每一个实体(不论是人还是非生命物体)都有明确的边界,都很清楚;每一个人物都是平等着力的,都像雕塑一般分明醒目。

例如拉斐尔。

非线型风格:画中人物不是平等着力,而是彼此交融,明亮的光线从一个方向射过来,把有些东西照得很亮,而另一些东西就显得黯淡。在黯淡的地方,轮廓小时了,快捷的笔触把单个的成分连接在一起,而不把他们一个一个区分开来。

例如鲁本斯、伦勃朗。

第二组:平行布局与退缩布局

平行布局:绘画中的所有部分都安排在与该画平行的若干个平面上。

如拉斐尔《雅典学院》中包括三个彼此平行和平面。

退缩布局:人物与画面形成角度,并向景深退缩,由此而主宰构图。
平面平行或对角线退缩的这些构图原则,既可以用于整幅画,也可用于画中的某些部分。

如鲁本斯的《圣家族与圣方济各》。

第三组:封闭结构与开放结构

封闭结构:所有人物都放在一幅画的框架之内,构图的基础是横线条和直线条,与画框的形状呼应,也适合于画框所确立的形式。例如拉斐尔的《宝座上的圣母子和诸圣》。画面完全是自我封闭的,“封闭结构”给人以稳定和平衡的印象,并带有某种对称的倾向(当然不是严格对称)。
开放结构:强劲的对角线与横平竖直的画框形成反差,对角线不仅体现在绘画表明,而且向后延伸向远方。人物形象不被具象与画框内,而是在边缘被切断。这让人感到空间是无限的,它流出了绘画的边框,这是动态而不是静态的构图,它隐含着运动,并有瞬间的效果,与文艺复兴绘画的平稳恬静正好相反。

第四组:多重性与统一性

多重性:文艺复兴绘画明显地分成许多部分,每一部分都如雕塑群像般自成一团,每个部分都有它自己的独特色彩。文艺复兴绘画中那种均匀散射的光可以把画面上的各个部分区分开来,所以各独立单元的“多重性”就能够相互平衡。
统一性:而巴洛克绘画更加具有一以贯之的“统一性”,主要用直射的强光来做到这一点。

这四组概念之间有着内在的联系:

文艺复兴绘画:光线的漫射造成了清晰的轮廓、群雕般的造型、各自分开的组成元素和明确的局部色彩。
巴洛克绘画:一束强烈的光直射过来,加强了“统一性”(这是由穿透表面伸向纵深的持续不断的斜线造成的),融合了物体形状,冲淡了局部色彩。

这几组概念也可应用于其他风格的绘画分析,并不局限与文艺复兴、巴洛克两个流派。

第12章 画中隐喻

早期绘画中布满了一眼就能看得懂的象征物,但15世纪的画家却希望把作品表现得更真实,于是就用隐含的象征把他们对自然的研究提高到一个精神的层次上。

早期绘画中,如宗教/神话主体画中人物有规定的象征物或者动作,例如圣凯瑟琳的车轮、圣方济各的圣痕、圣哲罗姆的狮子等等,比较容易看出来。15世纪的象征物更丰富,例如丢勒的版画中充满了各种象征物,而且很难破解。

第13章 创造水平

艺术家受到的限制:自己的技能、所使用的材料、有时要表现事前不知道的特点等。但最困难的是如何用颜料、木炭、马赛克或彩色玻璃等,把他们想表现的东西按他们观察到的形象丝毫不差地表达出来。伟大的作品很少出现,但一旦出现了就是了不起的成功。

新的材料、方法的出现在艺术史上也是重要的,比如透视法、油画、管状颜料的出现等,但这些是工具,是辅助,真正的核心是艺术家本人。伦勃朗的素描中有一副《学步者》,寥寥数笔,但会触动每个人的内心,这才是优秀作品真正打动人心之处吧。

优秀的画家之道如何构图,他对和谐的色彩很敏感,对不协调的色彩很反感;他对传统知之甚深,既知道他的力量,也知道他的限度;他的作品让人满足、给人欣喜和惊奇,能加强我们对主题的了解,提高我们对形式的认识。但伟大的画家却具有神奇的天赋,能够为我们开辟一个情感和视野的全新世界。
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