设计的觉醒 8.2分
读书笔记 第一章
了利

无印良品考

无印良品有三个特征:“材料的选择”、“工序的检查”和“包装的简化”,第一代无印良品的商品可以说充分体现了“物美价廉”这个特征。
设计的作用在于寻找功能和社会间的接点,在功能足以说明一切的前提下,装饰成分是可以节制的,如果把握节制的度是一个设计师是否成熟的标尺。
无印良品重视的是专卖场的功能和气质以及所要传达的“家”的气息。为了凸显气质特征,我们把天花板吊顶全部去掉,让那些管道和水泥构造直接裸露出来,货架和墙面尽量使用木材、石头等天然材料,用来摆放产品的容器也尽可能是纯天然和纯手工方式制作,就连放糖果糕点的篮子也专门到地方上去搜寻民间工艺品。
首先有个好商品,这是第一前提,之后是为它加上好的推广信息,在以前这就够了,但现在如果没有好的卖场、好的国际化视野来展示推广商品却是不行的。也就是说,如果“好的产品”+“好的推广信息”+“好的展示环境”三者缺一,将都无法在现今的商业环境中成功。所以如果空间设计师、产品设计师和策划这三个方面不能很好地默契前行,就很难使往后的商品推广获得成功。

我的二十一世纪

与快速消费的崭新商品相比,如今的人们已渐渐发觉,品质好寿命长的商品更具有美感。
我认为,思考受伤地球的再生,重新认识非西欧文明,脱离整齐划一的欧陆风格,控制对舒适的过度追求,减少华而不实的国际交流,弥合由认知不同而产生的思想冲突,找回对非光滑闪亮之物品的审美等,这些都是二十一世纪设计的最大课题。

“传达”与“记录”的分离

第一个方面,是“传达”与“记录”的分离。在以往多媒体还没有泛滥的时候,传达和记录大多是一体的。比如我生活的那个年代,提到美术书时想到的就是用浆糊贴在衬纸上的原色版,只有在卷首的那几页才会出现彩色。所以对于曾经只能在卷首品尝到那一点点珍贵色彩的人来说,像如今这般随意地将精美的印刷品丢弃的确是不可想象的事,要知道在那个年代连旧杂志都是重要的资料。
第二个方面是关于记录的,也就是印刷术还有作为重要媒材的一面,这与胶片,电磁讯号等新媒体完全不同。制版技术的提高,使得印刷日益精美并朝着均质和普及的方向发展,这个过程说不定会将其艺术性与美术性日益洗练,进而以某种值得记录的表现再次成为一个课题。而几近消失的活版、原色版、凹版等印刷质感强烈的工具,近年来也由于打通了成本与人力的问题而得以复活,这或许也与高级化或工艺化有关吧。仅有内容的传递已经不能满足这个时代,而对于有着温暖而高品质触感的印刷美,人们却不由地再一次产生眷念,这是令人惊讶却又近在眼前的事。

海报的昌盛

但是到了1967年,由美国旧金山的嬉皮士们手工制作的幻觉式海报又引来了关注。电子化的音乐、药物之后的幻觉被予以视觉化,其中弥漫的激烈色彩和强烈个性表现迅速地风靡了全世界。年轻人开始讲他们喜欢的海报贴在房间里,成为六十年代后半期的风潮。
以幻觉海报为契机,海报经历了一次大的转折。一来,海报从宣传媒体的领域脱离出来,成为室内装饰的一部分,各人可以根据自己的喜好去购买,也就是慢慢演变成现在的版画。二来,随着印刷的高质量化,小额预算使得设计者很难发展手工艺式的构思,海报制作的过程控制也变得困难。
海报从此时开始向两极发展。一边,是大企业在奢侈的外景地拍摄高精度照片,以机械化和自动化的大量印刷向手工脱离。另一边,则是创作者在自由地发挥本性,用丝网印刷等单纯的方法来制作越来越多元化的海报。

文字与设计

这正是为什么在文字与设计的关系中同时存在趣味性和虚无感的原因。主题、标题这些虽然通常来自他人的委托,然而文字本身的严密性是必须保证的。虽然形容和说明可以允许适当的调整,但人名和公司名、时间与地点是如何也不能更改的。在创作编排类设计品时,“文字”这一素材尤其需要严格注意,甚至有时所有的想法都要以其为出发点。只要涉及与文字有关的设计工作,就不仅要接受笔画,数量的限制,甚至连词意与顺序的限制也都要无条件接受。

图案与设计

对于在京都度过青年时代的我来说,近来越来越体会到自己是多么的幸运,即便只有那停战后的短短四年时光。当时我在京都市美术专科学校攻读的是名副其实的图案专业。还记得一年级的时候,每天从早到晚都是写生和便化。所谓“便化”就是把事物的特征提取出来并加以强调,然后做成相对简单的造型, 也可以称作图案素描。每天的生活就是这样的周而复始。

单纯化与设计

当然这多少有点极端,但也并非毫无道理。近代设计在创始时期就是以对虚伪的抵抗和消除来实现量产,那时还勉强算得上是“单纯化”。然而近来“单纯”这一概念本身却开始被安然地套用咋统一的模式中间,而这很大程度上只是一种名义上的“单纯”,可以说只能叫做现代感,或者Academic[译者注:1980年初在日本兴起的人文科学、社会科学领域潮流的统称]。
作为日本艺术根基的“单纯”其实并不是这样的。那是一种立足于某种精神主义而对漫无边际的东西进行的集约化。将那些在商品形象中承载不了的东西如切掉赘肉、杜绝浪费一样摒弃掉,以这样简单的形象为思想的融入留出空间。

海外声誉渐高的日本广告和设计

然而,如果以国际性的视野来观察一下日本广告中的趣味,就会发现日本广告受到的关注并不完全源于经济活力产生的广告数量, 而是更多地源于日本文化本身。这种文化向世界展示出了它的独特性,同时也在以相当块的速度向成熟发展。
第二个原因,可能要追溯到明治时代的文化开化,因为从那时起日本人开始同时面对“和”与“洋”这两种对立的文化样式。
第三个原因,也许在于日本广告的娱乐感。

东方和西方的黄金感觉

像金屏风这样拥有日本独特美感的事物,并不是日常生活常用的摆设,而是在表演中用来表现晴朗天气而使用的道具,平时都是折叠着收起额。这与欧美那种展现性的美学是截然相反的。因此,金子在日本并不是炫耀权利、象征财富的东西,而是被日本更多地作为一种带有神秘感的色彩。

一次性纸杯

用眼睛去发现森林

就像大自然被逼得走投无路一般,事实证明人类也被巨大的经济效率主义压得喘不过气来。日本人的好奇心和求新求变使得他们对美国的流行样式没有一点抵抗力,甚至还得意地去模仿那毫无个性的舶来品,因为肤浅的CI蔓延开来。和前面说到的首相官邸的出发点不同,有很多企业还陷入了崇尚“我最闪亮”的商业主义视觉竞争。而与此有关的我们这些设计师们,是时候扪心自问了。

永远的琳派

对我哦来说,琳派[译者注:琳派是日本十七、十八世纪的装饰画派,它追求日本趣味的装饰美,在日本美术史上占有重要位置。它的影响波及到日本绘画和工艺美术,特别是在染织、漆器、陶瓷等方面。其装饰意匠被采用在于人民生活有关的各领域,对近代日本民族审美意识产生了较大影响]的世界是危险的。它以各种各样的方式诱惑我。如果说“诱惑”,或许不太准确。这样说吧,琳派的世界充满着相当的日本式情感的体温,以及一种馥郁的香气,让我直想躺在它的怀抱里。

宗达与设计

不知从何时起,以宗达为首的琳派艺术渐渐被公认为是设计的同义词。战后的日本以惊人的速度向大汇总化社会迈进,将设计的“普遍性”与琳派“合乎目的的要素”相结合起来思考的做法, 不得不说是为日本古典剖开了新的一面。
当然,对于以设计为志向的人来说,把以宗达为首的洋溢着日式美感的琳派视为他们的鼻祖,对于明确设计的使命来说绝对是一件好事。虽然近来我再次重新欣赏宗达的作品,但还是觉得在设计方面很难把握,有些碰壁。且不说扩大了的琳派的概念,宗达的作品的确是比任何时代艺术家都更接近日本美学的本质。

纹样美学

纹样的美妙,在于它超越了具体的形象,为呈现出图案本身纯粹的美,所有的圆形和方形的变化,还有洲浜、鳞片、巴纹[译者注:巴纹是一种由逗点或月牙状等图形以圆排列而成的纹样]都是一样,在被赋予的含义之外,它们作为抽象形态还有这丰富的几何美感与空间张力。三重格、四重格等以“格”组成的方形结构,或被称为星、曜的这种圆形变化,都是设计过程中最核心的组合元素。
再仔细研究一番,我发现这些变化大概有三种规律。
第一是主题本身的变化。
第二是周围轮廓的变化。
第三是变形。

缟与色

缟的世界是斑斓多变的, 无论如何也很难用一个样式来概括,它拥有无限的变换方式。当然,线条是构成缟的前提,但在日本,缟有时候更像是一个面的概念。原则上看,经线的颜色和数目决定了缟的宽度,但是只要稍微变化一下线的粗细,间隔,就会变换出正花、反花等相当不同的效果。
日本的色彩在优雅亲和的背后,还有着非常直线性的一面。首先,日本人并不像西方人那样用光线的变化来表现颜色,而是以平面而直接的方式。与在光影变化中变现出颜色强度与柔度的西方传统不同,日本人是在直接感知颜色本身的性质。“鲜活”、“忧郁”、“明亮”等内容,都体现出他们更多地是在用颜色诉悦心情。
因此,日本人对颜色的使用,永远简洁而充满对比。比如用一种颜色靠近另一种颜色,在对比中使两者的特征都更明显。这也是为什么日本自古以来就有许多使用对比色的作品。奈良朝寺庙和神社的红和绿、武器上的红与黑、屏风画中的金与绿、喜事上的红与白、浴衣[夏季和服]的蓝和白等,这些都是对比性的配色。这些颜色组合与信仰、心情、构思、材料等混合在一起,就形成了日本的色彩。
说到这些,似乎有些脱离了缟与格子的话题。但实际上,无论时代如何变迁,条纹、格子和水珠这三种图案都必定会周而复始地成为设计的宠儿,无论从感觉还是从功能上,它们都可以说是人类图案的根本。纺织和印染的技术又使得图案更加富于变化,永远不会让人感到厌倦。因此可以说,图案的周期是从条纹开始又以条纹结束的。

白与黑中显现的红

而在我眼中,在白与黑之中显现的红是最美的。在那样的组合下,红忽然有了日本的气息,折射出浓郁而细腻的江户时代情感。

饥饿与过饱

这个有趣的时代已经充满了差劲、虚假的东西。戏仿这个经过伪装的简单主义竟公然获得了称赞。贵族和上流阶层中磨炼出来的东西与大众的兴趣相结合,这几乎是二十世纪艺术的重大特征。不知从何时起,为获得冲击力而付出的心血开始堕落为向大众时代谄媚的东西了。

海报·日本

我想这也许有几个原因。首先,在海报设计师这一方面,让我们不得不注意的是1951年成立的日本宣传美术会[JAAC]。它以河野鹰思、原弘[译者注:河野鹰思从事平面与装帧设计,是第一个被英国皇家艺术协会推选的日本设计师,原弘擅长包装、海报、书籍装帧设计,其文字编排设计最为优秀,他重视“纸”这一材质作为设计元素的运用,与竹尾纸业有密切合作]、龟仓雄策等一批意识前卫的设计者为核心,本着近代设计不可或缺的概念,在标榜和平的日本展开的启蒙与奖励。
其次,在社会环境方面,日本经济的惊人发展是海报繁荣的第二个诱因。在经营稳定、市场景气、商品流通好的时代,功能性的要求减弱,设计开始更倾向于形象性。被电视冲击了媒体效力的海报,转而在艺术性、装饰性、视觉意外性上体现出优势。可以说,制作海报并不再是为了直接促进销售,而是要更多地展现出企业活力与文化的印象。

中国与汉字

汉字自甲骨文起已经有三千年的历史了。它与埃及的象形文字,美索不达米亚的楔形文字合称为古代三大文字,然而只有汉字一直延续使用到现代。所以至今还在使用纪元之前的文字只有中国和日本了。在近代电子机械的时代,也曾经有人预言说形态那么复杂的表意文字一定会消亡。

民族的椅子

瓦格纳一直潜心研究中国明代的木制家具,在他的代表作“The Chair”中可以看到明代家具对他的影响和他对此做出的延伸。虽然清朝开始中国的设计有了装饰过度的倾向,但对于明朝的椅子我还是非常喜欢的,或许因为我自己也是东方人吧,每次看到明式椅子时就会有一种安定感。

每日设计赏的四十年

换句话说,如果五六十年代的每日设计赏是设计的“功劳奖”,那七十年代就是“作品奖”,而八十年代则是“作家奖”。从这个明显的特征,可以看到日本发生了巨大的变化,而设计的成熟度也随之提高了。
设计界的启蒙时代。
个性化时代。
日本设计的成熟时代。

木纹之美

琳派和设计

而琳派更好的地方在于他们并不夸耀这种美。他们的作品总是沉浸在一种典雅中,让人直想躺入那温柔的怀抱里。以圆将造型整体化,每个部分都有着弧线的圆润,这样的造型无论如何都不会有单薄的感觉。以画蓝绿色的山峦而闻名的宗达,不符按是画鹿还是画象,基本也都在圆的感觉中,这些动物拥有琳派特有的可爱,让人忍俊不禁。

在琳派的构图方面,宗派自不必说了,他之后出现的光琳对图像的剪裁也非常出色。重要的中心内容会暗示性地出现在画面的角落,这是何等绝妙的剪裁。宗达《舞乐图》中的松树、《源氏物语》中的桥都是表现得正好,多一分即流于平庸,少一笔则不明就里,直剪裁到恰到好处的位置。

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