第1页 《古典音乐》——读书笔记

【第二章 用70页的篇幅来谈全部的音乐史】

【格里高利圣咏】P13 
经过数千年制造音乐的狂热之后，有人产生了一个念头，就是把音乐写到纸上。但直到公元600年左右，教皇格里高利一世才创造了这一体系，来解释直到当时教会音乐还在使用的音阶。他给音符以富于想象力的字母名，如A、B、C、D。这直到今天我们还在使用！
格里高利圣咏有一种真正的精神力量深度，如果你闭上眼睛倾听格里高利圣咏，你就会顿消尘念，呼吸变得既深又长，你的新陈代谢作用会变得缓慢，身体增重。

【僧侣：规多】
阿雷佐的规多是一个天才的僧侣，他发明了许多音乐的新方法，诸如对音阶上的音符唱“多、来、米、发...”，这种对音阶音符演唱的标准字母系统，是全世界歌剧歌唱家和音乐本科学生几个世纪的技巧，被定名为“视唱法（Solfedge）”。规多还发明了新的记谱系统，使用那种至今我们还在使用的五线谱的基本形式。

【牧歌】P15 
歌曲中最受欢迎的形式就是牧歌。牧歌至少有三个声部，作品通常没有伴奏，在文艺复兴时期中，家族或朋友团聚在一起，唱这些牧歌。牧歌唱起来很有趣，因为它们常常涉及一种叫做“绘词法”的聪明技巧。当抒情诗中包括对词的特殊描述时，作曲家就用音乐来照字义描述这个词。

【歌剧盛极一时】
作曲家克劳迪奥·蒙特威尔第（1567-1643）生活于意大利文艺复兴高潮时期。对已经大受欢迎的牧歌形式，他又增添了更有生气的旋律和乐器伴奏。蒙特威尔第也是音乐戏剧（歌剧）的发明者之一。像文艺复兴时期的许多方面一样，歌剧也企图重建古希腊的光荣。在这种情况下，范本就是古希腊的戏剧，它在户外的圆形剧场中演出，由木管乐器和弦乐器伴奏。

【巴洛克时代】
蒙特威尔第及其追随者铺平了通向音乐史新时期的道路，这个时期被称为巴洛克时代。当你聆听巴洛克的音乐时，你会惊奇地发现，它是非常感情化的。今天，它听起来还比较正统。但在当时，那些华丽的旋律、到处的即兴演奏，被认为是音乐走向了疯狂。无词的绘词法成为巴洛克音乐中一个最基本的感情要素。

【安东尼奥·维瓦尔第】P17 
维瓦尔第是一位多产的作曲家，一生写过的音乐作品，比这个星球上的任何人都要多。除了50部歌剧之外，有40多件为合唱乐队的作品，100首为交响乐队的作品，近500首为各种独奏乐器同管弦乐队的协奏曲。但是，维瓦尔第后期的作品有着前后一贯的风格，因此有人诋毁说，它们听起来都是相似的。
维瓦尔第在威尼斯长大，成年之后，他决定当一名教士。这一决定，再加上一头像着火一样的红头发，使他得到“红教士”的绰号。
维瓦尔第的协奏曲有三个乐章，都有成套的形式，成为巴洛克时期许多作曲家所谓遵循的范例。它的公式就是“快—慢—快”。

【格奥尔格·弗里德里克·亨德尔】
亨德尔生于德国，受教育于意大利，但却被认为是英国最伟大的作曲家之一（最意大利化的德裔英国人）。关于亨德尔爱发脾气的说法在音乐界广为流传。
众所周知，亨德尔不能容忍乐器调音的声音。因此，当他指挥一个音乐会时，他命令所有的乐器都要在到戏院以前就调好音。
亨德尔的音乐作品是巴洛克风格最好的范例。它们清新、活泼，常常像舞蹈一般，也常常充满了感情。亨德尔的创作速度使人吃惊。他大约在三周里就写成了著名的《弥赛亚》清唱剧。这部清唱剧长达两个多小时，每逢圣诞节和复活节，就在世界主要城市中演唱。

【约翰·塞巴斯蒂安·巴赫】P21 
巴赫为人熟知是在他死后的一个世纪的事，但他是作为一个管风琴家，而不是作为一个作曲家出名的。
巴赫是一位多产的作曲家。一个人需要几十年才能抄写出巴赫全部的作品。但是，巴赫还有其他多产的方法。他同两位妻子共有20个子女，其中有几个孩子成了著名的作曲家。
巴赫在38岁时得到了最后一个职务：德国莱比锡的圣托马斯教堂的乐监。他在这个职务上的创作也是多得令人难以置信。他为每一个星期日和教历的节日写出众多的众赞歌（康塔塔），然后又写了三倍于此的作品。
巴赫的作品充满了对位，即二、三、四个或更多的旋律线同时演奏，创造出有趣的和声。他完善了赋格的艺术，这是一种惊人的、复杂的作曲方法，通常为四个音乐线条或声部写作，每一个旋律都是相似的，但要一个接一个地开始。

【古典风格】P23 
巴赫的音乐是巴洛克风格的顶点，巴洛克时期在很大程度上就是以他结束的。继之而起的音乐风格，今天被称为古典风格。
在某些方面，古典风格是巴洛克过度行为的一种反动。巴洛克音乐是华丽的、过度的和情感的，古典风格的音乐则是更俭省的、更含蓄的和更节制的。

【约瑟夫·海顿】
海顿是一个最快乐和最高兴的人。他经常同人们，同事物，甚至同自己开点小玩笑，他的音乐也反映了这种情况。
海顿的正式职务叫做“仆人”，他整体都在写新的音乐，然后为亲王演奏，这一职务使海顿完全有机会去试验各种音乐形式。在他停留在艾斯特哈齐城堡的30年中，海顿实际上单独制定了交响乐和弦乐四重奏的标准化结构。为此，他被称为交响乐之父，音乐作家谈到海顿时都称他为“海顿爸爸”。

【沃尔夫冈·阿玛迪乌斯·莫扎特】P27 
没有稳定的工作，莫扎特只好在维也纳周围以写作歌剧为生，歌剧受群众欢迎的程度有如今天的电影。
当莫扎特访问布拉格时，情况有了好转。这个城市极喜欢他的歌剧《费加罗的婚礼》。在他获得巨大成功以后一年，即1787年，布拉格委托他写一部歌剧来庆祝皇帝侄女的婚礼。他将选择什么庄严的故事来使这一神圣联姻音乐化呢？就是唐璜的故事，这位唐璜就是所有人中最卑劣的性狂人。这部歌剧叫《唐璜》。它轰动一时。
莫扎特写作音乐时速度极快的故事已经成为传奇。
莫扎特最后的作品是《安魂曲》，从一开始莫扎特就深信，他是为自己的死亡写这首《安魂曲》的。他疯狂地要完成这一作品，但这加剧了他的病情。最后，他只完成了几个乐章和剩余几个乐章的大纲。莫扎特的学生在他死后完成了它。

【路德维希·范·贝多芬】P29 
贝多芬移居维也纳的主要原因，是可以向海顿学习作曲。（艾斯特哈齐亲王死后，海顿返回他在维也纳的永久居所。）
就像莫扎特一样，贝多芬也学习如何写作交响曲和弦乐四重奏，因为这两项是海顿最大的专长。事实上，贝多芬的头两部交响曲，到处可见海顿的影响。在曲式、结构和长度上，几乎等同于当时海顿的交响曲。
为了表达他的痛苦，贝多芬独立使音乐从古典风格转入浪漫主义时期。在这个时期中，音乐中最重要的元素就是感情的表达。
如果说单独有一件作品使音乐史革命化，那这件作品就是贝多芬的第三交响曲，它被称为英雄交响曲。贝多芬以此件作品表明，他已不再紧跟海顿和莫扎特，他已找到了自己独一无二的声音。
当然贝多芬最著名的交响曲还是第五交响曲。它以c小调开始，在十分吃力的四个乐章之后，交响曲到了结尾，但它不终结于c小调，而是终结于快乐的、胜利的、生气勃勃的C大调。
从音乐上来说，小调和弦和大调和弦的区别仅是一个音符。但从感情上来说，区别却是巨大的。如果你从小调转为大调，你就会感到，仿佛暴风雨已经过去，云开雾散，太阳普照大地。
《欢乐颂》是席勒的一首漂亮的长诗。贝多芬从23岁起，就想把它谱成音乐。20年后，他终于发现谱写它的正确地方，即在第九交响曲的结尾处。
在那时以前，写下的交响曲都是打算由交响乐队单独演奏的。但在第九交响曲里，贝多芬第一次加入了四个独唱者和大型的合唱队来演唱席勒的诗词。对当时的音乐评论家来说，加入歌唱者简直就是叛变行为。音乐界为此猛烈争论了几十年。

【古典音乐的钟摆】P30
你可能注意到整个历史中有关系音乐爱好的一些有趣的事情。它们就像一个钟摆。每个时期的音乐都呈现出一种对以前音乐风格的过分反动。巴洛克风格及其华丽的装饰音和即兴演奏，就是企图使音乐比中世纪和文艺复兴时期冷酷的精神至上主义在感情上更自由。巴洛克之后，古典时期又从新把笼头套在感情之上。而到了浪漫主义时期，又猛地冲破了这一笼头。

【弗兰茨·舒伯特】
贝多芬死时成了英雄：有30000名悼念者参加他的葬礼。抬棺的人中有舒伯特。
就像莫扎特一样，旋律从舒伯特的头脑里流出，就像从瓶子里倒蜂蜜一样。他完成一件作品之后，马上就开始写作另一作品。而且他的旋律是完全可以哼哼的，甚至他的旋律是完全可以哼哼的，甚至他的交响曲也是如此。
他爱开玩笑的天性，以及他那充满乐趣的聚会，使他在朋友中极受欢迎，尽管他事实上并不是一个漂亮的男人。的确如此，因此他的友人把他叫做“蘑菇”（因为他只有1.57米，而且是个小胖子）。
维也纳此时仍迷于海顿，贝多芬也正在出名，因此舒伯特在创作交响乐方面的竞争就遇到了麻烦。此时，一位名为罗西尼的年轻作曲家以他伟大的歌剧（如《塞维利亚理发师》）而使其他人宣告失败，因此舒伯特没有写过歌剧。
但是，舒伯特的交响曲是优美的。最著名的就是第八号，它被名为《未完成交响曲》。它之所以未完成，并非因为生活中出现了什么重大事情而中断，没有人直到为什么只写了两个乐章而不是通常的四个乐章。
舒伯特那里经常高朋满座，所以他也写大量的钢琴二重奏，即两个人同时弹奏作品。（为了技术上的准确，舒伯特写这些作品是“为了四手联弹”。）当创作一首钢琴二重奏时，他往往故意写一些音符，使演奏者的手能够彼此交叉。于是，他就邀请某位面容姣好的妇女一起演奏他的新作品。

【菲利克斯·门德尔松】P35
像莫扎特一样，门德尔松开始创作很早，他童年时创作的音乐听起来就很成熟，特别是弦乐八重奏（写于12岁）和莎士比亚戏剧《仲夏夜之梦》的序曲（写于17岁）。
门德尔松重新发现了巴赫：门德尔松虽然是犹太人后裔，但受洗为路德教派的信徒。他创作了许多宗教题材的作品。成年之后，门德尔松在德国莱比锡指挥过交响乐团。一个世纪以前，巴赫就是在这里写下了他的辉煌杰作。事实上，门德尔松在普及巴赫音乐的工作中起到了主要作用。你们可能记得，巴赫是作为一个管风琴师而非作家出名的。在他死后，他的许多作品都被尘封起来，或者干脆是扔掉了。
门德尔松发觉和演出了巴赫的《马太受难曲》，这是巴赫死后第一次演出。从此以后，巴赫受到全世界的尊敬、钦佩和热爱。

【卡尔·玛利亚·冯·韦伯】P38
韦伯是第一个制定乐队演奏员标准座区的指挥者，这种分区的制度至今仍在使用；他是第一个让各区分别排练的指挥者；他也是第一位使用指挥棒和站在台上的指挥家，代替了以前由键盘乐器演奏者，或用一根棍子在地上猛击的指挥方式；他还是第一个要求对其指挥的作品的各方面作整体艺术控制的指挥者；他还是世界上最优秀的钢琴家之一。
韦伯以德国浪漫主义歌剧之父而知名。为了证明他是真正属于浪漫主义时代的那个人，他甚至以一种非常浪漫的方式死去，即死于肺病，这是浪漫主义时代病人死亡的主要原因。

【埃克托尔·柏辽兹】P39
柏辽兹的父亲是医生，他鼓励儿子继承自己的事业。但是当柏辽兹在巴黎学医时，他在很多未来的医生中出了名，因为他抛弃了医学而喜好音乐。什么东西使他改变了主意？也许是音乐的不可名状的诱惑。或者也许是他必须去解剖死尸。
柏辽兹到巴黎音乐学院，是从以严格而著称的意大利作曲家路易吉·凯鲁比尼。不幸的是，柏辽兹主张的一切东西，包括他以牺牲有趣的思想为代价，奴隶般地遵守音乐规则。叛逆的柏辽兹需要创造一种新音乐，而不能忍受那些不理解他的人的敌视。
27岁时，柏辽兹获得了令人垂涎的“罗马大奖”。这种给作曲家的奖金，使接受者能在罗马4年而不用担负任何费用。实际上，他在那儿并没有创作出很多东西，因为他正在潜心探访这座城市本身。但是，他却从这儿为他晚年的作品获得大量的灵感，包括他的《罗马狂欢节》序曲，这是他至今还收欢迎的作品。
也许，他进展不大的另一原因是，他在返回巴黎后，迷恋一个名为卡米耶的年轻女子。后来他又返回罗马四个多月，听说她又有了新男朋友，他妒忌至极，打算去谋杀这个新的男朋友。他带了一把枪，化装成女人，乘火车赶往巴黎。但当火车到达意大利的热那亚时，他认为谋杀那个家伙太冲动了，于是决定自己跳进地中海自杀。但是，他的企图没有成功，他被捞上来了。
有一天晚上，柏辽兹在英国观看《罗密欧和朱丽叶》的演出，对扮演朱丽叶的女演员哈利艾特着了迷，这使柏辽兹写成了一首奇怪的五乐章的交响曲，名为《幻想交响曲》。他根据自己编造的故事，说一位年轻的艺术家疯狂地爱上了一位不负责任的女人。柏辽兹写出了表现这种迷恋的音乐主题，他把这成为“固定乐思”。这段特别的旋律在交响曲的每一章中反复出现。
音乐会以后，她同埃克特相识；后来进行了约会，最后就实际上结了婚。结婚多年以后，哈利艾特仍不会说法语，而柏辽兹也不学习说英语。最后，纯粹为了厌恶相对无言的情况，他们被逼得发疯，两人只得离婚。

【弗雷德里克·肖邦】P42
在巴黎，肖邦同一位叫乔治的作家有一个著名的爱情故事。乔治是一位女性，为了提高她书的销量，他使用笔名乔治·桑。实际上，乔治·桑比她的名字更加男性化，她喜欢穿男装，饮酒和抽雪茄，并支配着她同肖邦的关系。有一次，当她的小狗愉快地摇动小尾巴时，她对肖邦说：“如果我像你一样有才，我会根据这只狗创作一首音乐作品。”肖邦径直走向钢琴，遵命创作了一首降D大调圆舞曲，当然，也就被称为《小狗圆舞曲》。

【罗伯特·舒曼】P43
舒曼在孩童时就表现出难以置信的演奏键盘乐器的才能。舒曼的母亲像许多音乐家的母亲一样望子成龙，希望她的儿子更加“诚实”的工作，如从事法律工作。罗伯特不情愿地进入了莱比锡大学的法学院。舒曼遇到了门德尔松，他当时也在莱比锡，他们成了好朋友。很快，就像柏辽兹一样，舒曼也弃学而成为一名音乐家。
根据浪漫主义的传统，舒曼认为，在音乐中表达感情，比表达形式、理由和逻辑更为重要。而且舒曼不缺乏感情来表达。他的个性就在两个极端中猛烈地摆动。一方面是外向的和勤劳的，另一方面是无精打采的和自顾自的。他感到自己仿佛是两个不同的人——事实上，他甚至给他的两种性格命名：弗罗雷斯坦是开朗的，尤瑟比乌斯是内向的。
现在，我们知道舒曼所得疾病的临床名称，他得的是狂躁忧郁症（贝多芬可能也患有此病）。不幸的是，这种狂躁抑郁症在他晚年时还伴有幻想症。44岁时，舒曼处于生命中期的痛苦挣扎中，他企图投入莱茵河自杀。但是，他和柏辽兹一样被人从水中捞出来了。他生命中最后两年是在救济院中度过的。

【约翰内斯·勃拉姆斯】P45
勃拉姆斯不像他的音乐前辈，这些人都曾在周围高贵的大教堂和城堡中获得职位，而勃拉姆斯确是在汉堡的酒馆和妓院中以弹琴为生的。但是，这毕竟是一个工作，他因此熟悉了大量的音乐，特别是舞曲，因为这是在他少年时代每晚都要演奏的。
勃拉姆斯很好地执行了他的任务，使巴洛克时期和古典主义时期的音乐，在形式和结构上都增加了热烈的、丰富的、浪漫主义的表现力。但他也是历史上最有自我批评能力的作曲家。在人们有机会听到之前，他就抛弃掉几时甚至上百件作品，事实上，他直到43岁时才发表了第一首交响曲。
现在，使人们感到奇异的事，勃拉姆斯的音乐在和声上是如此丰富，在风格上是如此迷人，却被当时的公众认为是学院式的、沉重的、刺耳的，有时甚至是不和谐的。

【尼可洛·帕格尼尼】P47
帕格尼尼是古典音乐中最大的一个自我推销者，能够把自己作为一种奇迹呈现在公众面前。例如，在音乐会之前，他准备自己的小提琴，把四根琴弦中的三根锯一下。这样，在演奏时，这些被锯了的弦注定要崩断，迫使他用一根弦把音乐演奏完。
女人（也有男人）的确在帕格尼尼的音乐会上晕倒过。有的时候，当他即兴演奏一个具有可怕声音的作品时，他要求把灯光搞暗。当蜡烛重新点亮时，听众席看起来就像战场，横七竖八地躺满了尸体。

【弗朗兹·李斯特】
李斯特也在自己的演出中走上了摇滚乐的表演道路：在演奏前，他脱下那双作为牌子的白手套，并挥了一下；他坚持在舞台上要有一架备用钢琴，以防他因猛烈地撞击键盘而使琴弦破裂；他在开始演奏前，为了显示自己的记忆能力，猛烈地把乐谱从肩上方扔到地上。
帕格尼尼以其演奏而使太太们晕倒，但李斯特做的更好。他在演奏一首特别动感情的、伤感的作品时，自己就晕倒了。当然他的追星族就更加疯狂了。许多人写信给他，要求得到他的一根头发，以致他不得不搞一条狗来，一旦需要时就剪它的一点点皮毛。当时被称为“李斯特狂”的人们，完全不能自持。
37岁时，李斯特又震惊了世界，他终止了自己的钢琴演奏生涯。他定居在德国魏玛的宫廷中，担当音乐指挥。
17年以后，李斯特再次震惊了全世界，他移居罗马，成为一名教士，从而抛弃了他的追星族，把自己堙没在宗教之中。

【理查德·瓦格纳】P49
瓦格纳是李斯特的朋友和哥们，或者更准确的说，是女婿，因为瓦格纳同李斯特的女儿结了婚（从她第一任丈夫那里勾走她之后）。
瓦格纳是个搞歌剧的人。他企图创造一种新的艺术形式，即乐剧。他把著名的德国民间故事同伟大的音乐结合起来。瓦格纳还是一个自负的、不诚实的、忌妒的、伪善的、种族主义的、色情的小人。
勃拉姆斯和瓦格纳是激烈争吵的中心人物，而他们的追随者又在很大程度上使这种争论持久化。在私人关系上，勃拉姆斯实际上是一个瓦格纳迷，但在公众面前，勃拉姆斯却参与媒体的炒作。当有人告诉勃拉姆斯说，瓦格纳乐队的一个成员死了，他却讥讽说：“这是头一具死尸。”
瓦格纳在他的歌剧中发展了一种常规做法，就是给每一个角色分配一个音乐主题。每一个小的旋律被称作“主导动机”，随着角色来来去去。这种技巧是受柏辽兹发明的“固定乐思”的影响而来的，是理查德·施特劳斯这样的未来作曲家某些旋律的老祖宗。

【理查德·施特劳斯】P50
如果你认为瓦格纳是一块砖头，那么扔到池塘里，他的涟漪会触及许多的后来人，特别是他的最为热心的信徒：理查德·施特劳斯和古斯塔夫·马勒。
对施特劳斯来说，未来的音乐是有“标题”的，即音乐要讲故事，要涉及到某一件事。他把这种作品叫做“音诗”。施特劳斯是音诗最大的倡导者。他的优秀作品是：《唐璜》、《堂吉诃德》、《英雄生涯》、《查拉图斯特拉如是说》和《死与净化》。
理查德·施特劳斯有一次在吃饭时向一个朋友吹牛说，“我能够把任何事物转化成音响。我能够用音乐来描绘你把调羹和叉子从盘子的一边放到盘子的另一边。”
理查德·施特劳斯的音乐从瓦格纳的作品中借用了一些手法。例如，他把一个特别的旋律（一个主导动机）同一个特别的歌剧人物结合起来。他也使用大量的阻碍终止，它们是和声的延长，似乎要开始完满地安顿在终止和弦上，但后来却没有这样。
施特劳斯还是一位著名的指挥家。因此他是少数生前即已获得财富和名誉的作曲家之一。
从编年史上说，施特劳斯的下半生是属于20世纪的作曲家；但从音乐上来讲，他属于浪漫主义时代。虽然他继续试验那些新的思想，但他从未完全在自己的音乐中抛弃调性（它大多建基于传统的和声上）。青年时代，他写过《死与净化》，60年后再垂死之际，这位音画大师说：“死亡就像我写过的那样。”

【古斯塔夫·马勒】
马勒出生于波西米亚（现为捷克），是一个犹太制酒商的儿子。马勒早年的生活是痛苦的。“小孩，你长大了要做什么？”一位亲切的路人问道。“一个殉道者。”他答道。
马勒从一开始就感到疏远之苦，他说：“我是三重无家可归的人：在奥地利，我是一个波西米亚人；在德国人中，我是个奥地利人；在全世界上我是个犹太人。”
他的成长过程充满了扰攘不安的事件。他的父亲是个凶恶的人，经常虐待他的家人，特别是他的母亲。在一次特别痛苦的虐待事件之后，年轻的马勒远离家庭，他不再能忍受下去。当他走到街上时，一个手摇风琴师正演奏一首维也纳流行歌曲。后来，他又参加了西格蒙德·弗洛伊德举办的心理治疗会。马勒认识到，这件生活照的插曲使他把快乐的、平凡的音乐同重大的悲剧联系起来了。
实际上，马勒的大多数音乐充满了这样强烈的对比：亮音和柔音或者高音和低音的迅速转换；乐器在其音域的极限中尖叫；瞬间出现的空灵的美，愤怒和痛苦，孤独或胜利。（他的某些交响曲结束于使人头发直立的大爆发中，这包括第二交响曲-复活交响曲和第八交响曲-千人交响曲）后者首演时有1379位演员，其中有乐队成员、独唱演员和一个大型的合唱队。节目单大概没有足够的地方可以把它写成“1379人的交响曲”。
这时，马勒已经成为一名极为忙碌和到处被需求的歌剧指挥，在同一时间既指挥维也纳国家歌剧院又指挥纽约大都会歌剧院。
他追求最高标准的音乐演奏，使他精疲力尽和限于崩溃，但却也使它获得全球的钦佩，并成为一位指挥家。另一方面，他的作品最初并不被人看好，只是靠后来的如伯恩斯坦这样的指挥家（他是最大的一个鼓吹马勒的人），才使他的作品在国际上知名。
马勒的音乐遵循瓦格纳的先导，在调性上越来越近于崩溃点。在瓦格纳时代之前，几乎所有的作品都非常明确地具有一个特定的调，但马勒的音乐却有不同，它有很长的延伸，似乎根本不在一个调上。

【古典音乐中的民族主义】
整个19世纪50年代，德国和奥地利的大腕们控制了古典音乐的全方面。正如我们已经说过的，全欧洲的作曲家都到维也纳、莱比锡和魏玛这些地方去向大师们学习。不管他们从哪个国家来，除非他们掌握了德奥风格，否则他们就不算是音乐家。
但是，19世纪后半叶却是音乐史上最有意思的时期之一。这时，每一个国家的作曲家都抛弃了常规的束缚，主张自己国家的民族风格。

【安托宁·德沃夏克】P56
德沃夏克还是一个质朴和性情温和的人，他生活简朴，有6个孩子。他喜欢放鸽子、看火车头、饮酒至稀里糊涂。仿佛是对他简朴可爱性格的最大奖赏，德沃夏克以另一种方式成为一个少有的人，因为他的成功不必等到死后。他的音乐立即受到欢迎。他具有极大的旋律天赋，他的波西米亚民歌的音响材料立即为听众所熟悉。
所有听众中最重要的一位就是勃拉姆斯，他成了德沃夏克最大的鼓吹者。他向他的出版商介绍了这位青年作曲家，出版商出版了德沃夏克的音乐作品。他们的关系还不止于一般的交际，你在德沃夏克的一些交响曲中，实际上能听到大量的勃拉姆斯的音乐的影响，特别是第七交响曲。
1892年，德沃夏克51岁时应邀到美国，掌管新成立的纽约国立音乐学院。他非常不愿意去，念念不忘他的民族骄傲、他丰富的波西米亚传统、他的家庭和崇拜者。后来，他发现薪水是他在布拉格音乐学院的25倍，他就乘第二班船出发了。德沃夏克在美国待了三年。他陷入深深的乡愁之中。在美国逗留的期间，他吸收了美国印第安人和黑人的音乐，创作了最为人熟知的作品第九交响曲-自新大陆。这部交响曲的第二乐章中，缓慢而忧郁的英国管独奏，令人想起了黑人音乐的灵歌；第三乐章的谐谑曲则描绘了森林中一场印第安人的盛大舞会。

【耶安·西贝柳斯】P58
像许多前辈音乐家一样，他为了取悦母亲，开始时也是追求“体面的”事业。在他的情况下，就是从事法律学习。但是一个伟大的作曲家是不能被压服的，他一年后就退出了法律学校，去赫尔辛基音乐学院开始学习音乐。
他的爱国情感从他的音诗《芬兰颂》中最辉煌地表现出来。从它的严厉的开头，中间经过热情、抒情的主题，直到最后动人的、喜洋洋的终结，体现了芬兰人民的灵魂，因而成为芬兰独立后的国歌。正像你能想象的，俄国人不仅被这件作品气得发疯，他们干脆禁止了它。

【卡尔·尼尔森】
格里格和西贝柳斯在他们生活的时候就成为声明远扬到国外的超级明星，但丹麦的民族主义作曲家卡尔·尼尔森却不是这样的。直到今天，很多人都不知道尼尔森是谁。这是一种耻辱，因为他的作品都是清新的、富有表现力的，而且写作时非常节省音符。

【格林卡和强力集团】
格林卡是第一个把民间音乐带入俄罗斯古典音乐的作曲家。你可能听到过他最出名的作品《鲁斯兰和柳德米拉》序曲，它是一首交响曲音乐会中的名曲，因为它轻柔的和汩汩（gu3）流淌的部分同响亮的爆发声形成了鲜明的对比，因为它用中提琴和大提琴奏出了有没的旋律，还因为它演奏起来不是很难。
格林卡是一位掌握长的、完整的旋律的大师（不像德国人，他们在自己的作品中吧许多短的片段织在一起）。他被浪漫主义时代俄国的作曲家欢呼为英雄。就在格林卡发展的过程中，五位作曲家形成一个叫做“强力集团”的小集团，他们决心从自己的音乐中消西欧的影响，坚持俄罗斯化达到了顶点。
他们都是一些不错的音乐家，但只有一个人（巴拉基列夫）开始就以音乐为职业。居伊是一位军事工程教授；鲍罗丁是一位化学家；穆索尔斯基是一位文职军官；里姆斯基-科萨科夫是一位海军军官。他们都出身于农民。
在完成了他在海军中的任务以后，里姆斯基-科萨科夫在圣彼得堡音乐学院任作曲教授。可以想象，他要保住这个职位是多么的困难，因为他的履历表上是航海22年，职业作曲还不到一年。但里姆斯基-科萨科夫却是一名好教师，甚至自己教自己也是好样的。在担任这一职务后，他自修了和声、曲式、音乐分析和对位，总比学生先走一步。
最后，里姆斯基的一些追随者靠自己的本事也成了大作曲家，其中就有普罗科菲耶夫和斯特拉文斯基。里姆斯基教他们音乐的必修课，但他擅长于一门特殊的技巧——配器法（把为钢琴所写的一件作品转换成大乐队演奏的作品）。里姆斯基甚至写过一本有关这一题目的经典著作，作曲家们至今仍在使用。
里姆斯基在历史上的另一卓越之处，就是帮助他的朋友穆索尔斯基完成了他最著名的作品《图画展览会》。穆索尔斯基虽然是五人中最富想象力和前瞻思想的音乐家，但却在完成作品中碰到了麻烦，部分是由于他缺乏作曲技巧，部分是因为他经常喝得酩酊大醉。里姆斯基改编了他的若干作品，包括著名的《荒山之夜》。

【彼得·柴可夫斯基】P63
柴可夫斯基富裕的父母注意到了他的内秀，但却充分认识到，一个音乐家是不会赚钱的，于是他们把他送到了圣彼得堡法律学校去。但是，就像他以前的许多没有成为律师的音乐家一样，彼得也从法律学习中退出，集中精力在圣彼得堡音乐学院攻读音乐。
这个可怜的家伙碰到了一次少有的机遇，一位铁路企业家新寡的贵妇梅克爱上了他的音乐。她很可能也爱上了他，但对这位19世纪铁路企业主新寡的贵妇来说，这是被禁止的事情。她不断地给他送钱，但却坚持不与他会面。不用说，他对她的援助是感激不尽的。他甚至把他的第四交响曲献给了她，题词是“赠给我最好的朋友”。
梅克的现金缓解了柴可夫斯基的经济困难，但他别的问题才开始露头。这主要是因为他是一个同性恋者，而同性恋在俄国是一项罪行，要被流放到西伯利亚去。柴可夫斯基大半生隐瞒了这一绝对可悲的天性。有一个时期，他以为可以“治疗”他的痛苦，甚至同一个异性倾慕者结了婚。但这场婚姻却是灾难性的，使他更加可怜，于是离了婚，情况比以前更糟了。
尽管他内心痛苦，但他的音乐——交响乐、芭蕾舞曲、歌剧和序曲——极受欢迎，他的名声遍及全世界。他甚至指挥了1891年纽约卡内基大厅开幕的音乐会。
柴可夫斯基最大的天赋就是旋律。
柴可夫斯基内心的斗争，成为《悲怆》交响曲背后的动机。许多音乐家认为，高亢的和渴望的旋律反映了他的隐秘的生活。最后一个乐章最具有毁灭性，柴可夫斯基在其中已经放弃了生的意愿。就在这一交响曲第一次公演一星期后，他自杀了。

【谢尔盖·拉赫玛尼诺夫】P65
拉赫玛尼诺夫虽然生活到1943年，但确是一位真正的俄国浪漫主义作曲家。他成长于圣彼得堡，受教育于该城的音乐学院，吸收了像柴可夫斯基和强力集团这些伟大的俄国大师的一切东西（在他毕业时，柴可夫斯基给了他前所未有的最高分数）。
在事业的早期，拉赫玛尼诺夫长期经历了所谓的“作曲家障碍”。在第一交响曲首演失败后，拉赫玛尼诺夫遇到严重的精神障碍，丧失了写作的灵感，不能写作一个音符。在拜访了一位催眠术者后，他才消除了精神上的障碍。
康复之后，拉赫玛尼诺夫写作了第二钢琴协奏曲，这是他最受欢迎的作品，他题献给了他的催眠者。

【克洛德·德彪西】P67
德彪西是一群被称为“印象派”的作曲家中的一员。他企图在音乐中描绘视觉、听觉、嗅觉和味觉所创造的印象，就像莫奈和雷诺阿这些印象主义画家描绘光影斑驳的田野、雨中的巴黎，等等。
德彪西在巴黎音乐学院学习时作曲课不及格，因为那儿讨厌古怪的和声。事实上，几年之后，另一个巴黎音乐学院的学生只是因为有一份德彪西的乐谱就被开除了。
德彪西最有意思的一项革新就是使用了全音音阶。德彪西第一个重要的作品是《牧神午后》前奏曲，它是根据斯蒂芬·马拉美的诗创作的。音乐完全适用于诗的基调，因为诗就是说一位牧神（半人半羊）在下午的冒险。它是梦幻的、能引起美感的、而又模糊不定的。

【莫里斯·拉威尔】
拉威尔眼中的英雄是德彪西，他也是法国人，也是巴黎音乐学院训练出来的印象派作曲家，但他的风格不同于德彪西的那种朦朦胧胧的音响。拉威尔的音乐受到美国爵士乐的影响。这是他1928年短期访问美国所获得的经历。
拉威尔另一首优秀的作品是《圆舞曲》。它写作于第一次世界大战后不久。在开头处，通过一阵不详的浓雾，乐队奏出一种朴素的、可爱的圆舞曲调子，它表现了过去优雅的、端庄的社会。但当作品进行时，圆舞曲变得古怪和更加扭曲了，这描绘了欧洲社会的堕落。最后，拉威尔再次使音乐达到粉碎性的结束，由全乐队奏出极端猛烈的爆炸声。

【伊戈尔·斯特拉文斯基】P70
他生长于一个成功的家庭中，打起行李到法律学校去，在音乐的诱惑中极力挣扎，最后抛弃了法律，成为一名作曲家。
伊戈尔为《火鸟》写作的音乐是一座里程碑。在巴黎的首演中，听众中没有一个人曾经听过节奏如此复杂，不和谐音如此奇怪和惊人的音乐。而且听众对斯特拉文斯基在作品中所创造的刺激和新音响获得了深刻的印象（斯特拉文斯基是里姆斯基-科萨科夫的学生）。
第二部《彼得鲁什卡》也是一部芭蕾舞剧，根据的是一个滑稽故事，主角是一个性饥渴的木偶。这部芭蕾舞剧音乐甚至有更多的不和谐音。例如，斯特拉文斯基有意同时写下两个和声，他们彼此进行可怕地冲突。但是，这种冲突时有目的的，它表现了对木偶身体部分的嘲弄。听众们理解这一效果。这部舞剧也获得了成功。
1913年，伊戈尔写出有如炸弹一般的作品《春之祭》。这部芭蕾舞剧的副标题《异教徒俄国的情景》就足以说明一切。正如斯特拉文斯基写道的：“在我的幻想中，我看到了一次庄严的异教徒仪式：一本正经的长老坐在圆圈中，看着一个少女跳舞直到死去。人们牺牲了她来取悦春之神。”
他为这一剧本写作的音乐，就好像一根棒球棍在肚子中猛烈捣击，所发出的声音，极端刺耳。旋律片段又短又不断重复，突然之间发出刺耳的不和谐音，各种乐器在其音域的边缘尖叫，节奏骇人听闻，轰轰作响，惨不忍闻。总之，它真是了不起。在公演的那天晚上（这是音乐史上最著名的首演式），听众只能做出他们知道的反应：他们捣毁了剧院。
也不是人人都憎恨这一演出。听众中也有一些巴黎的主要艺术家（包括法国著名作曲家德彪西），他们以欢呼来表示对这一音乐的肯定。不幸的是，这种热情只不过更加煽起暴乱者的怒火，甚至使那些音乐的污蔑者更加大声嚷嚷。爆发了拳战，人们彼此拥挤着逃出剧院。最后，至少有一个人向另一个人发出决斗的挑战。斯特拉文斯基从化妆间的窗子中逃出，假装去参加外面的暴乱。
只是在一年以后，这部芭蕾舞剧的音乐才在一次音乐会中演出，听众站了起来，一直欢呼到底。
在晚年，斯特拉文斯基变得非常有名和有经验，用几种风格进行创作，包括新古典主义音乐风格（非常简单的说，新古典主义音乐就是回到古典主义音乐的平衡和克制上，但却产生一大堆“错误的音符”）。

【肖斯塔科维奇】P73
1917年革命使苏联取代了俄罗斯之后，这个新集权主义社会及音乐都产生了自己的问题。肖斯塔科维奇被认为是苏联产生过的最优秀的作曲家。
斯特拉文斯基在这个国家完全变成集权主义以前就逃出了，但肖斯塔科维奇则作为一个作曲家而终生居住在苏联。肖斯塔科维奇又是一个神童，18岁时就写了他的第一部交响曲，被隐秘地称为“第一交响曲”。（它至今仍被认为是最优秀的。）这部交响曲听起来活泼、轻快而且大胆，在和声中常常有不和谐音。当时还有新思想的苏联官员们还喜欢它，因为它似乎体现了他们感觉到的革命干劲。
到了20世纪30年代中期，轻率和大胆在苏联观点中就不是好东西了，政府要求音乐歌颂现状。他曾获得成功的歌剧《姆钦斯克县的麦克白夫人》被赶下了舞台。肖斯塔科维奇从职业圈中消失，被证实定名为“人民公敌”。
后来，肖斯塔科维奇着手恢复他在苏联人民眼中作为作曲家的名誉，而且干得非常巧妙。他写了一部交响曲（第五号），其副标题是：《一位苏联艺术家对公正批评的答复》。
批评者们大吃一惊，因为这部作品正是他们所要求的那种苏联音乐。肖斯塔科维奇完全恢复了他在斯大林政权中的地位。他重新成为一颗明星，他的音乐又在全苏联演出了。
但是，肖斯塔科维奇笑到了最后。尽管有那个副标题，但是它的音乐听起来只能是对全国毛骨悚然局势的一种暗讽。如果你认真地听这一作品，你就能听到音乐上的隐喻，它描述了把人民的乐观情绪打击得粉碎的集权制度。事实上，多年以后，作曲家承认，他的确打算严厉地谴责斯大林制度。他说：“我认为，人人都能清楚地知道第五交响曲说的是什么。你如果听不出来，你就完全是一个傻瓜。欢乐是被迫做出来的，是在威胁下造出来的。
正如你所想象到的，肖斯塔科维奇在那以后的创作中，就不得不小心谨慎了。事实上，你也能从他的某些作品中感到这种小心谨慎。为了他的事业的更好发展，他不得不很好地隐藏起自己的灵魂。
在音乐史上，他是第一位其作品曾在外层空间演奏过的人。第一位宇航员尤里·加加林在飞机任务中通过无线电唱了肖斯塔科维奇的一首歌曲。

【第二维也纳乐派 阿诺德·勋伯格】P75
20世纪以前的许多作曲家都曾在维也纳居住和工作过。如海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、勃拉姆斯。这些大师指出了12世纪以来写作音乐的方向。但是当新世纪来临时，一个新的作曲家集团想永远地改变音乐，因为他们也居住在维也纳，就诙谐地取名“第二维也纳乐派”。他们的领袖人物是阿诺德·勋伯格。
他开始写作一种新的音乐，它没有任何调。这种音乐称为无调性音乐。它的音是不和谐的。
经过几年的试验之后，勋伯格甚至走得更远了。写作中选择音符时，他开始用数学和理智的规则取代盲目的灵感。今天，我们把这种音乐叫做12音作曲，或序列作曲。

【阿隆·科普兰】P77
科普兰是美国人最喜欢的古典音乐作曲家。他是纽约布鲁克林人，俄国移民的儿子。科普兰的音乐抓住了美国的精神中心。听他的一件作品，那就仿佛置身于斑驳的麦田之中。
科普兰早期的音乐有着欧洲在世纪之交时某些音乐潮流的回响。但当他前进时，他就企图创造一种风格，使美国听众对之发生共鸣。他在一些严肃的作品中增加了爵士乐的节奏于和声，并写作美国的传奇性题材，如《小伙子比利》。
科普兰最受欢迎的作品是《阿帕拉契之春》，这是一部芭蕾舞剧，描述一对新结婚的农民迁入阿帕拉契山的新居。在这件作品中，你能够感到露水降临乡间，体会丈夫和妻子在一块开始新生活时的喜悦，他们饱吸了阿帕拉契山路上的灰尘，又弄脏了新房中漂亮的彩绘窗台。

【乔治·格什温】P78
格什温的作品《蓝色狂想曲》原来是为一首钢琴和爵士乐队写的短协奏曲。（后来的版本，交响乐队代替了爵士乐队。）这部作品被保罗·怀特曼的交响乐队在现代传奇音乐会上演出，被称为“现代音乐的一次试验”。
这部作品惊人地把古典钢琴协奏曲同美国的爵士乐和布鲁斯结合起来。但是格什温在爵士音乐上比古典音乐更加在行，他记录下的钢琴演奏声响，证明他是一位熟练的爵士钢琴家。
格什温认为他在理论或作曲方面还缺少正规训练。结果他经常向一些成功的古典音乐作曲家请教，要求他们给予帮助和建议。他甚至（通过打网球）接近无调性、无旋律之父勋伯格。幸好这位老作曲家拒绝给格什温上作曲课。“我会把你搞成一个坏的勋伯格，”他说，“而你已经是如此优秀的格什温了！”



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【第三章 如何认识一首奏鸣曲】
【交响曲】P82
①第一乐章：轻快的和活泼的
通常有一个被称为奏鸣曲式的结构：呈示部—发展部—再现部
奏鸣曲形式的音乐有两个主题（或主旋律）。第一个通常是响亮的和有力的；第二个是安静的和抒情的。这些主题往往被称为男性的和女性的旋律。
在乐章一开始，你就听到坚强的第一主题，在和声部分的简短的有趣活动之后，较为柔和的第二主题就出现了。整个这一段的目的就是介绍或呈示这两个旋律。因此，这一部分就被成为“呈示部”。
然后进入新的段落。在这个段落中，作曲家发展了这两个主题，变化它们，让它们有一些有趣的音乐联系。这一部分被称为“发展部”。
最后，按开始时的次序再次引入主要的乐思：头一个是强而有力的主题，然后是较安静和较抒情的主题。作曲家以稍不同的形式重叙述这些主题，但仍能认清它们原来的样子。这一部分被称为“再现部”。
奏鸣曲形式的所有乐章都有统一的秩序。海顿、莫扎特、贝多芬和无数的其他作曲家所写的几乎所有交响曲、弦乐四重奏和奏鸣曲，都以奏鸣曲形式作为开头的第一乐章。

②第二乐章：缓慢的和抒情的
有如一个欢快如歌的主题（给作曲家一个显示自己旋律能力的机会）。这儿进行的是没有性别之争的旋律，结构可以比第一乐章更为宽松一些。你可以坐下来细细地品味。

③第三乐章：舞曲
一首交响曲的第三乐章是舞曲，一首小步舞曲（根据旧的宫廷舞而来），或是一首谐谑曲（意思是诙谐，一种快的，往往是情况的曲调）。第三乐章通常是四分之三的拍子，就是说，一小节有三拍子。交响曲之父海顿是第一个在交响曲中使小步舞曲成为标准装备的人。
这个第三乐章通常包含三个段落。第一个是你听到的小步舞曲或谐谑曲。然后来了对比的段落（往往是更小型的一组乐器），称为“三声中部”。最后，小步舞曲或谐谑曲部分又重新回来。

④终曲：嬉戏的
末乐章通常是快速的和强烈的，显示交响乐队的演奏威力。末乐章通常在性格上也是轻松的，常常是“回旋曲”的形式：A—B—A—C—A—D—A。

【奏鸣曲】P84
奏鸣曲就是为较小乐队创作的交响曲，甚至只为一两件乐器而创作。
奏鸣曲这个词的意思是“鸣响的”。这样一件作品给某一乐器显示其音响的机会。

【协奏曲】P85
协奏曲一词在意大利语中就是音乐会的意思。按今天的音乐术语，协奏曲就是一件音乐作品，其中一个演奏者在舞台前站着或坐着演奏音乐，同时乐队的其他人为她伴奏。协奏曲的独奏者就是男主角或女主角，是这场演出的领导者。他甚至不用看指挥，因为指挥是跟随着他的。在大多数伟大的协奏曲中，乐队并非单纯地按照独奏者的旋律进行伴奏的。在最伟大的协奏曲中，乐队处于同等重要的地位，翻来覆去地同主角对话，即所谓的“彼此抗争”。
如果你参加一个演出协奏曲的音乐会，可以买一张靠中心左边的位子。独奏家几乎总是站在或坐在指挥者的左边。如果是一位钢琴独奏家，他会坐在更左边一点（最左边也可以）。钢琴总是同键盘乐器一齐位于左边，如果你能看见钢琴家的手，那会更加有趣。
协奏曲几乎一直是三乐章的，就是说，由暂停而分成三个对比的段落。大多数情况下，这三个乐章是这样设计的：快—慢—快。这种构造已经历了数个世纪，所有种类的音乐作品特别是协奏曲都是这样的。它能使独奏家在第一和最后乐章中表现她的惊人技巧，而在中乐章，则使听众进入一个更加亲切的精神世界中去。

【华彩乐段Cadenza】P86
华彩乐段Cadenza是终止式Cadence的意大利文。终止式就是一种简单的具有下降趋势的和声进行，其中一个和弦到达另一个和弦，并停在这个自然稳定的和弦上。
但是，在协奏曲乐章到达结尾时，这一和弦进行被彻底打断了。在最后和弦或和弦的进行能够被听到之前，突然一切事物都暂停了，只有独奏者在继续演奏。如果她演奏的很好，她就能创造一种悬念和期望，就像打喷嚏者发出“啊啊啊”的声音，使你等待它发出“嚏”的声音。
往日，独奏家都是即兴演奏他的华彩乐段的。今天，独奏者通常演奏的华彩乐段，都是别人创作的。无论怎么说，华彩乐段的意思就是即兴演奏。

【小夜曲和嬉游曲】P88
对一位严肃的古典音乐作曲家来说，如果他的西方音乐伟大作品仅仅是为了跳舞时演奏，他是绝对不甘心的，因为这使他的音乐作品完全不是用于聆听。但是，写小夜曲和嬉游曲的作曲家正好必须忍受这一点。因为这类音乐是最原始的音乐广播网。
作曲家们就受雇来写作小夜曲和嬉游曲，提供给演奏背景音乐的乐队。

【主题与变奏】P89
一个音乐的主题只不过是出现在作品开头的一个旋律。在作曲家完成他对音乐主题的陈述之后，他又一再地陈述它，每次对它进行一点点的变化。一个变奏可能是改变了主题的和声，另外一个可能是改变了它的节奏，而再另外一个可能是为了装饰而添加许多音符以改变它的旋律。但是，当你听到每一变奏时，你就能多少听出原来的主题。
海顿的第九十四交响曲第二乐章有一个朴素的主题。乐章的其余部分包含了一个变奏接一个变奏。海顿所创作的另一个旋律，被后世的作曲家用来作自己的变奏曲。如勃拉姆斯的《海顿主题变奏曲》，便是这一题材的最杰出的的例子。

【音诗】P90
音诗没有固定的、标准的结构。但是，它却有更紧迫的目的；它被认为是通过乐队的音响而讲故事。在某种意义上来说，音诗就是电影音乐减去电影。

【歌曲】P91
艺术歌曲通常是根据著名诗歌而创作的，如歌德的作品即是。许多伟大的德国诗人生活在那个时代，所以就不奇怪能找到如此众多的德国歌曲大作家了。
主要的一位就是舒伯特。舒伯特虽然是《未完成交响曲》的作曲家，但他却毫无困难地完成了600多首歌曲。从18岁起，他就创作具有极大深度和热情的歌曲，如《魔王》。

【清唱剧】P92
清唱剧都是宗教作品，是一些前所未有的最荣耀的音乐。
在中世纪，音乐的主要作用就是为宗教服务。它由僧侣和一群小男孩来演唱，都是关于宗教题目的。在巴洛克时代，所有著名的作曲家都写作宗教主题的音乐，其中包括清唱剧。
清唱剧是分量很重的音乐作品，往往长达几小时，由合唱、乐队和独唱者演出，通常都是讲述圣经的故事。亨德尔以其清唱剧《弥赛亚》而知名。在美国城市中，每一个圣诞节都会演唱这一清唱剧。



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【第三部分 交响乐队的现场指南】
【第6章 键盘乐器一族】
【6.1 钢琴】P157
 “octave”(八度)一词，其头字母同”octagon”（八面）、”octopus”（章鱼）的字头是一样的。
【踏板】：多数钢琴都有两个踏板。右边的一个叫做延音踏板。左边的一个叫做弱音踏板。有些钢琴在中间还有第三个踏板，比如你想在音乐的众多音中显露一个音，那就可以这样做：弹奏这个音，同时用脚踏着中间的踏板。这时你就能放开这个键，而钢琴还持续着这个音。今天有些钢琴制造商不再提供中间的踏板了。

【6.2 羽管键琴】P160 
羽管键琴在巴洛克和早期古典时期的音乐中是首选的键盘乐器，今天你仍然能听到那些时期的音乐的演奏。像巴赫、亨德尔和维瓦尔第这些大音乐家的大量作品，如果没有羽管键琴，是很难演奏的。
羽管键琴是不敏感的，每个键都发出中等的音量，不管你如何重击琴键都是这样。它不像钢琴的声音那样地柔美或丰富，而是丁玲当啷的，甚至有时候是吱吱嘎嘎的。这是因为羽管键琴的弦不是敲响的，而是拨响的。
钢琴因为有极柔软的槌子敲击琴弦，所以能发出各种不同的声音；而羽管键琴则是在琴弦附近有一些小钩子（拨子），如果你按下羽管键琴的键子，相应的钩子就会拨击相应的弦，就像用指甲去拨一把弓的弦一样。

【6.3 管风琴】P162 
管风琴的内部是一个气泵。今天，气泵已经电气化，一个马达就能保证有不断的气流供给管风琴使用。但是在过去，气泵是由几个少年来操纵的，当管风琴演奏时，他们受雇在风箱上跳上跳下。
管风琴为了演奏每一个音，大约有1到1000个管子。每个管子发出略微不同的声音，如小号声、弦乐声等。如果你需要听其中的一种，就可以拔出演奏台上的一个小旋钮（叫做音栓），它就在键盘附近。一个真正巨大的管风琴演奏台是一个可怕的东西，它看起来就像一架飞机的座舱和一架桌上弹球机的混合物。拔出某个管子的音栓，让空气从风箱中流入管子，它就会发出声音。如果把音栓推回去，就隔断了通往这一管子的空气。管风琴并不限制一个时候只拨一个音栓，你可以随心所欲地选择许多音栓，如果你想在A音上听到弦乐器、小号和双簧管的声音，就拔出这三个音栓。
差不多所有的管风琴都有踏板。它们不像钢琴的踏板，每一个踏板踩下时只发出一个低音。它们使用起来就像一个微型键盘，既有升号也有降号，因此管风琴演奏家能手脚并用地弹奏。在巴赫年代，他不仅以作曲，而且以其在键盘和踏板上不可思议的灵巧而闻名于世。



【第7章 弦乐器一族】
【7.1 小提琴】P166 
最初，这些弦是由猫肠子制成的，网球拍的弦有时也是猫肠做成的。原因就是猫肠可以伸到不同的长度，并能发出十分悦耳的声音。
最优秀的小提琴是300年前由意大利著名的制造家斯特拉迪瓦里和瓜儿内里制造的，每把价值数百万美元。
【调音】：在一个交响乐队中，你要听双簧管主奏者，他们的任务就是为全乐队给出标准的A音。
【拨弦】：最著名的就是柴可夫斯基第四交响曲的第三乐章，在这里演奏者根本不用弓子，事实上在整个乐章中把它们放在一旁。

【7.5 竖琴】P175 
竖琴有47根琴弦。像其他弦乐器一样，竖琴在每一次彩排和演出前必须调弦。结果，竖琴演奏者在每次彩排中至少要提前47分钟到场，以便把47根琴弦调好。有的弦用颜色涂上。C弦是红色的，F弦是蓝色的。竖琴演奏者根据它们到C或F弦的距离来认出其他的弦。
除了47根弦外，竖琴还有7个踏板。在竖琴演奏者演奏时，这些踏板可以改变弦的音高。每个踏板都同音阶中的一个音符相配。有A踏板、B踏板、C踏板等。每个踏板上还在上中下处有3个锁孔。踏板上装有弹簧，你可以用脚踏下或放松踏板，开或关不同的锁孔。
如果把所有的踏板都在中间位置锁住，竖琴47条弦所发出的音完全同钢琴白键上所发出的音一样。但是，如果你要弹奏这些音中间的一个音，那又怎么办呢？例如，假设你要弹奏升A，那就用右脚把踏板压倒底部位置，这样就使竖琴上所有的A弦都紧了一紧，使他们发出升A音。

【7.7 不常见的弦乐器】
琉特琴（Lute）：是一种曲颈拨弦乐器。一般这个词主要指中世纪到巴洛克时期在欧洲使用的一类古乐器的总称，是文艺复兴时期欧洲最最风靡的家庭独奏乐器。

曼陀林琴：拨奏弦鸣乐器，音色明亮且纤细，它与琉特琴类似并与其有密切关系的弦乐器。曼陀林是琉特琴的变体，最初是在18世纪由16世纪的小竖琴曼朵拉演变而成。现今最为人们所知的曼陀林变体产生于那不勒斯 。19世纪由意大利曼陀林制造家P·维纳恰予以改进，奠定了现代的式样。18世纪和19世纪的作曲家有时也为曼陀林创作作品。在意大利（尤其是在南方）和美国，曼陀林主要是民间乐器，在美国，它常与吉他和班卓琴一起被用于乡村音乐。

班卓琴（Banjo）：上部的形状像吉他，下部的形状像铃鼓，有四根弦或者五根弦，用手指或拨子弹奏。历史相传，班卓琴起源于西非，在17 世纪奴隶买卖盛行的时代，黑奴把它引进新大陆。后来，班卓琴从南方的种植园渐渐传至美国北方各州，在拓殖者中流行起来。






【第8章 木管乐器一族】P180 
木管乐器包括长笛、双簧管、单簧管、大管和萨克斯管。往日，它们大多数是木头制的，但现在只有双簧管和大管一直用木头制造。长笛由各种金属制成，包括银子、金子和铂金。单簧管由塑料制成。萨克斯是由铜制造。
木管乐器靠使空气柱震动而发声（空气柱就在乐器内部）。你按下木管乐器的键，改变空气柱的长度，从而改变音高，空气柱越短发出的音越高。
你吹过可口可乐的空瓶子吗？当你在瓶口上吹进气流，瓶内的空气开始流动，就发出了一个音高。在瓶内灌上一点水，再吹时的音就更高一些。你不断加水，就会使瓶内流动的空气减少。空气震动越少，音就越高。

【8.1 长笛】P183 
除了短笛之外，还存在着其他像笛子一样的乐器。长笛中一种较大的并且音较低的是中音长笛。它很少使用，却给比较低的音一种华丽的、丝质一般的性质。（如斯特拉文斯基《春之祭》，特别是第二部即将开始时的中音长笛独奏）。还有一种比中音长笛还要大并且音更低的长笛叫做低音长笛。

【8.2 双簧管】P184 
几乎所有的双簧管演奏者都是自己制作簧片的。制作簧片的本事，被认为同演奏一样是必需的。吹奏时，双簧管的簧片一定要保证它一直是湿润的。

【8.4 单簧管】P186 
单簧管演奏者不需要自己动手做簧片，他们可以购买现成的，因为单簧管的簧片比起双簧管来不那么多变。

【8.5 萨克斯管】P188 
萨克斯管是由铜制成的，但因为它的演奏方式而被视为木管乐器。它很像单簧管。事实上，许多单簧管演奏者附带也演奏萨克斯管。萨克斯管至少有6种不同的尺寸。它们都是能变调的乐器，就像单簧管一样。




【第9章 主要的铜管乐器】P191 
演奏铜管乐器是很费体力的。它要求一种难以置信的自信程度，以及一种真正的自信感。这是因为这种乐器在演奏时要盖过其他乐器。这种职业对逆来顺受和心虚胆怯的人都是不合适的。
铜管乐器和木管乐器的区别不在于它们是铜制成的。毕竟说来，萨克斯管也是铜制成的，但它被认为是木管乐器，这是因为它的簧片体系和指法非常接近于单簧管。铜管乐器的区别在于，它的发声方法不同。

【9.1 圆号】P193 
铜管乐器中发出最高贵声音的就是圆号。它的声音丰满、嘹亮而有些忧郁，既有力又优雅。它常常被称为法国号，然而实际上它也不是法国的。很久以前，这种骄傲的乐器是皇家狩猎的固定节目。
现代圆号有回转式阀键。用左手指按动这些阀键，实际上就是把管子缩短或伸长，改变圆号的全部音高。但是，回转式阀键并不能完全取代嘴唇的作用。不管是自然圆号还是阀键圆号，都必须悉心研究嘴唇松紧度的各种可能性。

【9.3 长号】P198 
长号是一种典型的行进乐器，游行队伍没有它就不成。
增加长号的管长，以提供更长的空气柱。这时你就知道，更长一些的空气柱产生更低的音。当你把滑管拉到下一把位时，长号就低了半音（长号共有7个把位）。
你可能听到这种有趣的效果。它名为滑音，它在爵士乐和卡通片音乐中使用的情况比在古典音乐中要多得多。




【第10章 最受欢迎的打击乐器】
【10.3 钹】P204 
定音鼓的演奏和钹的撞击，是任何作品高潮到来的极标准的表示。
你也可以把钹挂在架子上，然后用一些槌子在上面滚奏，结果就会发出一种波浪声，类似大海波浪的撞击。事实上，法国作曲家德彪西在《大海》中就完成了这一目的而使用过它。

【10.4 小鼓】P205 
小鼓使我们勇敢的士兵在行军时步伐一致。
小鼓独一无二的声音是由响弦而来的。这种响弦是由长度不一的钢丝或尼龙线做的，紧紧地伸在鼓的底面。当鼓震动时，响弦就在皮膜上嗡嗡作响，创造出军队进行时那种具有特点的噶擦声。小鼓的侧边有一根杆，可以让你解开鼓底面的响弦。如果你这样做了，鼓的声音就完全改变了，变得更低和更重。

【10.7 三角铁】P207 
你用一根细的金属棒轻敲三角铁，就会发出一种优美而清脆的“叮”声。粗的金属棒（或三角铁）就产生更厚重的“铛”声。为了让三角铁自由地震动，你要把三角铁用一根绳子吊起来，一只手提着它，另一只手用一根棍子敲击或者滚击它。为了使三角铁发出令人信服的颤音，你可以用棍子在三角铁的两边来回猛敲。有些人则喜欢在三角铁内部的三个边上滚动地敲击，用这样的方法可以得到一种更刺耳的声音。

【10.9 齿轮刮响器】P210 
由木头制成，它有一个木齿轮和若干木条。如果你摇动手柄（就像你操作鱼竿一样），就能使齿轮同木条相撞，发出一种很响的哒哒声。





推荐曲目汇总：
【钢琴作品】
协奏曲：①贝多芬第四和第五钢琴协奏曲  ②勃拉姆斯第二钢琴协奏曲  ③肖邦第二钢琴协奏曲  ④拉赫玛尼诺夫第三钢琴协奏曲   ⑤格什温F大调钢琴协奏曲
独奏曲：①巴赫平均律钢琴曲集（四十八首前奏曲和赋格，被认为是当代许多钢琴作品的老祖宗） ②贝多芬第十四号钢琴奏鸣曲（月光奏鸣曲）  ③肖邦前奏曲作品28号  ④格什温三首前奏曲（为爵士乐之王写的，是三首钢琴曲的套曲，它的名称受巴赫前奏曲的影响）
⑤莫扎特C大调钢琴奏鸣曲K545

【羽管键琴作品】
①巴赫：为羽管键琴和弦乐队的D小调协奏曲  ②库普兰：秘密的街垒  ③亨德尔：和谐的铁匠  

【管风琴作品】
①巴赫：d小调托卡塔和赋格（常用于的万圣节） ②亨德尔：F大调协奏曲（杜鹃和夜莺）
③圣桑：第三交响曲（管风琴交响曲）

【小提琴作品】
协奏曲：①巴赫：D小调两把小提琴协奏曲  ②贝多芬：D大调小提琴协奏曲  ③勃拉姆斯：D大调小提琴协奏曲  ④西贝柳斯：D大调小提琴协奏曲  ⑤柴可夫斯基：D大调小提琴协奏曲
你注意到这儿的相同之处了吗？许多作曲家都为其小提琴协奏曲定位D调。这是因为这个调为这种乐器开启异常强大的可能性，而这种乐器有一根突出的D弦。的确，有些作曲家除了D调外也用其他调写协奏曲；而这些调同小提琴的其他弦（G，A和E）也是相一致的。
①门德尔松：E小调小提琴协奏曲  ②莫扎特：A大调第五小提琴协奏曲  ③贝多芬：A大调小提琴和钢琴奏鸣曲第九号  ④勃拉姆斯：G大调奏鸣曲第一号

【中提琴作品】
协奏曲：欣德米特：《悼歌》
奏鸣曲：①欣德米特：中提琴和钢琴奏鸣曲，作品25第一号  ②柏辽兹：哈罗德在意大利   ③施特劳斯：唐吉可德

【大提琴作品】
协奏曲：①德沃夏克：B大调大提琴协奏曲  ②海顿：C大调第一大提琴协奏曲  ③柴可夫斯基：洛可可主题变奏曲  
奏鸣曲：①勃拉姆斯：F大调第二大提琴奏鸣曲  ②德彪西：大提琴与钢琴奏鸣曲  
著名段落：①德彪西：大海（第一乐章） ②罗西尼：威廉退尔序曲  ③施特劳斯：唐吉可德（大提琴独奏代表拉曼恰）

【低音提琴作品】
著名片断：①贝多芬：第九交响曲第四乐章  ②马勒：第一交响曲第三乐章  ③斯特拉文斯基：普尔欣奈拉组曲

【竖琴作品】
①莫扎特：C大调为长笛和竖琴而作的协奏曲  ②拉威尔：竖琴和弦乐器的引子和快板
著名片断：①马勒：第五交响曲（第二乐章） ②里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭  ③柴可夫斯基：胡桃夹子组曲，花的圆舞曲  ④德彪西：大海


【吉他作品】
①华金·罗德里格：阿兰胡埃斯协奏曲、绅士幻想曲  ②维瓦尔第：D大调吉他协奏曲

【长笛作品】
协奏曲：①莫扎特：G大调第一长笛协奏曲、C大调长笛和竖琴协奏曲  ②维瓦尔第：D大调长笛协奏曲  ③福雷：长笛与室内乐队的幻想曲
奏鸣曲：①普朗克：长笛与室内乐队的幻想曲  ②巴赫：b小调第一奏鸣曲
独奏：①德彪西：牧神午后前奏曲  ②门德尔松：仲夏夜之梦配乐  ③拉威尔：达夫妮丝与克洛艾第二组曲   ④勃拉姆斯：第四交响曲第四乐章
片断：莫扎特第二十二钢琴协奏曲中，有一段非常短的、活泼的和快乐的长笛独奏。柴可夫斯基第六交响曲最后的最后乐章中，你可以听到低沉而迷人的三只长笛合奏的段落。


【短笛作品】
①罗西尼：贼鹊序曲  ②普罗科菲耶夫：基日中尉组曲

【双簧管作品】
协奏曲：①巴赫：c小调小提琴与双簧管协奏曲  ②莫扎特：C大调双簧管协奏曲
小品：①舒曼：双簧管和钢琴的三首浪漫曲  ②贝多芬：两支双簧管和一支英国管的C大调三重奏，作品87 
独奏：①勃拉姆斯：D大调小提琴协奏曲第二乐章（最有名） ②勃拉姆斯：交响曲第一号（第二乐章）  ③拉威尔：库普兰之墓   ④罗西尼：软梯序曲

【英国管作品】
①斯特拉文斯基：春之祭的开头  ②柏辽兹：罗马狂欢节序曲  ③德沃夏克：第九交响曲第二乐章  ④西贝柳斯：图内拉的天鹅

【单簧管作品】
协奏曲：①莫扎特：A大调单簧管协奏曲，K622   ②阿伦·科普兰：单簧管协奏曲   ③德彪西：单簧管与乐队的第一狂想曲
其他：①勃拉姆斯：单簧管与钢琴奏鸣曲，作品120，第一号和第二号   ②莫扎特：A大调单簧管五重奏  ③舒伯特：岩石上的牧羊人，人声、单簧管和钢琴

【萨克斯管作品】
①穆索尔斯基：图画展览会  ②拉威尔：波莱罗  

【大管作品】
①柏辽兹：幻想交响曲第四乐章  ②杜卡：魔术师的弟子  ③里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭第二乐章  ④普罗科菲耶夫：彼得与狼（老祖父的声音）  ⑤柴可夫斯基：第六交响曲最后一个乐章

【圆号作品】
协奏曲：①莫扎特：e小调第三圆号协奏曲  ②施特劳斯：e小调第二圆号协奏曲
较短的作品：①贝多芬：为圆号和钢琴而作的F大调奏鸣曲  ②舒曼：为圆号和钢琴而作的降A大调柔版和快板
片断：①勃拉姆斯：第一交响曲第四乐章  ②拉威尔：悼念公主帕凡舞  ③施特劳斯：蒂尔恶作剧  ④柴可夫斯基：第五交响曲第二乐章

【小号作品】
协奏曲：①海顿：降E大调小号协奏曲  ②贝多芬：莱奥诺拉第三序曲  ③马勒：第五交响曲第一乐章（在全乐队进入之前，有12小节长的壮丽的小号独奏）  ④施特劳斯：查拉图斯特拉如是说

【长号作品】
协奏曲：①里姆斯基-科萨科夫：长号与乐队协奏曲、俄罗斯复活节序曲  ②拉威尔：波莱罗  ③罗西尼：威廉退尔序曲（暴风雨一段）  ④瓦格纳：飞驰的女武神

【大号作品】
协奏曲：①拉尔夫·沃恩·威廉斯：大号协奏曲  ②约翰·威廉斯：大号协奏曲
独奏：①格什温：一个美国人在巴黎  ②斯特拉文斯基：彼得鲁什卡（农夫与熊）  ③穆索尔斯基 拉威尔改编：图画展览会（牛车）

【定音鼓作品】
①贝多芬：第九交响曲（第二乐章） ②理查德·施特劳斯：查拉图斯特拉如是说   ③肖斯塔科维奇：第五交响曲
【大鼓作品】
①威尔第：安魂曲   ②柴可夫斯基：第四交响曲（第四乐章）   ③斯特拉文斯基：《春之祭》

【小鼓作品】
①拉威尔：波莱罗  ②普罗科菲耶夫：基日中尉组曲   ③里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭（第四乐章）  ④罗西尼：鹊贼序曲

【木琴作品】
①圣桑：死亡之舞（用木琴模仿骷髅骨头彼此相碰咔咔作响的声音） ②阿隆·科普兰：牧区竞技

【钟琴作品】
①德彪西：大海  ②马勒：第四交响曲第一乐章  

【三角铁作品】
①理查德·施特劳斯：查拉图斯特拉如是说  ②勃拉姆斯：e小调第四交响曲第三乐章 
③李斯特：第一钢琴协奏曲  ④柴可夫斯基：胡桃夹子组曲第一乐章

【铃鼓作品】
①里姆斯基-科萨科夫：天方夜谭  ②拉威尔：达芙妮和克洛艾第二组曲  ③比才：卡门第二组曲（吉普赛舞）  

【大筛锣】
①肖斯塔科维奇：第五交响曲  ②斯特拉文斯基：春之祭   ③科普兰：普通人的号角花彩

【响板】
①拉威尔：西班牙狂想曲  ②德·法亚的芭蕾舞：三角帽

【乐鞭作品】
①拉威尔：G大调钢琴协奏曲（它是我们所知的用乐鞭独奏开始的唯一作品）

【齿轮刮响器】
①理查德·施特劳斯：蒂尔的恶作剧（像顽皮的英雄打败敌人的傲慢的样子）